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영국은, 회화사에서 오랫동안 불모지였습니다. 르네상스 시대, 바로크 시대를 통해서 한스 홀바인, 안토니 반 다이크 등의 외국 출신의 화가를 제외하고, 눈여겨볼 화가는 없었습니다. 영국 화가에 의한, 영국 독자적인 양식을 가진 회화가 태어난 것은 18세기, 유럽 대륙에서는 로코코 미술이 전성기일 때였습니다. 호가스는 그러한 18세기의 영국 화단을 대표하는 국민적 화가입니다.
한스 홀바인 (Hans Holbein, 1497-1543)은 독일의 유명한 화가이자 초상화가로, 주로 북유럽 르네상스 시대에 활동하였습니다. 그는 화가인 아버지 아래에서 성장하며 예술적 감각을 키웠습니다. 젊은 시절부터 아버지로부터 그림을 배우고 아수크스부르크파의 사실적인 화풍을 익혔습니다. 그의 경력 초기에는 바젤에서 활동하며 많은 초상화와 삽화를 제작하였고,나중에는 헨리 8세의 궁정화가로서의 경력을 쌓았습니다.
그의 작품은 모델에 대한 정확한 관찰과 세밀한 묘사로 특징지어지며, 인물의 성격과 감적을 잘 포착합니다. 홀바인의 대표작 으로 < 대사들>, <헨리 8세의 초상>, <로트르담의 에라스무스>, 그리고 <죽음의 무도> 가 있습니다. 특히 <헨리 8세의 초상>은 그의 능력을 극대화한 작품으로, 왕의 권위를 강조하는 방식으로 그려졌습니다. 또한 <에라스푸스의 초상>은 그의 세밀한 묘사력이 잘 드러나는 작품입니다.
안토니 반 다이크 (Anthony van Dyck, 1599-1641)는 초상화가로서 특히 두각을 나타냈습니다. 그는 1632년부터 찰스 1세의 궁정화가로 임명되어, 그의 생애 동안 200점이 넘는 초상화를 제작했습니다. 그의 초상화는 인물의 내적 감정을 섬세하게 표현하며, 부드러운 구도와 화려한 색채로 잘 알려져 있습니다. 이는 그가 종교, 신화, 우의적 주제를 다루는 데도 뛰어난 재능을 보였음을 의미합니다.
반 다이크는 대가 루벤스에게 배우고 그의 조수로 활동했습니다. 이탈리아에서 티치아노와 베로네세와 같은 대가들의 영향을 받았고요. 이러한 경험은 그가 영국 회화에 미친 영향력을 더욱 강하게 형성하는 데 기여했습니다. 그는 특히 영국 미술계에서 중대한 역할를 하며, 많은 초상화가들에게 영감을 주었습니다. 그의 대표작으로 < 찰스 1세의 초상>,<찰스 1세의 사냥> 등이 있습니다.
르네상스 시대에도 막장 드라마가 있었습니다. 어느 시대를 막론하고 인류에게 가장 큰 희열과 쾌감을 주는 소재가 아닌가 싶습니다. 윌리엄 호가스( William Hogarth, 1697-1764)는 당시 사회와 사람들을 비판하는 풍자를 그려낸 작가로 유명합니다. 특히 돈 많은 귀족들의 어리석은 모습을 많이 그렸지요. 부패한 귀족들의 세계와 상류사회에 진입하고자 하는 꼴사나운 부르주아 출세주의자, 탐욕스런 성직자, 게으른 군인, 가난한 하류계층을 포함한 모든 사회계급의 관습을 날카롭게 비판합니다. 그의 그림들은 한 그림에서 끝나지 않고, 연작물로 그려진 다는 것이 가장 큰 특징입니다. 지금의 드라마처럼 어떤 스토리가 이어진 다는 점이 매력적입니다.
그의 연작 중 하나인 < 난봉꾼의 행각 The Rake's progress>을 살펴봅니다. 이 연작에서 그는 돈 많은 귀족들의 삶을 풍자하고 나섭니다. 지금의 막장 드라마와 다를 바 없는 그 당시 귀족들의 삶을 작품을 통해 알아봅니다.
<난봉꾼의 행각 The Rake's Progress>(1732) 은 총 8가지 그림으로 이루어집니다. 이 연작의 첫번째가 바로 위 그림 <상속자 The Heir> 입니다. 그림 중앙에서 거만하게 서 있는 주인공의 이름은 '톰 레이크'입니다. 그는 부자였던 아버지의 죽음으로 재산을 상속받아 갑자기 돈방석에 앉은 졸부입니다. 덕분에 레이크(Rake)는 부유한 삶을 살기 시작하지만 매춘과 도박에 많은 재산을 탕진하며 난봉꾼으로서의 이름값을 톡톡히 합니다.
<난봉꾼의 행각 The Rake's Progress>(1732)에는 레이크가의 변해가는 모습들이 담겨 있습니다. 맨 좌측에 난봉꾼 레이크의 약혼녀, '사라 영'이 보입니다 . 그런데 그녀가 울고 있네요. 레이크가 돈 몇 푼을 손에 들고 있는 것으로 보아, 아마 사라에게 돈을 줄 테니 약혼을 깨자고 하는 상황인가 봅니다. 이렇게 염치없는 약혼자임에도 불구하고, 사라는 처음부터 끝까지 그 곁을 지키는 유일한 사람입니다. 같은 주제의 판화 본 도 있습니다. 유화 작품과 비교해 보는 것도 좋은 듯 싶습니다.
연작 두 번째, < Surrounded by artists and professors>. 제목 그대로 예술가들이 레이크를 둘러싸고 있습니다. 그의 주위엔 자세를 취하고 있는 펜싱 선수와 , 위협적인 모습으로 보디가드를 청하는 사람도 있습니다. 그리고 아주 반가운 인물도 등장합니다. '음악의 어머니'로 익숙한 음악가, 헨델입니다. 비록 피아노 치는 뒷모습으로 나왔지만, 또 그마저도 후대 사람들의 추측으로 불과하지만 말입니다. 쌓여있던 재산을 사용하기 시작한 레이크에게 상류층이 즐기는 스포츠나 예술을 가르치기 위해 수많은 사람들이 모여든 모습입니다. 이 그림에서도 시종일관 거만하게 서있는 레이크의 모습이 생동감 있습니다.
게오르크 프리드리히 헨델은 독일 출신의 작곡가로, 바로크 시대 음악의 주요 인물 중 하나입니다. 그는 1685년 3월 5일 프로이센 마그데부르크 공국 할레에서 태어났습니다. 1759년 4월 14일 잉글랜드 런던에서 세상을 떠났고요. 헨델은 프로이센에서 태어난 후, 함부르크, 이탈리아, 그리고 영국 런던으로 활동 무대를 옮겼습니다. 특히 런던에서의 성공은 그의 경력의 전환점이 되었고, 그는 영국 왕립 음악원의 음악 감독으로 오랫동안 재직했습니다. 헨델의 오페라 <리날도>는 런던에서 첫 공연을 하였으며, 이는 그의 경력 초기에 큰 성공을 거두었습니다. 헨델은 오페라, 오라토리오, 기악 작품 등 다양한 장르에서 46곡의 오페라와 23곡의 오라토리오를 포함한 많은 작품을 남겼습니다. 그의 음악은 풍부한 리듬과 멜로디, 극적인 요소가 결합된 특징을 지니고 있습니다.
연작 세 번째., <Scene in a Tarven> 입니다. 술집에서 여인들과 술을 마시고 있는 레이크의 모습입니다. 그의 풀린 눈빛과 널브러져 있는 다리를 좀 보세요 . 그가 술을 마신 건지, 술이 그를 마신 건지 반쯤 걷어 내려진 양말이 만취상태임을 드러냅니다. 거나하게 취한 레이크의 주변에 약혼녀인 사라의 모습은 어디에도 보이지 않습니다. 자세히 보니, 두 여인이 레이크의 시계를 훔치고 있음을 알 수 있습니다. 물론 동공 풀린 레이크의 모습을 보니 꿈에도 모르고 있는 듯합니다. 이 두 여인의 얼굴에는 검은 점들이 있습니다. 이 점들은 그 당시 유행하던 매독을 감추기 위해 찍었던 점이라고 전해집니다. 레이크는 이 때부터 본격적인 패가망신의 길로 들어섭니다.
매독은 성 접촉에 의해 전파되는 성병으로, 매독균( Treponema pallidum)에 의해 발생하는 감염성 질환입니다. 이 질병은 감염 후 여러 단계로 진행되며, 각 단계에서 다양한 증상과 합병증이 생길 수 있습니다. 감염된 산모가 아기에게 태어날 때도 감염될 수 있습니다. 매독균은 손상된 피부나 점막을 통해 침투하여 감염을 일으킵니다.
1기 매독: 성 접촉 시 감염된 후 약 3주 후에 통증이 없는 궤양이 생기는 단계입니다.
2기 매독: 1기 매독이 회복된 후 약 4주에서 10주 사이에 발생합니다. 불그스름한 발진, 림프절 비대 등의 증상이 나타납니다.
잠복 매독: 증상이 없는 상태이며, 과거의 감염력이 있으나 감염에 대한 증상이 나타나지 않는 상태입니다. (감염 후 2년 이내)
3기 매독: 치료를 받지 않으면 몇 년 후 나타날 수 있습니다. 신경계와 심혈관계에 심각한 손상을 초래할 수 있습니다. 이 단계에서는 감염성이 없으며, 다양한 합병증이 발생할 수 있습니다.
초기 단계에서는 페니실린 주사로 쉽게 치료할 수 있습니다. 치료 후에는 정기적인 검진이 필요하며, 감염이 완치되면 전염성은 사라집니다.
https://www.youtube.com/watch?v=W6EVj6Ls_K0
네 번째 연작, < The Arrest for theft> 입니다. 레이크에게 웨일즈의 집행관들이 찾아와 채무불이행으로 체포하려 합니다. 흥청망청 돈을 써대던 그에게, 처음으로 돈 때문에 위기가 닥쳤습니다. 이전까지 자신만만하고 여유롭던 모습은 어디로 갔는지, 놀라서 입을 다물지 못하는 레이크 입니다. 이 와중에도 그를 지키고자 하는 사람이 있으니 불쌍한 약혼녀, 사라입니다. 사라는 그를 체포하려는 집행관들을 막고 대신 돈을 지불하려고 합니다. 모자가 들어 있는 가방을 차고 있는 것으로 보아, 부지런히 길거리에서 모자를 팔고 있었나 봅니다. 돈을 마구 써대는 것도 모자라 체포될 위기에 처한 약혼자의 모습과 비교되는 부분이기도 합니다.
다섯 번째,<Marrige> 입니다. 드디어 사라와 결실을 맺는 구나! 했더니 아닙니다. 레이크는 어떤 늙은 여인과 결혼하고 있습니다. 이 시점에서도 젊은 시녀에게로 눈이 돌아가는 레이크를 보아 추측하건대, 그가 결혼한 이유는 여인이 쌓아둔 재산 때문임이 틀림없습니다. 반지를 끼워주면서도 신부를 쳐다보지 않네요.
그럼 일편단심 사라는 어디로 갔을까요? 시녀의 뒤를 보면 실랑이를 벌이는 사람들의 실루엣이 보입니다. 짐작대로, 이들은 사라와 그녀의 어머니입니다. 아마도 레이크의 결혼을 막기 위해 찾아온 듯한 그들을 누군가 막아서고 있습니다. 난봉을 부리는 약혼자임에도 불구하고 끝까지 포기하지 않고 사랑을 지켜왔던 사라, 돈 때문에 다른 이와 결혼하는 약혼자를 보며 아마 그녀의 속은 숯 검댕이가 되었겠죠.
여섯 번째 연작, < The gaming house> 입니다. 여전히 도박을 하며 정신을 차리지 못한 레이크입니다. 그는 가발을 벗어던진 채 하늘에 대고 신의 가호를 빌고 있습니다. 아마 이미 많은 돈을 잃은 뒤 도박에서 이겨 돈을 얻게 해 달라는 소원을 빌고 있는 모습이지 않을까 싶습니다. 연작의 막바지로 갈수록 레이크의 원래 모습과는 거리가 멀어지고 있습니다. 도박장의 어둡과 자욱한 모습이 왠지 그의 암울한 미래를 예견하고 있는 듯합니다.
일곱 번째, < The Prison> 입니다. 모든 것을 잃고 감옥에 수감된 레이크입니다. 당시 영국에는 채무를 이행하지 못한 사람들만 가는 프리트( Fleet) 감옥이 따로 있었습니다.
프리트(Fleet)감옥은 영국 런던에 위치했던 역사적인 감옥으로, 주로 채무자들을 수감하기 위해 사용되었습니다. 14세기부터 19세기까지 운영된 이 감옥은 과거 금융 문제로 인한 부채로 인해 사람들을 법적으로 수감했던 장소로 유명합니다. 프리트 감옥은 원래는 군인들이 사용하던 요새에 세워진 건물로, 나중에 채무자와 범죄자를 수감하는 용도로 변모했습니다. 감옥 내의 환경은 매우 열악했고, 수감자들은 불안정한 생활 환경 속에서 고통 받았습니다. 감옥은 성격상 임시적이거나 영구적인 수감자 모두를 위한 장소였으며, 많은 사람들은 생계 문제로 인해 다시 감옥으로 돌아가기도 했습니다.
시간이 흘러, 감옥의 운영은 채무자를 수감한는 것이 정당한지에 대한 논의로 이어지게 됩니다. 19세기 중반에는 매독과 같은 여러 감염병의 확산과 같은 문제로 인해 감옥의 운영 방식에 대한 재검토가 필요하게 되면서 여러 법률이 제정되었습니다. 프리트 감옥은 19세기 말 경에 폐쇄됩니다. 이는 당시의 사회적 여건에 따라 '채무자 감옥'의 역할과 필요성이 변화함에 따라 이루어진 조치였습니다. 이후 채무자 수감에 대한 대체 수단들이 마련되면서 이 감옥은 더 이상 필요하지 않게 되었습니다. 현재 프리트 감옥의 자리는 역사적 기념물로 남아 있으며, 당대의 사회적 문제를 상징하는 장소로 기억되고 있습니다.
https://www.youtube.com/watch?v=IWG8cvs5ubQ
일곱 번째 작품에서 그의 주위에 현재 아내인 늙은 여자와 맥주를 들고 있는 '비어 보이'가 등장합니다. 레이크의 왼편에서 불만스러운 표정을 하고 손을 내밀어 그에게 돈을 요구하고 있습니다. 아마 레이크가 감옥안에서조차 빚을 지고 음식을 먹은 듯합니다. 바닥으로 떨어지고도 전혀 반성의 기미가 없는 모습입니다. 하지만 여태까지의 모습과는 달리, 그는 매우 당황한 기색입니다. 레이크의 눈은 튀어나왔고, 손과 몸은 두려움으로 떨리는 듯합니다. 불쌍한 사라, 그녀는 감옥에 수감된 전 약혼자의 모습을 보고 실신해있습니다. 이 지경이 되었음에도 그를 진정 사랑했을 순진하고 착한 여인의 모습이 그려집니다. 지금같으면 상상도 못할 캐릭터입니다. 미련없이 떠났을 것 같은데 말입니다. 그러나 레이크는 이제 돌이킬 수 없는 지경에 이르렀습니다.
연작의 마지막, 여덟번째 그림< The Madhouse> 입니다. 레이크는 결국 정신이 이상해져 정신병원에 수감되었습니다. 옷을 벗은 채로 나뒹굴고 있는 모습이고요. 첫 그림에서 자신만만하던 그의 모습은 온데간데 없습니다. 그럼에도 사라는 그의 옆을 지키고 있습니다. 눈물을 닦으며 그를 위로하는 그녀, 그러나 레이크는 사라를 등지고 끝까지 바라보지도 않습니다. 마지막까지 자신을 바라보지 않는 남자. 사랑했던 이의 말로를 지켜보는 사라의 마음은 어땠을까요? 참고로 이 그림에서는 정신병원에 찾아온 귀부인들이 등장하는데, 당시에는 흔한 광경이었습니다. 영국에서는 정신질환을 앓고 있는 이들이 이상행동을 하는 것을 지켜보며 즐기는 문화가 있었다고 합니다.
그 당시의 사람들의 삶을 재구성해 '이야기'를 전하는 것이 호가스 연작의 큰 특징입니다. 지금의 드라마들과 비슷한 역할을 했다고 볼 수 있습니다. 당시 사람들은 호가스의 다음 그림이 나오기를 애타게 기다리지 않았을까 싶습니다. 우리가 드라마 다음 회를 기다리는 것처럼 말입니다. 요즘은 넷플릭스로 몰아보는 경향이 많지만 말이죠.
https://www.youtube.com/watch?v=IsPQAZ0wmq0
https://www.youtube.com/watch?v=iwdCKxz9s7w
윌리엄 호가스(Wiliam Hogarth, 1697-1764)는 1697년 런던에 가난한 교사의 아들로 태어났습니다. 은세공장의 제자, 판화가로서 밑바닥 생활도 했고요. 당시의 세태를 통렬하게 풍자한 연작 회화가 알려지기 시작화면서 서민들에게 인기를 얻어 , 풍자화의 아버지로 불리기 시작합니다.
https://www.youtube.com/watch?v=frZt5Bb9y3c
윌리엄 호가스( William Hogarth, 1697-1764)의 < The Sleeping Congregation>(1728)는 종교적 주제를 다루고 있습니다. 사회적 비판의 요소가 강하게 드러나고요. 이 작품은 주일 설교 도중 잠에 빠진 신도들을 묘사하여, 당시 교회의 경직된 모습을 꼬집고 있습니다. 주로 인간의 행동에 대한 관찰과 비판적인 시선을 담고 있습니다. 화가는 예배 중에 졸고 있는 신도들의 모습을 통해 종교적 의무와 헌신의 결여를 드러내고, 교회의 위선을 풍자하고 자 합니다.
이 작품은 호가스가 자주 사용하는 스토리 텔링 기법이 적용되었습니다. 그림 속 인물들은 모두 탈진한 표정을 짓고 있습니다. 심지어 짐짓 근엄한 표정의 동료조차 제단 앞에 서 졸고 있는 모습을 보입니다. 대놓고 졸고 있는 남녀 한쌍도 보이고요. 이러한 장면을 통해 호가스는 종교의 형식적이고 기계적인 측면을 강조하고자 했습니다. 호가스는 종교의 권위자와 신도들 간의 관계를 통해, 신앙심이 결여된 사회를 비판합니다. 인물들은 무관심과 나태함으로 가득 차 있으며, 이는 자신의 신앙을 깊게 돌아보지 않는 사람들을 상징합니다. 이러한 접근은 당시 영국 사회의 종교적 형식주의를 직시하는 데 기여했습니다.
순결이라는 주제를 각각 <이전> 과 <이후>라는 제목으로 누가봐도 그 상황을 알 수 있는 그림을 1730-31년 사이에 연작으로 그렸습니다. 여 주인을 괴롭힌다고 생각한 강아지가 달려들다가 깨진 유리 조각만큼이나 처박힌 모습입니다.
남녀 사이의 심리 변화를 주제로 하고 있습니다. 이 작품은 남성과 여성이 다양한 감정과 상황에 처해있는 모습을 통해 인간 관계의 복잡성을 전달합니다
작품 속 'before' 의 모습은 남자가 여성을 유혹하려 애쓰고 있는 모습이 강조됩니다. 여인은 여전히 저항의 기미를 보이며, 남자의 유혹에 넘어가지 않으려는 태도를 연출하고 있습니다. 두 사람의 표정과 제스처는 각자의 심리 상태를 뚜렷하게 드러내며, 특히 여인의 얼굴은 긴장감과 소심함을 동시에 담고 있습니다.
뒤이어 나타나는 'after' 장면에서는 두 사람의 의복이 흐트러져 있는 모습을 통해 이미 사건이 발생했음을 알 수 있습니다. 여자는 애처럽게 매달리며 남자에게 끌려가고 있고, 남자는 다소 부담스러운 표정을 지으며 이를 바라보는 모습입니다. 이러한 변화는 실제 심리적 상황의 변화를 잘 반영하고 있습니다.
작품에 묘사된 여러 요소들은 당시 사회의 성에 대한 인식과 여성의 위치를 상징하는 점에서 중요한 의미를 갖습니다 . 호가스는 남녀 간의 관계를 단순한 유혹으로 치부하지 않고, 그 이면에 숨겨진 힘의 역학과 개인의 갈등을 묘사하면서 비판적인 시각을 제공하고자 했습니다. 18세기 사회의 복잡한 성관계와 감정의 변화를 탐구하는 중요한 예술 작품이라고 할 수 있습니다.
윌리엄 호가스의 <난봉꾼의 행각 A Harlot's Progress> 은 18세기 런던 사회를 반영하는 중요한 예술 작품입니다. 이 작품은 매춘부의 비극적인 삶을 중심으로 전개되며, 당시 사회의 도덕적, 윤리적 문제를 드러냅니다.
https://www.youtube.com/watch?v=2mKHAwmFvJs
<난봉꾼의 행각>은 호가스의 첫 번째 시리즈로, 매춘부의 삶과 그로인한 사회적 비극을 표현합니다 . 이 작품은 런던의 하층 사회에서 여성의 상황을 심도 있게 다루면서 부당한 대우와 윤리적 타락을 비판하고 있습니다. 작품은 매춘부가 처음에 가지고 있던 순수함이 차츰 퇴색해가는 과정을 묘사합니다.
호가스는 이 작품을 일련의 판화로 제작하여, 각 판화는 매춘부의 삶의 특정 순간을 포착합니다. 총 다섯 개의 판화로 구성되어 있으며, 각 판화는 매춘부의 등장, 타락, 그리고 최종적인 파멸을 나타내고 있습니다. 첫 번째 판화에서는 주인공이 처음으로 매춘의 세계에 발을 들여놓는 모습을 보여줍니다. 중간 단계에서는 주인공이 친구와 연인에게 배신 당하며 점점 심각한 상황에 빠지는 과정을 그립니다. 마지막으로, 고통과 절망에 시달리면서 인생의 끝을 향하는 모습을 통해, 사회의 부조리에 대한 강력한 메시지를 전달합니다.
호가스는 이 작품을 통해 매춘부뿐만 아니라 그런 상황을 만들고 방관하는 사회 전체를 비판합니다. 그가 그린 매춘부의 이미지는 당대 사람들에게 도덕적 경각심을 불러일으키며, 사회의 비극적 현실을 부각시킵니다. 이를 통해 관객들은 매춘부의 타락이 개인의 잘못이 아닌 사회 구조적인 문제임을 인식하게 됩니다.
https://www.dailymotion.com/video/x7dd8h0
A Harlot's Progress - video Dailymotion
Follow the life of a beautiful, troubled prostitute in this drama. William Hogarth, played by Toby Jones ("Harry Potter", "Captain America"), recalls the life and death of an alluring and mysterious woman he once knew.
www.dailymotion.com
<Four Times of the Day >는 윌리엄 호가스( Wiliam Hogarth, 1697-1764)가 1736년에 완성한 네 점의 유화 시리즈입니다. 이 작품은 런던의 일상 생활을 유머러스하게 묘사하고 있으며, 고위층과 서민층 간의 상호작용을 그립니다. 각 장면은 하루의 시간을 표현하며, 특정 사건이나 인물의 이야기를 전달하기보다는 도시 사회의 전반적인 상황을 보여줍니다.
<Four Times of the Day>시리즈는 아침, 정오, 저녁, 밤의 네 가지 장면으로 구성됩니다. 각각의 장면은 런던의 다양한 위치에서 일어나는 일상적인 활동을 담고 있습니다. 아침은 신사숙녀들이 교회에 가는 모습을 보여주고, 정오에는 두 문화가 도로를 가로막는 장면을 묘사합니다. 저녁 장면은 염색공의 가족이 사들인 물건을 들고 돌아오는 모습이며, 밤 장면은 불량한 활동이 벌어지는 모습입니다.
호가스는 고전 문학에서 영감을 받아 이 시리즈를 제작했습니다. 특히 고대 로마의 풍자작품과 조지안 시대의 사회를 반영한 작품들을 통해 메시지를 전달합니다. 각 장면에서 나타나는 인물들은 호가스가 표현하고자 했던 사회적 계층과 관념을 재현하고 있으며, 특히 아침 장면에서는 한 신사가 교회로 향하는 모습을 통해 겉으로는 도덕적인 삶을 살고자 하는 모습을 비웃고 있습니다.
이 시리즈는 호가스가 1736년 만든 원래의 그림을 기반으로 하여 나중에 인쇄되었습니다. 또한, 호가스의 가장 큰 성공작인 < A Harlot's Progress> 와 < A Rake's Progress> 이후에 발표된 최초의 인쇄 세트입니다. 그러나 그 내용은 연대기적 서사를 형성하지 않으며, 각 장면의 인물들은 독립적입니다.
호가스는 각 장면을 통해 유머와 사회적 비판을 혼합하여 사용했습니다. 그는 세밀한 인물 표현과 공간 배치를 통해 복잡한 인간 관계와 사회적 상징성을 드러냈습니다. 호가스의 예술적 역량을 잘 보여주는 작품으로, 당시 런던 사회의 다면적인 모습을 유머러스하게 엿볼 수 있도록 해 줍니다.
사회 풍자를 묘사한 작품들과 다르게 <새우 파는 소녀> 작품은 호가스의 생기 있고 자유로운 필치가 돋보이는 작품입니다. 소녀의 머리 위에 새우가 담긴 바구니가 있습니다. 거리에서 이 소녀를 보고 화실에서 빠르게 작업을 시작했으나 미완성으로 남아 있습니다.
이 작품은 다니엘 그레이엄의 네 자녀를 그린 단체 초상화로, 그 중 막내인 토마스는 이미 태어난 지 얼마 되지 않아 사망하였는데, 이는 이 그림이 그려진 이유 중 하나이기도 합니다.
<The Graham Children>는 총 4명의 아이들이 묘사된 그룹 초상화로, 중앙의 금색 유아용 카트에 앉아 있는 토마스와 그의 세 형제, 자매들인 헨리에타, 리처드, 안나 마리아가 함께 있습니다. 이 그림은 아이들의 생동감을 잘 포착하고 있으며, 그들의 일상적인 활동이 그려져 있습니다. 예를 들어,리처드는 오르골을 조작하고 있는 모습입니다. 안나 마리아는 춤을 추고 있고요. 이러한 각각의 행동은 아이들의 순수한 즐거움과 함께 세상의 덧없을 시사합니다.
이 그림에는 여러 상징적 요소들이 포함되어 있습니다. 예를 들어, 토마스가 잡고 있는 부분적으로 먹은 과자와 그 곁에 있는 장례용 꽃은 죽음이라는 주제를 암시합니다. 시간의 흐름을 상징하는 시계 위의 날개 달린 천사와 낫, 모래시계는 토마스의 사망과 관련하여 시간을 나타냅니다 . 호거스는 이러한 요소들을 통해 어린 시절의 덧없음과 함께 순수함이 사라지는 과정을 표현하고 있습니다.
호거스는 이 작품에서 대담한 색상과 섬세한 세부 묘사를 사용했습니다. 어린이들은 실제 크기로 그려져 있으며, 그의 화풍에서 나타나는 '아름다움의 선'이 그림 전체에서 드러납니다. 테마적으로 두 가지 시점이 조화롭게 엮여 있어, 한편으로는 어린 시절의 즐거움을, 다른 한편으로는 죽음의 그림자를 동시에 보여줍니다.
이 작품은 18세기 영국의 중산층 가정에서의 아동에 대한 인식을 보여줍니다. 당시 아이들은 더 이상 단순한 재산으로 여겨지지 않고, 하나의 인격체로서 대우받기 시작했습니다. 호거스는 이러한 사회적 변화를 작품을 통해 잘 반영하고 있습니다. 그림은 단순한 가족의 일상 이상의 의미를 지니며, 삶과 죽음, 과거와 현재의 연결을 표현하는 매개체 역할을 합니다.
< Taste in High Life>는 1742년에 제작된 유화 작품으로, 당시 상류층의 패션과 그들의 표면적인 취향을 풍자하기 위해 만들어졌습니다. 이 작품은 호가스가 질 낮은 사회적 요인을 고발하는 방법으로 사용한 여러 작품 중 하나로 볼 수 있습니다. 그림 속에는 당시 유행하던 과장된 의상으로 차려입은 인물들이 그려져 있습니다. 이를 통해 18세기 고급사회의 가벼운 생활 방식과 허영심을 비판하고 있습니다.
<최고의 취향 Taste in High Life>(1742)이라는 제목의 이 작품은 패션 트렌드의 변화를 풍자하며 당시의 고급 스러운 의복을 착용한 여러 인물들이 등장합니다. 작품의 중앙에는 큰 후프 스커트를 입은 노파와 화려한 복장을 한 남성이 서로의 사소한 것에 감탄하며 어린이 페이지 보이와 함께 서 있습니다. 그들의 주인들에게 조롱당하는 자유롭지 못한 존재로 그려지고 있습니다.
페이지 보이는 18세기 영국에서 주로 사용된 용어로, 주인이 있는 가정의 하인이나 시종을 의미합니다. 이들은 종종 귀족이나 부유한 집안에서 일을 하며, 주인의 요청에 따라 다양한 서비스와 임무를 수행했습니다.
페이지 보이는 일반적으로 젊은 소년이 맡는 역할이며, 복장이 화려합니다. 그들은 귀족 가족의 일원으로 여겨지기도 하며, 주로 서빙,서신 및 전달, 개인 시종 등의 역할을 합니다. 그들의 복장과 태도는 당시의 복식과 예절을 반영합니다.
호가스는 이 작품을 메리 에드워즈의 주문에 의해 제작하였습니다. 그녀는 상류층의 우습고 과도한 패션을 조롱하고 싶어 했습니다. 호가스는 특정 주제의 주문 그림에 대해 열정이 낮았지만, 이 작품은 풍자적인 메시지를 통해 고급 사회의 모습을 효과적으로 드러냈습니다. 에드워즈는 이 그림을 통해 자신이 겪었던 조롱에 대한 복수를 하고자 했던 것으로 알려져 있습니다.
이 작품은 다양한 캐리커쳐와 함께 형상화된 상징적 요소들로 가득차 있습니다. 특해, 작품 속의 원숭이는 비천한 모방의 상징으로, 당시 사람들의 허영심과 패션의 유혹에 대한 비판을 내포하고 있습니다. 또한 , 배경 그림 속 화재는 유행의 덧없음을 상징하며, 의상과 액세서리의 과도함을 비유적으로 표현하고 있습니다.
윌리엄 호가스의 < 최고의 취향 Taste in High Life> 는 18세기 사회 풍습을 조명하는 동시에 그것의 어리석음을 풍자한 작품입니다. 호가스는 미술을 통해 대중의 신념과 가치를 반영하고, 이에 대한 비판을 제시함으로써 울림 있는 메시지를 전달합니다. 이 그림은 또한 사회적 계급과 그들 간의 역할을 탐구하는 중요한 작품으로 자리 잡고 있습니다.
영국은 빅토리아시대 전에는 회화쪽은 황무지나 다름없었습니다. 그런 시대에 화가 호가스는 풍자화라는 독창적인 예술 세계로 유럽 전역에 인기있는 작가였습니다. 호가스가 활동하던 당시 영국에서는 기품 있고 우아한 생활을 유지하기 위해 돈이 없는 귀족들은 신분상승을 꿈꾸었던 신흥 부르조아들과 결혼을 하는 것이 유행이었습니다. 당시의 풍습을 리얼하게 묘사한 아래 그림은 한 편의 재미있는 이야기 책과도 같이 풍자와 해학으로 당시의 영국의 생활상을 엿볼 수 있습니다.
여섯 점의 회화로 구성된 '정략 결혼 Marriage A-la- Mode' 시리즈는 18세기 말, 영국 사회의 현실을 신랄하게 풍자했던 화가 윌리엄 호가스 (William Hogarth, 1697-1764)의 대표작입니다. 그는 당시에 흔했던 정략결혼의 폐해를 연극의 한 장면처럼 펼쳐보였습니다 . '혼인 계약'이 그 첫 장면입니다.
양가의 가장들이 앉은 테이블에서 거래가 한창입니다. 풍채 좋은 백작이 정복왕 윌리엄으로부터 시작된 뿌리깊은 가문의 족보를 호기롭게 펼쳐보이고 있습니다. 하지만, 통풍으로 못 쓰게 된 그의 오른발은 이미 가세가 기울 대로 기울었음을 증명합니다. 맞은편에 앉아 혼인계약서를 손에 쥔 상인은 딸을 백작의 아들에게 시집 보내는 대가로 테이블 가득 금화를 쏟아놓았습니다. 부유한 상인과 몰락한 귀족은 자식들을 매개로 서로가 간절히 원하던 것, 즉 돈과 권력을 맞바꿨습니다.
정작 결혼 당사자들은 서로에게 관심이 없습니다. 화려하게 치장한 예비신랑은 거울에 비친 자기 얼굴을 살피느라 여념이 없습니다. 불안한 듯 약혼반지를 만지작거리는 신붓감은 오히려 친절하게 말을 건네는 변호사에게 귀를 기울입니다. 그들 사이에 걸려 있는 그림 속의 섬뜩한 메두사가 다가올 불행을 예고하는 듯합니다. 이어지는 다섯 점의 회화는 탐욕으로 시작된 이 결혼이 결국은 불륜과 패행을 거쳐 치정살인과 패가망신으로 치닫는 과정을 보여줍니다. 재미와 교훈을 동시에 제공하는 이 시리즈는 판화로도 제작돼 선풍적인 인기를 누렸습니다. 호가스는 냉정한 비판의식으로 사회의 이면을 들춰낸 최초의 풍자화가로 꼽힙니다.
1. 연작의 첫 번째 작품이 <계약>입니다.
대가들의 그림이 걸려 있는 한 귀족의 저택에서 신랑의 아버지는 한 손으로 노르망디의 윌리엄 공작으로 시작되는 (대단한 집안임을 자랑)족보를 가르키고 있습니다. 테이블 위에는 신부 아버지(신흥 부르조아)가 지불한 결혼 지참금인 금화와 지폐가 보이고요. 그들 사이에 서 있는 남자는 귀족으로부터 돈을 받아갈 빚쟁이입니다.
정략결혼의 당사자인 신랑과 신부는 나란히 앉아 있지만, 신부는 손수건에 반지를 끼워 돌리며 지루해 하고 있습니다. 신랑은 고개를 돌려 다른 곳을 보고 있고요. 신부와 신부에게 말을 거는 변호사는 그녀의 애인입니다. 왼쪽 벽에 걸린 카라바조의 <메두사> 작품이 두 남녀의 불길한 미래를 미리 예언하는 것만 같습니다. 자식들의 결합을 통해 한쪽은 명예를, 한 쪽은 돈을 얻고자 하는 당시 귀족과 부르조아의 풍습을 재미있게 그렸습니다.
2. 두 번째 작품 < 아침>
신혼이 시작된 멋진 실내 장식으로 꾸며진 집안의 <아침>의 모습입니다. 잘 차려입은 신랑은 밤새 축제를 즐기다가 이제 들어왔는지 파김치가 되어 있습니다. 귀여운 개가 간밤 신랑의 행선지를 알려주는 듯 합니다. 신랑 주머니에서 물건 하나를 발견했거든요. 신부는 모닝티를 마셨지만 아직 졸린 듯 기지개를 켜고 있습니다. 아마 신부도 밤새 논 듯 합니다. 바닥에 쓰러진 의자, 악기와 악보, 집사는 지불해야 할 돈과 장부를 끼고 혀를 차며 밖으로 나가고 있습니다.
https://www.youtube.com/watch?v=5d_E0B00kXE
3. 검진 (The Visit to the Quack Doctor).
제목 그대로 성병 검사와 치료에 관한 이야기입니다. 프랑스 의사 앞의 신랑은 목의 반점이 보이는 걸로 보아 이미 심각한 성병에 걸린 듯 합니다. 울고 있는 듯한 어린 여자의 입술 근처에도 포진이 생겼네요. 짐작컨데, 당시에 이런 풍속도 유행하였는데, 결혼한 귀족들이 하층민 출신의 여자를 몇 명씩 거느렸다고 합니다. 벽과 의사의 책상위에 놓인 해골이 이들의 운명을 예견하는 듯 하네요.
4. <부인의 침실>
남편이 저러는데 질 수 있나요? 신부 역시 좀 더 고급지게 놀고 있습니다. 백작부인의 지위로 올라 간 그녀. 화가들의 걸작이 걸려 있는 부인의 침실에서 성악가가 노래를 부르고, 악사는 연주하고 있습니다. 분홍 드레스를 입은 여주인은 머리 손질을 받으며 신사의 이야기를 경청하고 있습니다. 당시 귀족의 사치스런 삶의 단면을 보여주고 있습니다. 신사, 즉 1편의 그 변호사는 손에 오페라인지 연극표를 한 장 들고 부인을 꼬시고 있네요. 이들의 관계를 단적으로 설명하는 코레지오의 <제우스와 이오>, <헤롯과 딸들> 의 그림이 벽에 걸려 있습니다.
코레지오( Correggio, 1490-1534)의 <제우스와 이오Jupiter and Io>는 르네상스 시대의 에로틱한 미술작품으로, 제우스의 욕망과 변신을 주제로 하고 있습니다. 이 작품은 그리스 로마 신화에 등장하는 인물인 제우스와 이오의 이야기를 독창적으로 표현하고 있습니다. <제우스와 이오>는 제우스의 불륜을 주제로 한 연작 중 하나입니다. 르네상스 시대의 상류층, 특히 만토바 공작 페데리코 곤치가의 의뢰로 제작된 이 작품은 작가의 상상력이 돋보이는 대표작 중 하나로 평가받습니다.
이 작품의 배경은 그리스 로마 신화로, 제우스는 강의 신 이나코스의 딸인 이오의 아름다움에 매료되어 그녀를 사랑하게 됩니다. 이오는 제우스의 접근을 피하며 도망치고, 이를 관찰한 제우스는 어둠의 장막을 내리며 이오를 잡으려 합니다. 궁극적으로 제우스는 이오를 구름으로 변신시켜 자신의 욕망을 이루지만, 이오의 처지는 한층 더 복잡해집니다.
코레지오는 <제우스와 이오>에서 제우스를 구름 형태로 표현했습니다. 구름으로 변한 제우스는 이오를 껴안고 이승며, 그림 속 남자의 얼굴은 구름 속에서 희미하게 드러나 있습니다. 이오의 수줍은 모습과 황홀감은 그 작품의 주제를 강조하며, 화가의 독창적인 기법이 돋보입니다. 구름과 사람이 사랑을 나누는 장면을 표현해 그 당시 다른 화가들이 시도하지 않은 방식입니다. 코레지오는 이 작품을 통해 신화의 내용을 새로운 방법으로 전달하였으며, 이오의 입술과 제우스의 얼굴, 그리고 구름을 형상화한 손들이 충실히 묘사되어 있습니다.
5. 그 남자의 죽음
아내는 아내대로, 남편은 남편대로 흥청망청 살아 가던 이들의 생활에 돌이킬 수 없는 비극의 날이 다가옵니다. 가면극을 보러 간 부인과 애인이 연극 진행 중에 은밀하게 방에서 즐기는 순간, 남편이 들이 닥친겁니다. 두 남자의 격투 끝에 남편은 칼에 맞고 죽습니다. 애인은 왼쪽 창문을 통해 도망가고 있네요.
6. 그 여자의 죽음 : 이 들의 비극은 여기서 끝나지 않는다.
남편의 사후, 여자는 친정으로 돌아옵니다. 옛날의 화려한 집안은 다소 몰락한 듯합니다. 여자의 남편을 죽인 애인이 결국 잡혀 교수형이 처해지자 여자는 독약을 먹고 자살을 기도합니다. (바닥에 약병이 보인다). 어린 딸이 유모에게서 엄마를 찾으며 볼을 비비고 있으나, 벌어진 입, 그리고 창백한 얼굴을 보니 살아날 가능성이 없어 보입니다. 이런 시점에서도 아버지는 딸의 손가락에서 반지를 빼내고 있습니다. 검은 옷의 의사가 제 몸 치장에 바빠 부인을 돌보지 못한 하인의 멱살을 잡고 있고요. 이와중에 몰골이 앙상한 개 한마리가 주인이 먹다만 돼지머리를 게걸스럽게 먹고 있습니다. 바닥에 쓰러진 의자는 부인의 마지막 모습을 상징하는 듯합니다. 부모들의 욕심 때문에 희생된 젊은 부부는 원치 않던 결혼 생활을 이렇게 마무리 합니다.
작가는 이 연작을 통해서 당시에 유행처럼 번져나가던 정략 결혼의 폐해를 그림으로 보여줌으로써 귀족들의 악습을 폭로하고 있습니다. 호가스는 이 밖에도 <탕아의 편력>, <선거운동> 등의 연작을 통하여 마치 한편의 연극같은 풍속화로 사회에 만년했던 부정부패에 대한 고발도 합니다.
https://www.youtube.com/watch?v=mFJ9tHJA2Sw
https://www.youtube.com/watch?v=bIe3nvBo8g0
자신에 대한 자부심이 대단한 초상화입니다. 화가는 셰익스피어, 밀턴, 스위프트의 책더미 위에 놓여 있습니다. 화가의 팔레트에는 '아름다움과 우아함의 선'이라는 단어가 새겨져 있고요.
윌리엄 호거스( William Hogarth, 1697-1764)가 1745년 제작한 <화가와 그의 퍼그 Painter and his pug>라는 작품은 작가가 사랑하는 퍼그 트럼프와 함께한 자기 초상화입니다. 처음에는 호거스가 정장 차림으로 그려질 예정이었으나, 작품은 더 캐주월한 표현으로 전환되었습니다. 이는 작가의 작품에 개인적이고 친밀한 터치를 반영합니다. 트럼프의 포함은 아티스트와 그의 애완 동물 간의 유대감을 상징하며, 이 퍼그는 작품 내내 이야기의 중요한 요소로 기능합니다.
이 초상화에서 호거스는 자신이 그림을 그리고 있는 모습을 담고 있습니다. 퍼그는 팔레트와 책 등 주변의 예술 재료에 무관심한 모습으로 나타나고요. 개의 무관심은 화가의 창의적 환경의 생동감과 강하게 대비됩니다. 이는 예술과 작가, 그리고 그들의 주제 간의 관계에 대한 논평을 암시합니다. 이러한 역동성은 퍼그 뒤에 있는 천이 바같쪽으로 펼쳐짐으로써 그려진 세계와 현실 사이의 경계를 허물며, 그림의 깊이를 증대시키는 효과를 냅니다.
1745년은 호거스에게 중요한 시기로, 그는 예술적 노력과 사회적 논평을 결합했습니다. 트럼프와의 친밀한 존재는 호거스의 예술적 정체성이 깊이 엮어 있음을 보여주며, 퍼그는 그를 상징하는 요소로 작용하였습니다. 더 넓은 사회적 주제들과 대비되는 충성심과 동반자 관계에 대한 아티스트의 관점을 드러냅니다.
트럼프는 호거스의 삶에서 단순한 동반자를 넘어, 여러 작품에 등장하여 아티스트의 정체성을 형성하는 부분으로 이바지했습니다. 퍼그의 형태와 태도는 호거스 예술의 반복적인 모티프가 되어, 그의 사회적 논평의 진지한 요소와 경쾌하고 즐거운 순간의 대조를 이루었습니다.
윌리엄 호거스(Wiliam Hogart, 1697-1764)의 < The Idle 'Prentice Executed at Tyburn'>은 1750년에 제작된 12부작 시리즈 중 11번째 판화로, 게으름이 초래하는 최후의 보상을 보여줍니다. 이 작품은 호거스의 <Industry and Idleness> 시리즈의 일환으로, 일에 대한 성실함과 게으름의 결과를 대조적으로 표현하고 있습니다.
Hogarth 는 이 작품을 통해 게으름의 재앙과 유혹적인 생활의 결과로서 비극적인 결말을 그립니다. < The Idle 'Prentice Executed at Tyburn> 에서는 한 게으른 견습생이 처형을 기다리며 마지막 순간에 회개하는 장면을 담고 있습니다. 이 판화는 관리되고 있는 대중의 시선을 보이기 위해 장면을 확장하여 많은 인파가 모인 모습을 나타냅니다.
작품의 중심에는 게으른 견습생과 그의 관을 실은 마차가 있으며, 그는 성경을 읽으며 마지막으로 회개하려는 모습을 보입니다. 배경에는 처형장과 그를 기다리는 인파가 보이며, 여기에 속박되어 있는 방식의 강렬한 사회 비판이 담겨 있습니다. 우측에 보이는 마차에는 여성들이 술을 마시며 즐거운 시간을 보내고 있는 모습이 그려져 있습니다. 이는 당시 사회의 타락을 상징적으로 나타냅니다.
이 판화는 게으름의 결과로서의 죽음을 강조하며, 특히 'Idle'이라는 인물의 겉모습과 그에 대한 대중의 반응을 통해 깊은 사회적 메시지를 전달합니다. 또한 판화의 전체적인 구성과 등장 인물들은 호거스의 독창적인 시각을 통해 강렬한 도덕적 경고를 제시합니다.
The Idle'Prentice Executed at Tyburn은 단순한 예술 작품을 넘어 사회에 대한 비판과 교훈적인 메시지를 전달하고 있습니다. 호거스는 이 시리즈를 통해 일의 중요성과 게으름의 위험성을 분명히 하고 있으며, 이러한 주제는 오늘날에도 여전히 유효한 사회적 통찰을 제공합니다.
당시의 이런 식의 초상화를 그렸다는 것 자체가 파격적일 정도로 인상적인 작품입니다.
<Hogarth's Servants>는 윌리엄 호거스가 1750년에서 1755년 사이에 제작한 유화로, 호거스의 여섯 명의 하인들의 얼굴을 묘사하고 있습니다. 이 작품은 62*75cm 크기로 , 런던의 테이트 갤러리에 소장되어 있고요.
<Hogarth's Servants> 는 세 명의 남성과 세 명의 여성 얼굴이 각기 다른 방향을 바라보고 있습니다. 각 인물의 나이는 다양하며, 여성 인물들은 젊은 모습이고 남성들은 소년에서 노인까지의 폭넓은 연령대를 포함하고 있습니다. 호거스의 관점에서 이러한 다양함은 인물들의 고유한 특성을 드러내며, 그는 자신의 하인들에 대한 애정을 표현하고자 했습니다. 이 그림은 하인들의 평범한 옷차림과 자연스러운 모습을 사실적으로 묘사하였습니다.
호거스가 하인들에 대한 애정을 담아 그린 것으로, 특정 주문 없이 개인적 즐거움을 위해 제작되었습니다. 그는 이 그림을 자신의 초상화를 보여주기 위해 작업실에 걸어두었을 것으로 보입니다. 또한 , 이 작업은 그가 한때 진행한 "인물 및 캐리커쳐" 시리즈와도 연관이 있습니다. 작품의 특징적인 구성은 서로 다른 방향을 바라보는 여섯 인물들의 생동감을 강조합니다.
호거스 (Hogarth)의 작품은 조명, 색채 및 인물의 표정에 있어 뛰어난 세련미를 발휘합니다. 인물들은 각각 독특한 표정을 지니고 있고요. 이는 관람객이 이들의 개인성에 쉽게 공감하도록 만듭니다. 상단 왼편의 조명이 비춰지며, 그림은 스케치처럼 자연스러운 느낌을 줍니다. 호거스는 인물의 생리적 차이를 탐구하고 있고요. 이는 더 넓은 맥락에서 인물의 특성을 분석하는 시도로 볼 수 있습니다.
<Hogarth's Servants>는 호거스의 사망 후 그의 아내에 의해 상속되었고, 1789년 마리 루이스에게 넘어갔습니다. 이후 여러 차례 전시되었고, 과거에 크리스티 경매에서 판매되기도 했습니다. 이 작품은 마지막으로 1960년에 테이트 갤러리로 옮겨졌습니다.
윌리엄 호가스의 작품 < The Analysis of Beauty> (1753)입니다. 이 판화는 1753년에 발표되어, 호가스의 미와 아름다움에 대한 이론을 시각적으로 표현합니다.
< The Analysis of Beauty , Plate 1> 은 호가스의 미적 이론을 설명하기 위한 오프닝 판화입니다. 중앙 무대는 고전 조각의 유명한 작품들이 가득한 안뜰을 볼 수 있습니다. 이는 소크라테스의 미에 대한 분석을 참고하여 현대적인 개체들과 조화를 이루고 있습니다. 중앙에는 메디치 비너스 조각상이 위치하고 있으며, 주변에는 다양한 고전 및 현대의 조각들이 그림을 채우고 있습니다.
호가스의 판화는 그의 미적 이론의 중심 요소를 표현하기 위해 다수의 조각들 및 현대적인 물체들이 혼합되어 있습니다. 이러한 조화는 호가스의 이론인 '아름다움의 선'을 시각적으로 나타내며, 이는 곡선의 형태가 시각적 관심을 불러일으키고 생동감과 움직임을 연상시킬 수 있음을 설명합니다. 각 조각과 물체는 고유의 의미와 메시지를 지니고 있으며, 이는 관객으로 하여금 미적 경험을 할 수 있도록 유도합니다.
호가스는 "Beauty"라는 개념을 단순한 미적 기준에 국한하지 않고, 여러 요소들과 연결짓습니다. 그는 아름다움의 이론을 여섯 가지 원칙으로 나눠 설명하며, 이 원칙들은 각각 독립적으로 아름다움에 영향을 미친다고 주장합니다. 이러한 원칙들에는 적합성, 다양성, 규칙성, 단순성, 복잡성, 그리고 양이 포함되어 있습니다.
<Analysis of Beauty >판화는 호가스의 미적 이론을 이해하는 데 필수적인 작품으로, 1753년 발표 이후 많은 사랑을 받아 독립적으로 판매되기도 했습니다. 이 작품은 당시 미술계에서의 호가스의 영향력과 재능을 대변하며, 그가 영국의 풍자적 미술 전통의 아버지로 여겨지는 이유를 잘 보여줍니다.
<Satire on False Perspective >는 1754년 윌리엄 호가스 가 제작한 판화로, 그의 친구 조슈아 커비( Joshur Kirby)의 선형 원근법에 관한 소책자의 프론티스피스(Frontispiece)로서 의도되었습니다. 이 작품의 주된 목적은 원근법 지식의 중요성을 강조하는 것으로, 작품의 캡션은 " 원근법에 대한 지식 없이 디자인을 만드는 자는 이러한 어리석음에 빠질 위험이 있다"고 설명하고 있습니다.
작품은 여러 가지 고의적인 혼란과 잘못된 원근법 효과의 사례를 보여줍니다. 각 요소는 개별적으로 일관되지만, 전체 장면은 불가능한 물체의 예로 분류될 수있습니다. 예를 들어, 전경의 남자가 뒷사람의 낚싯줄 뒤로 지나가는 모습이나, 두 개의 건물에 고정된 간판이 깊이를 나타내지 않는 방식으로 그려져 있습니다. 이러한 요소들은 관람객에게 원근법 이해의 필요성을 유머러스하게 설득하려는 의도로 설계되었습니다.
작품에는 여러 원근법적인 오류가 나열되어 있습니다. 그중 일부는 다음과 같습니다.
전경의 남자: 그의 낚싯줄이 뒤에 있는 남자의 낚싯줄 뒤로 지나갑니다.
간판: 간판이 뒤 개의 건물에 모여 있으며, 두 건물은 깊이에서 일치를 보이지 않습니다.
교회: 교회가 강에 일직선으로 보이며, 두 끝이 동시에 보입니다.
이 외에도 많은 원근법적인 오류가 상세히 나열되어 있으며, 대부분은 관객이 자연스럽게 느끼는 시각적 규칙을 위반하고 있습니다. 이 작품은 단순한 미술 작품이 아닌, 원근법의 중요성을 교육하고 비판적인 사고를 촉진하기 위한 호가스의 의도를 반영하고 있습니다.
호가스는 이 작품을 통해 예술가와 관람객 모두에게 원근법을 배우는 것이 얼마나 중요한지를 전하며, 그의 독특한 풍자적 시각을 드러내는 동시에 당시의 예술 교육의 흐름을 조명하고 있습니다.
윌리엄 호가스( Wiliam Hogarth, 1697-1764)의 < Beer Street and Gin Lane>는 1751년에 제작된 두 개의 판화로, 진 소비의 악영향과 맥주의 장점을 대조적인 방식으로 표현하고 있습니다. 이 작품은 당시 런던에서의 사회적 문제를 다루며, 진에 대한 비판을 통해 더 나은 음료인 맥주를 강조하고자 했습니다.
호가스는 사회 비판적 요소를 작품에 담아 대중의 계몽을 목표로 했습니다. < Beer Street and Gin Lane> 는 그가 1751년에 발표한 연작으로, 사회에서의 진 소비가 초래한 문제들을 시각적으로 표현하였습니다. 작품은 당시 영국에서 진의 소비가 극단적으로 증가하던 시기에 그려졌으며, 그로 인한 사회적 혼란을 경고하고 있습니다.
< Beer Street> 는 밝고 행복한 분위기를 강조하여, 맥주가 사람들을 즐겁게 하고 건강하게 만든다는 메시지를 전달합니다. 그림 속 인물들은 웃고 있는 표정을 지으며, 활력 넘치는 모습으로 묘사됩니다. 맥주를 통한 즐거움과 산업의 번영이 함께 나타나며, 맥주가 사람들 사이의 결속을 통해 긍정적인 사회를 만든다는 긍정적인 이미지를 주고 있습니다.
반면 < Gin Lane> 은 어둡고 암울한 장면으로, 진에 중독된 사람들의 비극적인 삶을 드러냅니다. 이 그림에는 진을 사기 위해 물건을 내놓는 사람들, 진에 취해 싸움을 벌이는 장면 등 사회적 타락과 파괴를 나타내는 요소들이 포함되어 있습니다. 특히, 아이를 떨어뜨리는 여인의 모습은 진의 폐해를 상징적으로 보여주는 중요한 부분으로, 당시 사회에서의 여성의 비극적인 상황을 드러냅니다.
이 두 작품은 1751년에 발효된 진법 (Gin Act)을 지지하기 위해 발표되었으며, 이러한 법안은 진의 과도한 소비와 관련된 범죄 및 사회적 혼란을 줄이기 위해 시행되었습니다. 호가스는 < Beer Street> 를 먼저 보여준 후 < Gin Lane> 을 통해 독자에게 더 큰 충격을 주려는 의도를 가지고 있습니다. 작품은 단순한 대조를 넘어, 시대의 사회적 문제를 반영하는 중요한 사회 풍자적 메시지를 전달합니다.
진 법( Gin Act)은 영국에서 18세기 중반, 특히 1751년에 제정된 법률로, 진의 생산과 유통을 규제하기 위해 생겨났습니다. 이러한 법안은 당시 London's gin craze, 즉 진의 과도한 소비로 인한 사회적 문제를 해결하기 위해 필요했습니다.
진의 소비는 18세기 초반부터 증가하기 시작했습니다. 이는 1689년에 프랑스 와인과 브랜디의 수입이 금지됨에 따라 촉발되었습니다. 정부는 진의 생산을 장려하기 위해 세금 감면을 제공했지만, 이에 따라 대량의 저가 진이 생산되고 소비되었습니다.
진의 급증하는 소비는 여러 사회 문제를 야기했습니다. 많은 사람들이 진 중독에 빠지게 되었고, 범죄율도 상승했습니다. 사회적으로 진 소비와 관련하여 빈곤, 범죄, 부모의 방임과 깉은 다양한 부작용이 나타나기 시작했습니다. 1751년에 제정된 진 법은 이러한 문제를 해결하기 위해 진의 소비에 대한 강력한 규제를 도입했습니다. 법안의 주요 목표는 저가의 진 생산을 제한하고 판매를 관리하는 것이었습니다. 특히 , 진의 유통서에 더 놓은 세금을 부과함으로써 소비를 억제하려 했습니다.
150 센티가 조금 넘는 단신의 런던 토박이 화가는 당대의 도덕관이 무너지는 사회상을 관찰하여 신분과 계급, 조직에 관계없이 신랄한 풍자화를 그렸습니다. 그의 그림은 하나의 사회적 혁명이었고, 수천 개의 동판화로 찍혀 나가면서 화가가 후원자의 도움없이도 독립적으로 활동 할 수 있음을 증명했습니다. 그는 직접 미술학교와 고아원을 설립하였고, 이어서 영국 왕립아카데미의 설립에도 참여합니다.
이렇듯, 사회를 비판하고 풍자한 호가스의 그림들은 이후 다비드, 고야, 도미에 등으로 이어져 영국 회화가 프랑스, 이탈리아, 스페인 등 유럽의 다른 국가에 영향을 주는 길을 열었습니다. 또한 화가로 하여금 사회문제에 보다 적극적으로 참여켜 함으로써 사실상 시사 일러스트레이션의 길을 열었다는 역사적 중요성이 있다고 할 수 있습니다.
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