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작지만 에너지 넘칩니다. 스탠다드 슈나우저의 모든 재미, 에너지, 그리고 풍성한 수염을 가지고 있고요. 미니어처 슈나우저의 덥수룩한 턱수염, 긴 눈썹, 접힌 귀는 사교성, 적응력, 지능과 함께 이 품종의 대표적인 특징들입니다.

원래 이름은 '미니어처 와이어 헤어드 핀셔'라는 긴 이름을 가지고 있습니다. 탄생지는 이름에서 풍기듯이 독일이고요. 기묘한 눈썹과 덥수룩한 턱수염 때문에 어린 미니어처 슈나우저라도 노신사 같은 모습입니다. 실크 조끼와 회중시계만 있으면 말입니다.

크기에 따라

미니어처 슈나우저(체고:30-35cm, 체중:4-6kg)

스탠다드 슈나우저(체고 : 42-50cm, 체중 :16kg 내외)

자이언트 슈나우저(체고: 60-71cm, 체중: 32kg 내외)

크게 3종류로 구분할 수 있습니다.

미니어처 슈나우저는 긴 콧수염, 사각턱, 턱수염이 조상인 스탠더드 슈나우저와 닮았습니다. 모든 슈나우저 품종은 턱수염이 덥수룩한 주둥이가 가장 특징입니다. 그래서 주둥이를 뜻하는 독일어 '슈나우제'에서 품종명이 유래했다고 합니다.

스탠다드 슈나우저는 14세기 독일에서 탄생했습니다.  원래 농장에서 쥐와 같은 유해 동물을 잡기 위해 길러졌습니다. 미니어처 슈나우저는 푸들, 아펜핀셔, 미니어처 핀셔 또는 폭스테리어 및 스코티시 테리어와의 교배를 통해 탄생했습니다. 이 견종의 정확한 기원은 알 수 없지만 미니어처 슈나우저 품종이 1888년 독일에서 처음 공식적으로 기록되었습니다. 1899년 도그쇼에서 독립된 품종으로 선보였고요. 이후로 현대 가족이 좋아하는 품종으로 진화했습니다.

슈나우저는 독일의 오랜역사를 가진 품종이기도 합니다. 14세기 미쉐린버그에서는 사냥꾼과 그의 발 및에 웅크리고 있는 슈나우저의 동상이 발견되었다고 하니 말입니다. 1620년 슈투트가르트에서 유명한 "Night-Watchman"동상은 작품에 나타난 최초의 슈나우저 중 하나입니다. 

대부분 활발한 성격입니다. 머리도 다른 개들에 비해 상당히 좋은 편이고요. 지능지수 12위를 기록할 정도로 우수한 지능 지수를 갖추고 있습니다. (AKC:미국 애견 협회) 탄탄한 몸을 가진 테리어답게 활동량이 많습니다. 부지런히 움직이고 자기주장이 강하죠. 장난치기도 좋아하고요. 가족의 구성원이 되어 헌신적으로 봉사하는 경비견으로서의 우수한 자질을 가지고 있습니다.

슈나우저는 이름처럼 주둥이로 물어뜯는 버릇이 심한 편입니다. 이 버릇만 조심하면 다른 견종들보다 훨씬 키우기 쉬운 편입니다. 집안에 물어뜯을 만한 것을 사전에 정리하고 대신 장난감이나 개껌을 주어 물어뜯고 싶은 욕구를 해소해 주어야 합니다. 그렇지 않으면 집안의 작은 물건들이 모두 뜯겨 있는 불상사가 벌어질 것이니 조심하십시오.

https://www.youtube.com/watch?v=f4E1vsCRPVM

농장에서  작은 동물을 잡던 습성이 있어 낯선 방문객이나 작은 동물을 보고 사납게 짖어 다소 시끄러울 수 있습니다. 하지만 집을 지키기에는 안성 맞춤이죠. 작은 동물을 쉽게 잘 무는 버릇이 있기 때문에 어린아이가 있는 가정은 부적합합니다. 쥐를 잡던 개라 햄스터나 작은 반려동물을 함께 키우기에 적합하지 않습니다. 

https://www.youtube.com/watch?v=81ARNR28ws8

V자 모양의 앞으로 접힌 귀를 가지고 있습니다. 덥수룩한 턱수염과 진한 눈 주위의 눈썹을 가지고 있고요. 흰색, 검은색, 블랙 앤 실버 또는 희끗희끗한 털을 가지고 있습니다. 이중모로 뻣뻣한 겉털과 부드러운 속털을 가지고 있습니다. 흔드는 모습을 자주 볼 수 있는 생기 넘치는 칼 모양의 꼬리를 가지고 있고요. 며칠에 한 번씩 빗질을 하고, 5-8주 마다 미용사를 방문하여 다듬으면 미니어처 슈나우저의 뻣뻣한 겉털과 부드러운 속털의 두꺼운 이중모를 최상의 상태를  유지할 수 있습니다.

털이 잘 빠지지 않는 편이라 실내생활에 적합하지만 산책을 좋아하므로 자주 산책을 시켜주어야 합니다. 집안에 혼자 있는 것을 싫어합니다. 미용은 등을 짧게 밀고 얼굴과 가슴에 난 털은 조금 길러주는 것이 좋습니다. 턱수염과 구레나룻, 눈썹 등은 깎지 마시고요. 다리와 발바닥도 마찬가지입니다. 털이 슈나우저 감각에 도움을 주기 때문이죠. 털이 긴 부분은 뭉치지 않도록 항상 빗질을 해주시는 것 잊지 마시고요. 산책 후에 털에 붙은 이물질을 제거해 주어야 털이 엉키는 것을 방지할 수 있습니다.

더위와 추위에 약합니다. 겨울에는 옷을 입혀서 보온에 신경써 주셔야 합니다. 유전적으로 진행성 망막 위축증(Reitnal Atrophy)이라는 치명적인 유전병을 가지고 있습니다.  망막 혈관들이 감소되어 빛을 흡수하고 반사, 감지 역할을 하는 망막이 위축되고 변성되어 서서히 시력을 소실하는 병입니다. 원인은 유전적 변성이며 미니어처 슈나우저에게 가장 잘 나타납니다.푸들, 닥스훈트, 시베리안 허스키, 코카스파니엘, 레트리버 등 강아지들과 고양이에게서도 나타나는 질병입니다.

항산화제와 같은 약을 통해 진행을 늦출 수는 있으나 실명이 불가피하다고 합니다. 발병은 짧게는 수개월, 길게는 8살 때 일어날 수 있으며 진행도는 반려동물에 따라 다릅니다. 발병 이후에는 녹내장, 백내장, 등 안 질환을 동반할 수 있으므로 케어가 필요합니다. 안과 전문 수의사님께 검사를 받아보세요. 또 다른 안 질환이 동반될 수 있기 때문에 강한 햇빛을 피하게 하시고 시력 관련 항산화 보조제를 먹이면 좋다고 합니다.

시각 말고도  후각과 청각이 발달되어 있기 때문에 서서히 생활에 적응해 갈 겁니다. 빠른 적응을 위해 보호자분들의  도움이 필요합니다.

1.집안 구조 변경은 삼가 주세요.

2. 반려동물을 만질 때 놀라지 않도록 머리 위로 던지지 마시고 먼저 이름을 부르고 코밑으로 손을 가져가 냄새를 맡게 한 후 천천히 다가가세요.

3. 활동성이 많을 경우 넥 카라나 시각장애견을 위한 보조 기구 에인절링을 이용해 부딪침을 방지해 주세요.

4. 날카로운 곳이나 자주 부딪히는 곳에는 모서리 보호대와 같은 것을 붙여주세요.

5. 산책 시 줄을 매시고 다른 강아지와의 접촉을 삼가 주세요.

6. 안구 질환에 대해 꾸준한 관리를 해주시고 강한 자외선은 피해 주세요. 

 장애가 있더라도 반려인의 지속적인 보살핌으로 행복한 일상을 만들어 갈 수 있습니다. 

https://www.youtube.com/watch?v=ghqEL4cP5yc

미니어처 슈나우저의 작은 크기는 규칙적인 운동만 한다면 도시견으로 손색이 없습니다. 이 견종은 가족 친화적인 품종으로 보호자만 함께 있으면 거의 모든 곳에서 살 수 있습니다.  어릴 때부터 꾸준히 교육이나 훈련을 통해 훌륭한 반려견으로 키울 수 있으니 도전해 보세요. 선천적으로 영리한 품종이니 교육이나 훈련을 받았을 때 성과가 아주 빠르게 나타날 겁니다. 

브리타니는 1800년대 프랑스의 북서부 브리타니 지방에 있는 소작농들의 사냥개로 알려져 있습니다. 프랑스혁명 이후 귀족들의 전유물이었던 사냥은 일반 소작농에게도 보편화되기 시작하였습니다.

당시 가장 인기가 있었던 개는 프렌치 스페니얼(French Spaniel)이었습니다. 사냥꾼과 브리더들이 이 스파니엘에 대한 애착을 가지고 있었죠. 좀 더 짧은 모질과 강력한 후각을 지닌 다목적 사냥개를 원하게 됩니다. 이러한 욕구에 의해 1800년대 중반 프렌치 스파니엘과 잉글리시 세터를 교차 교배시켜 만든 품종이 바로 브리타니라고 합니다.

원산지:프랑스

수명 : 10-14년 

크기:소형견 

체고/체중

              숫: 48-50cm/15kg

              암 47-49cm/13kg

모발은 풍부하며 약간 웨이브형이나 곱슬은 아닙니다. 다른 스파니엘 견종과 같이 비단결 같지 않고요. 색은 다크 오렌지와 백색, 리버와 백색으로 반점은 벨톤 모양(백색을 바탕으로 하는 혼합의 색)입니다. 털의 길이는 보통이며 조밀하고 귀와 가슴 배 다리의 위쪽에 깃털이 나 있습니다. 

개량을 통해 얻어진 강아지들 중에 소수는 꼬리가 없거나 뭉툭한 짧은 꼬리를 가지고 태어났어요. 이런 형태의 번식이 계속 되면서 오늘날 브리트니의 외형이 갖춰지기 시작한 것으로 보입니다.

개량을 통해 얻어진 견종들이다 보니 강력한 후각을 지니고 있어서 도요새 사냥에 제격이었습니다. 육지와 물을 가리지 않고 사냥감을 회수해오는 우수한 능력까지 갖추고 있었죠. 이로 인해 프랑스 상류층뿐만 아니라 밀렵꾼들에게도 브리타니는 탐나는 품종이었습니다. 특히 조류 사 냥 중에 가장 작고 우수한 품종으로 평가되어 큰 인기를 얻게 됩니다.

https://www.youtube.com/watch?v=M24m0lLbFHM

1907년 프랑스켄넬클럽에 등록됩니다. 1925년 미국(멕시코)으로 건너 온 브리타니는 그 해 미국켄넬클럽에 인증이 되었고요. 처음에 사냥꾼들 사이에 꼬리가 없는 브리타니의 포인팅(조류의 위치 확인) 능력에 대한 부정적인 시각이 굉장히 많았다고 합니다. 하지만, 브리타니의 훌륭한 기질은 곧 인정받게 됩니다. 포인팅 품종 가운데 가장 인기 있는 품종이 되고요.

원래 인간의 사냥을 돕는 조렵견(수렵을 돕는 개)으로 육성되었고 그 특징을 살려 미국 등 일부 국가에서는 구조견으로 이용되기도 합니다. 소방관이 재난 현장에 훈련 받은 브리타니를 데려가 풀어놓으면 녀석이 실종자의 흔적을 찾아내 짖어대는 방식의 조력 활동인 것이죠.

9.11 사태  때 브리타니의 활약은 대단했습니다. 세기의 참사 앞에서 사투를 벌이는 소방관 옆에는 늘 브리타니가 있었습니다. 실종자를 찾아내는 것은 녀석들의 기본 임무였죠. 구조 활동에 너무나 지쳐 잠시 쉬고 있는 소방관을 발견하면 잽싸게 달려가 부비부비 하며 힘을 주기까지 했다고 해요. 이 사실은 당시 미디어 전파를 타고 전 세계에 알려져 감동을 주기도 했습니다. 튼튼한 체력뿐 아니라 따뜻한 마음을 갖고 있다는 뜻이기도 할 테니까요.

타고난 사회성으로 사람이나 다른 개에게 친절한 것이 장점입니다. 하지만 그것이 일상 속에서는 단점으로 타나나기도 하죠. 조렵견 구조견으로서의 습성은 일반인의 기준으로 볼 때 별 것 아닌 일에 민감하게 반응하기 쉽습니다. 격렬하게 짖거나 공격적 행동을 보여 이웃을 놀라게 할 수도 있고요. 그리고 이런 일이 반복될 경우 분쟁이 벌어질 수도 있습니다. 그런 의미에서 브리타니와 함께 사는 사람은 개가 늘 안정적인 상태를 유지하도록 신경 써야 합니다. 개를 키우다 보면 별 것 아닌 일에 사람이 먼저 호들갑을 떨기 바쁘거든요. 브리타니가 무언가를 보고 마구 짖어대도 격하게 말리거나 함께 흥분하지 말고 잔잔하게 대응하시기 바랍니다. 

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https://www.youtube.com/watch?v=_sVoxOACapQ

명랑하고 쾌활합니다. 움직이는 것을 좋아하는 활동적인 성격이고요. 브리타니는 사냥감을 쫓고 회수해오는 능력이 뛰어나며 사냥감의 위치도 잘 알려줍니다.  주인옆에 바싹 붙어서 다니는 경향이 있어 훈련시키기 쉽고 다루기 쉽기 때문에 사랑스럽고 주인에게 복종 잘하는 온화한 견종입니다.  유순하고 순종적이라 심한 훈련을 필요치 않고요. 초보 사냥꾼에게는 브리타니가 가장 적합한 사냥견이 될 수 있습니다.

키와 몸길이가 같은 정사각형의 체형을 가지고 있습니다. 다리가 길고 골격이 가볍기 때문에 빠른 속도로 달리기 쉽고 놀랄만한 민첩성을 지니고 있습니다. 태어날 때부터 꼬리가 없거나, 10cm 정도의 길이만 유지됩니다. 털은 스파니엘 보다 훨씬 적고, 곧거나 또는 곱실거리는 형태의 모발을 가지고 있어요. 지나치게 두춤한 털은 덤불이나 우거진 숲에서는 사냥 시 불리하게 작용하기 때문에 적합하지 않아요. 들판에서 장시간 뛰어놀 수 있는 체력과 열정을 지닌 품종이랍니다. 

https://www.youtube.com/watch?v=Kv7vXW98mBc

운동량이  많기 때문에 아파트나 빌라 등의 공동주택에서 키우는 것 보다는 , 마당이 있는 주택이나 한적한 교외에서 키우는 것이 바람직해요. 성격이 좋기 때문에, 운동량만 충족시켜 줄 수 있으면 어린아이부터 노인까지, 다양한 연령층에서 키울 수 있는 견종입니다. 산책은 하루에 적오도 두 번 이상, 총 1시간 이상시켜주는 것이 좋습니다.

산책할 때에는 목줄을 꼭 해줘야 합니다. 사냥본능이 있기 때문에 산책 중에 작은 동물이나 새 등의 동물을 사냥감으로 인식해서, 달려나갈 수 있기 때문이지요. 또한 훈련을 시킬 때, 꾸지람이나 체벌을 하면 오히려 성격이 소심해질 수 있기 때문에, 훈련을 할 때에는 간식이나 칭찬 등의 긍정적인 기억을 심어주는 것이 중요합니다. 

브리타니 스파니엘은 식탐이 많습니다. 그렇기 때문에 운동량을 제대로 충족시켜주지 못하면, 비만이 될 가능성이 높아요. 보호자가 충분하게 운동을 시켜 주시고, 성견이 되면 사료 급여량도 조절해 줘야 합니다. 비교적 건강한 견종이기 때문에 잔병치레는 적은 편입니다.

하지만 심장 판막증이나 심장마비 등의 심장관련 질환을 조심해야 합니다. 또한  간질이나 관절염에도 잘 걸린다고 합니다. 결막염이나 백내장 등의 안구질환에도 취약하기 때문에 이에 유의하시기 바랍니다. 

1934년 미국켄넬클럽에 '브리타니 스파니엘'로 공식 등록이 되었고 이후 1982년 사냥 스타일이 스파니엘 보다 세터에 가깝다고 인정하여 명칭에서 '스파니엘'을 뺀 '브리타니'로 품종 명칭을 변경하게 됩니다. 하지만 지금도 프랑스에서는 브리타니 스파니엘로 불리고 있습니다.

실컷 놀게 배려해 주세요. 대부분의 상황에 무심하게 대처하시고요. 환경이 허락하지 않는다면 훈련소에 정기적으로 보내 실컷 뛰놀고 다른 개들과 어울리게 해주는 것도 좋은 방법입니다.  모든 개들에게 해당하는 일이지만, 눈가, 귓구멍 관리 정기적으로 해주시고요. 관찰과 정기적인 검진이 최선이자 최고입니다. 

'가장 개인적인 것이 가장 창의적인 것이다.' 마틴 스콜세지 감독이 한 말입니다. 제92회 아카데미 시상식 현장에서 <기생충>의 봉준호 감독이 다시 한번 언급해 유명해진 말이기도 하지요. 영국 풍경화가 존 컨스터블(John Constable, 1776-1837)의 작품을 보면 자연스럽게 떠올려지는 말이기도 합니다. 

윌리엄 터너와 함께 19세기 영국 낭만주의 풍경화 화가들 가운데 가장 뚜렷한 흔적을 남긴 화가 입니다. 그는 특히 영국의 전원을 단순하면서도 매력적인 풍경화라는 그릇에 담아낸 것으로 유명하지요. 지금이야 그의 작품들이 높은 평가와 인기를 누리고 있지만, 52세의 늦은  나이로 왕립미술원 정회원이 되기까지컨스터블은 영국 기성 화단에서 중요 인물로 대우받지 못했습니다.

동시대에 활동한 윌리엄 터너(Joseph Mallord William Turner 1775.4.23-1851.2.19)에 비해 각광받지 못했지요. 오늘날 컨스터블은 터너와 더불어 19세기 영국 낭만주의 풍경화를 대표하는 두 거장으로 일컬어집니다. 똑같이 낭만주의 풍경화가로 분류되지만  터너와 조금 다른면이 있습니다. 윌리엄  터너가 자신의 마음에 비친 풍경을 드라마틱하게 과장하거나 비틀어서 표현했다면, 컨스터블은 작품 속에 자기의 내적 감정을 담으면서도 풍경화가 토대로 삼고 있는 자연주의 (사실주의)에 보다 충실한 느낌입니다. 자연에 대한 평온하고 시적인 성찰이 담긴 그의 그림은 윌리엄 워즈워스의 시적 통찰에 비교되기도 하고요. '위대한 자연주의자'라고 불러도 어색하지 않을 것 같습니다. 

영국 토박이입니다. 한 지역에 오래 머문 토박이들은 그 지역의 특징과 풍물에 대해서 잘 알고 이해 하고 있는 사람들이죠. 그들은 외지인들이 잘 찾아내기 힘든 그 지역만의 아름다움에 대하여 잘 알고 있고요.  또, 그 아름다움을 알리기 위해 노력합니다. 컨스터블이 바로 그런 화가입니다. 

존 컨스터블은 영국 남동부지역인 서퍽(Suffolk)의 이스트 버골트(East Bergholt) 출신입니다.  플랫포드 제분소(Flatford Mill)와 에섹스(Essex)에 데덤 제분소(Dedham Mill)를 소유한 부유한 옥수수 상인 골딩(Golding)과 앤 니 와츠(Ann nee Watts)의 둘째 아들이고요.  그가 태어난 영국 남동부 지역은 더운 여름과 추운 겨울이 특징입니다. 1년 365일 동안 같은 날씨를 찾기 힘들다고 해요. 덕분에  다양한 날씨 변화를 경험할 수 있는 지역입니다. 

그의 가족들은 컨스터블이 아버지의 가업을 물려받기를 희망했습니다. 컨스터블은 7년 동안 아버지를 도와 옥수수 사업에서 종사했습니다. 그의 나이23세가 되던 해인 1799년, 아무리 생각해도 이 길은 자신이 가야 할 길이 아니다 싶었나 봐요. 예술가로서의 경력을 쌓을 수 있도록 아버지를 설득합니다. 그는  왕립 아카데미 부설학교에 들어갔고 그곳에서 실물 그리기를 공부했습니다. 고전 작품에 익숙해져 갔고, 훈련을 마친 후  그레이트 말로 사관학교(Great Malow Military School)의 미술 교사 자리를 제안받지만 거절합니다. 안정이 보장된 자리 대신 전문 풍경화가가 되기로 결심합니다.

부유한 제분업자였던 아버지는 아들이 '저급한 '화가로 실패한 인생을 살까봐 반대를 했습니다. 여느 아버지들처럼 말입니다. 그러나 그는 사업을 물려받는 대신, 아버지 소유의 방앗간, 옥수수 농장, 선박 건조장 풍경을 담아냈습니다. 당시 그림은 기록적인 역할도 담당하기 때문에 그의 그림들은 보는 이들로 하여금 19세기 영국 작은 마을로 우리를 초대합니다.

터너와는 달리 방앗간, 댐, 버드나무, 오래된 썩은 판자, 끈적끈적한 기둥, 벽돌 세공에서 물이 새는 소리를 좋아했다고 합니다. 거친 자연과 폐허에서 낭만을 찾던 유행에서 동떨어졌어도 주눅 들지 않았고요.이런 유행을 허세라고 여겼거든요. 그래서 그런지 서른아홉 살 이전에는 단 한 점의 그림도 팔지 못했습니다.  하지만 명성과 재정적으로 크게 성공하지 못했어도 컨스터블에겐 사랑하는 영국의 풍경이 있어 행복했습니다. 

그의 작품 <플랫포드 밀 근처에서의 배 만들기 (Boat-building near Flatford Mill),1815>입니다. 컨스터블은 보통 야외에서 스케치를 한 다음 그 스케치를 토대로 자신의 스튜디오에서 그림을 완성했습니다. 후대의 인상주의 화가들처럼 전적으로 야외에서 작업이 시작되고 완결되지 않았습니다. 하지만 이 그림은 처음부터 완성까지 야외에서 그려진 그림이라고 합니다. 자신에게 영향을 받은 , 인상파로 치면 '외광파'에 속하는 수련 연작의 '모네'처럼말이죠.

첫인상은 오늘날 자동차 정비소 같은 느낌이 들었습니다. 수리하기 쉽도록 근처 강둑에 설치를 해놓았네요. 배의 보이지 않는 아랫부분을 보아야 하니 땅을 최대한 깊이 파 놓은 것 같습니다. 뭔가를 손질하느라 골몰한 남성이 앉아 있습니다. 사람의 사이즈가 작아 보이는 걸 보면 배의 크기가 무척 큰 가 봅니다. 주변에 널브러진 연장들 , 불에 올려놓은 커다란 팟에 연기가 나는 걸 보니 맛있는 점심이 끓고 있나 봅니다. 근처 다른 일로 바쁜 남성 한 분도 보이네요. 오른쪽으로 자세히 보니 아빠 따라온 듯한 여자아이도 보이고 웅크린 모습의 보터콜리처럼 보이는 개도 보이네요. 

오늘날의 큰 악습은 진실을 뛰어넘는 
무언가를 하려는 시도인 예술적 기교이다.

-존 컨스터블-

당시 풍경화를 그리던 화가들 대부분이 장엄하고 웅장한 풍경을 찾아서 광범한 지역을 여행하는 것이 유행이었습니다. 그런 유행과  달리 컨스터블은 한 번도 영국 밖으로 나간 적이 없습니다. 컨스터블에게 그러한 풍경은 별로 호소력을 갖지 못했고요.  오히려 그의 고향인 서퍽의 스투어 계곡(Stour Valley)의 평온하고 정감 있는 풍경을 그리는 것을 더 좋아했습니다. 영국의 곡창지대라고 불리는 이곳은 1년 내내 같은 날씨를 찾기 힘들다고 할 정도로 다양한 날씨 변화를 느낄 수 있는 곳입니다. 빛이나 바람이 시시각각 변하는 효과와 이슬 맺힌 아침 풍경 등의 풍부한 소재들을 관찰하기에 용이했고요. 이런 주변환경으로 인해 컨스터블이 풍경화를 계속 그릴 수 있었던 이유 중 하나 일 것 같습니다. 

그는 고향 서퍽 지방의 풍경을 집중적으로 화폭에 옮기면서, 야외에서 유화물감으로 스케치를 하거나, 광선과 대기의 효과를 보다 더 잘 전달하기 위해서 다양한 색채들을 실험했습니다. 덕분에 객관적이고 정확한 관찰을 할 수 있었고 가능한 자신이 본 진실하고 객관적인 풍경들을 그리기 시작합니다. 시골의 전경과 그곳 사람들을 생생하게 담아내면서도 그림 속에 담긴 농경 생활을 하는 사람들을 동정하거나 의미짓지 않고 그저 보이는 그대로의 모습을 묘사합니다.

나는 스투어 강 둑에 놓여 있는 모든 것들을
나의 조심성 없었던 소년 시절과 결부짓는다.
그 장면들은 나를 화가로 만들었다. 

과학적이고 객관적인 시각으로 관찰한 자연을 세밀한 드로잉과 수채화로 연습하던 그가 평생을 이토록 영국의 아름다움을 화폭에 담아낸 이유는 고향에 대한 큰 애착이라고 볼 수 있습니다. 영국의 토박이답게 어린 시절부터 자신의 몸에 깊이 스며든 농촌을 아름답게 표현하며 세상에 알리려 합니다. 항상  집 근처 야외에서 작업을 한 것에서 고향에 대한 마음을 볼 수 있습니다.  구름과 대기와 빛에 변화하는 자연을 직접 탐구하며 소박한 시골 정경을 소재로 그림을 그린 존 컨스터블은 풍경화 장르에 새로운 바람을 일으킵니다. 유럽 전역의 미술에 영향을 끼쳐서 풍경화의 혁명이라고 평가받습니다. 정작 영국에서는 인정받지 못했지만요. 

이 구름 그림은 '밝음'과 '어둠'의 불연속적인 변화를 포착한 작품입니다. 흰색이 점점 변해 회색이 되고, 그 위로 깊은 푸른빛 음영이 덧씌워집니다. 컨스터블은 1821년에서 1822년 사이 직접 야외로 나가 하늘의 구름이 보여주는 변화무쌍하고 미묘한 변화를 그린 수백 점의 유화 스케치를 제작했습니다. 컨스터블은 나중에 이 작업을 '하늘 관찰하기(Skying)'라고 이름 붙이지요. 그림 뒷면에 계절적인 차이. 그림을 그린 시각, 바람의 방향, 그 밖의 날씨 조건 등 을 메모해 놓았는데, 기상 현상에 대한 그의 과학적인 관심의 소산이었습니다. 그가 지금 태어났다면 기상관측하는 아나운서 가 되었을지도 모르겠네요.

미술사가 곰브리치는 그 무엇도 컨스터블에게 자연보다 더 인상적일 수는 없었으며, 그의 구름 연구 (Cloud Studies)는 자연이 가장 단순한 형태를 가지고 우리에게 얼마나 크고 깊은 인상을 줄 수 있는지를 보여준다고 썼습니다.  컨스터블은 그림이란 감정의 또 다른 표현이라고 생각했습니다. 그 맥락에서 컨스터블의 구름 연구는 이런 생각이 확실히 드러난 그림이지요. 풍경을 그릴 때 그는 정서적이고 시적인 접근뿐만 아니라 과학적인 관찰도 필요하다고 믿었습니다. 

컨스터블의 아내 마리아 빅넬입니다. 아름답지요. 컨스터블은 1809년 그녀가 12살이었을 때 처음 만났던 마리아 빅넬(Maria Bicknell)에게 청혼합니다. 그러나 그녀의 할아버지는 컨스터블 가문이 사회적으로 열등하다고 생각해서, 두 사람의 결혼을 반대합니다. 마리아에게 상속권을 박탈하겠다고 위협하면서 말이죠. 한정된 수입으로 아내와 가족을 부양할 수 없었던 이 커플은 비밀 서신을 계속 주고받습니다.

1816년 컨스터블의 아버지가 사망한 후 두 사람은 결혼할 수  있게 됩니다. 컨스터블의 아버지 존 시니어(John Senior)는 자녀들을 위한 재산을 남겼습니다. 세 자매와 형, 둘째 컨스터블 , 그리고 막내가 그들입니다. 형은 토지 관리인으로 막내 동생 아브람(Abram)은 가족 전체의 이익을 위해 계속 사업을 운영했습니다. 컨스터블이 부유해진 것은 아니지만, 결혼에 필요한 재정적 안정을 가져오게 됩니다.

드디어 이 커플은 런던 필즈(Fields)의 세인트 마틴 교회에서 결혼식을 올립니다. 잉글랜드 남부 해안을 둘러본 뒤 도싯주의 오스밍턴(Osmington)에 있는 피셔 주교를 찾아가 그의 아내와 함께 신혼여행을 보냈고요. 존 피셔(John Fisher) 주교는 Essex 지역 제분소가 있던 랭함교회 목사(Langham Church)로 있을 때 첫 인연이 있었던 분이시죠. 컨스터블의 가장 큰 후원자 중 한 명이기도 하고요. 이 여행에서 잉글랜드 남서부 해안 도시 브라이튼(Brighton)과 웨이머스(Weymouth)의 바다를 스케치하게 됩니다. 이 여행은 컨스터블이 더 자유로운 붓놀림을 채택하고, 특히 하늘과 바다에 대한 표현에 보다 큰 감정적 강렬함을 선보이는 실험을 할 수 있는 계기가 됩니다.

https://smarthistory.org/john-constable-view-on-the-stour-near-dedham/

1819년 아카데미 전시회부터 컨스터블은 야심 찬 시도를 선보입니다. 그림의 크기를 획기적으로 늘려 캔버스의 가로길이가 6피트(182.88cm)나 되는 대형 연작 제작에 착수한 거죠. 이른바 6피트 캔버스(six-footers) 그림들로 스투어 강(River Stour) 주변의 풍경과 농민들의 일상을 그려냅니다.

당시로서 6피트라는 사이즈는 아주 드문 사이즈였습니다. 이런 큰 작업을 시작하게 된 것은 40세가 다 되었을 즈음이고요. 이 시기는 그의 작품 활동에 큰 전환점이 됩니다. 일단 크게 그려진 그림이니 눈에 확 들어오겠지요. 실제로 자신의 작품이 왕립 아카데미에서 다른 작품들에 비해 조금 더 눈에 띄었으면 하는 바람도 있었다고 합니다. 또 그 자신의 풍경화가 좀 더 고전적인 회화의 반열에 오를 수 있는 방법으로 그림의 크기를 키웠고요. 나폴레옹 시대 신고전주의 그림들이 모두 큼직했거든요. <나폴레옹 대관식> 그림을 상상하시면 좋을 듯합니다.

시리즈로 제작된 6피트 사이즈의 그림들은 모두 스트르 강 인근의 모습을 담아내고 있습니다. 그중 첫 번째로 작업한 대형 캔버스 작품이 바로 <스투어 가의 풍경>이라는 제목이 붙기도 했던 <흰색 말>라는 작품입니다. 이 작품은 존 컨스터블이 화가가 된 이래에 가장 큰 찬사를 받았습니다. 그 호평에 힘을 입어 로열 아카데미 회원으로 선출되기도 하고요. 이 작품 덕에  컨스터블의 오랜 소원이 이루어졌네요.

슈트를 강 남쪽 둑에서 바라본 풍경입니다. 좌측 아래에 있는 배에는 백마가 타고 있는 걸로 보아 말을 실어 나르고 있는 모습을 그린 것 같습니다. 겁 많은 말을 옮기려니 힘이 좀 들겠습니다. 오른쪽 좀 떨어진 곳에 강물을 마시고 있는 소들이 보입니다.  수문과 초막을 비롯해 뒤쪽으로는 마을의 모습이 보이고요. 하늘 전반에 뭉게뭉게 떠있는 짙은 구름들과 바람에 흩날리는 나뭇잎의 표현이 생생합니다. 자연을 관찰하고 발견해서 얻은 색조를 기준으로 색을 사용했습니다. 물빛의 반짝거림을 효과적으로 나타내기 위해 순수한 흰색으로 하이라이트를 올린 것으로도 알려져 있고요.

화가들에게는 보통 평생 한 작품
또는 둘, 어쩌면 세 작품 정도 특별히
애착을 갖게 되는 작품이 있게 마련인데
내 경우에는 이 그림이 그렇다네

- 존 피셔에게 보내는 편지 중-

<흰색 말>은 존 컨스터블이 가장 좋아하는 그림 중 하나입니다. 이 작품을 존 피셔(주교님 조카)라는 친구가 구매하게 되는데 이 사람은 컨스터블의 초창기 활동에 큰 힘이 되어 준 사람입니다. 전해지는 설에 의하면 컨스터블이 이 작품으로 얻게 되었던 호평들과 작품을 팔아서 생긴 100기니 덕분에   화가의 길을 포기하지 않을 수 있었다고 추측하기도 합니다. 후에  그림을 사갔던 존 피셔에게 경제적인 어려움이 닥치자 그를 돕기 위해 다시 그림을 사 갔다고 합니다. 이후 죽을 때까지 이 그림을 가지고 있었다고 해요. 

나는 작업을 할 때, 6피트의 캔버스
앞에 서지 않은 나를 상상할 수 없네
-존 컨스터블-

이 당시 풍경화는 신화 속 이야기나 역사적인 사건을 담는 것이 대부분이었습니다. 존 컨스터블이 영향을 받았던 프랑스 화가 클로드 로랭의 <성 우르술라의 출항>도 종교적 테마를 담고 있습니다. 성인들의 일생을 담은 13세기 책 <황금전설> 속 일화를 바탕으로 하고 있거든요. 컨스터블은 이런 대가들의 작품을 공부하다가, 그림을 보고 그리는 것은'간접적 진실'임을 깨닫게 됩니다. 자신이 직접 보고 체험한 것이 아니라는 의미이죠. 그러면서 자신의 주변에 있는 풍경으로 눈을 돌립니다. 신화 속, 책 속 저 먼 곳이 아니라 내가 발 딛고 있는 땅 영국의 자연을 그리기 시작한 거죠.

컨스터블의 작품 <스티랫퍼드의 종이공장>은 그가 태어난 지역 공장의 풍경을 소박하게 담고 있습니다. 컨스터블은 자신이 나고 자란 서포크 지역을 소재로 많은 풍경화를 그렸죠. 그런데 그가 작업을 했던 무렵은 프랑스에서 바르비종 예술가들이 왕성하게 활동하기 직전이었습니다. 세월을 낚고 있는 듯한 할아버지의 여유 있는 낚시질, 뭔가 입질을 했는지 골똘한 두 아이의 모습, 나룻배에 여인을 태우려는 듯한 모습 등 강 하나를 사이에 두고 각자 자신의 일에 몰두하는 모습입니다. 

컨스터블의 대표작 중 하나인 '건초수레'입니다. 영국 BBC방송에서 영국인이 가장 좋아하는 1위 풍경이라고 해요. 그것도 해마다  상위권 순위를 놓치지 않는다고 합니다. 산업혁명이 일찍 시작되어 영국의 농촌은 빠른 속도로 사라져 버렸어요. 이제 가고 싶어도 돌아갈 그림 속 풍경을 가진 영국 농촌은 더 이상 남아있지 않다고 합니다. 그래서 더 영국인들이 좋아하는 이유인 것 같아요. 

로열 아카데미 전시 당시 원래 제목이 '풍경, 정오(Noon)였어요. 영국의 여름 시골 풍경을 그린 이 그림에서 느낄 수 있는 정서는 조용하고 충만함입니다. 화면에 등장하는 사람들은 주변의 배경에 완전히 녹아들어 일체감을 주고요. 개인적으로 구름의 움직임을 참 잘 잡아낸 그림 같아요.

배경은 영국의 서포크 지방 스투어 강변의 한 평범한 농가 마을 데덤입니다. 그가 나서 자란 곳이죠. 무성하게 우거진 초록빛 배경에 대기와 빛이 변화는 모습을 그렸습니다. 원경에서는 농부들이 목초지에서 건초를 베어내고 있습니다. 전경 얕은 물가를 지나가는 마차가 바로 목초지로 향하는 길이고요. 마차 위 소년은 스패니얼 종으로 보이는 강아지를 부르고 있고요. 조각배를 탄 낚시꾼이 일어서서 습지를 낚싯대로  드리우고 있네요. 왼쪽 집 굴뚝에서 하얀 연기가 피어오르는데 지붕과 굴뚝, 그리고 마차 마구의 붉은색이 초록과 보색 대비를 이루고 있습니다.

 컨스터블이 활동하 던 시대는 빅토리아 여왕시대입니다. 경제적으로 빠르게 발전하는 나라였지만 사회전체적으로 보수적이었죠. 그래서 라파엘 이전 시대로 , 즉 200년 뒤로 후퇴하는 그림스타일이 유행을 하게 되었어요. 라파엘 전파라고 합니다. 이런 그림들에 익숙해져 있다 보니 역사도, 신화도 아닌 시골 풍경이 당시 영국인들의 눈에는 촌스럽게 보였던 모양입니다. 컨스터블은 영국에서 평생 단 20점의 그림만을 팔라던 것으로 전해집니다. 오히려 프랑스에서 단 몇 년 만에 20점도 넘는 그림을 팔았는데도 말이죠.

<건초 수레>는 후일 영국계 프랑스인 딜러가 구매해 1824년 파리 살롱에 전시했습니다. 당시로선 이례적인 크기 (130*185cm)의 풍경화였죠. 영국 왕립 아카데미 전시에서 첫선을 보였으나 별 반응이 없었습니다. 너무 흔하게 볼 수 있는 영국의 시골 풍경이라 생각했던 거죠. 

 샤를 10세 프랑스 국왕이 주는 금메달을 수상하며 그림의 값어치가 상승하게 됩니다.

한 비평가는  이 작품을 보고 "이슬이 바닥에 구르는 것 같다"라고 했습니다. 농촌의 이런 사실적인 세부 묘사와 색채 처리는 밀레의 바르비종파에 영향을 줍니다. 또한 붓질의 자유스러움, 표현의 생동감, 특히 자연에 나가 직접 유화로 스케치하는 방법은 프랑스의 젊은 미술학도들의 관심을 끌었습니다. 광선과 바람의 효과, 이슬이 맺힌 아침 풍경 등 과학적 관찰에 의한 자연의 신선함을 현장에서 포착하려는 태도로 인해 그는 인상주의의 직접적인 선구자라는 평가를 받습니다.  터너와 함께 그의 풍경화는 보불전쟁(1870-1871년 프로이세-프랑스 간 전쟁)을 피해 영국에 머무르던 모네, 피사로, 시슬리에게 결정적인 영향을 미쳐 프랑스 인상주의의 탄생을 도왔습니다. 그리하여 프랑스는 이때부터 세계 미술사의 주도권을 완전히 쥐게 됩니다. 19세기 초 영국의 풍경화는 프랑스보다 훨씬 발전한 상황이었는데도 말이죠.

나는 풍경 위에 드리워진 빛과 그림자 효과를 표현하기 위해
그 일반적인 효과뿐 아니라
특정한 어떤 날, 어떤 시간, 그리고 햇빛, 어둠 등을 기록한다.
또 쏜살같이 흘러가는 시간,
영원불변하고 있는 그대로의 존재로부터 포착되는
짧은 일순간을 표현하고자 한다.
-<명화의 재발견>-

1828년 3월 장인어른이 돌아가셨고, 막대한 재산을 아내가 물려받아 재정적인 걱정이 끝나는 줄 알았습니다.  사람 일은 알 수가 없죠. 같은 해 11월 컨스터블의 아내 마리아 빅넬이 41세의 나이로 결핵으로 사망합니다. 당시 아내는 7번째 아이의 출산으로 쇠약해진 상태였고 , 일곱 명의 자녀를  고스란히 남기고 사망합니다. 컨스터블은 아내의 사망 이후 그 큰 슬픔으로부터 회복하지 못했고요. 이따금씩 간헐적으로 그는 우울증에 빠졌다고 합니다. 그의 마음 상태는 마치 헤이들리 캐슬 같은 그림 속의 폭풍이 곧 몰아칠 것 같은 하늘 같았고요. 그림 속  거친 붓터치에서 잘 나타나 있습니다.

1830년대에 오면 컨스터블의 그림은 더욱더 표현력이 강하게 나타납니다. 컨스터블은 진중한 자연주의 (사실주의)적 묘사를 목표로 하는 그림으로부터 벗어나 점차 빛과 대기의 움직임의 순간을 직접 포착하거나, 구름이 떼 지어 흘러가는 하늘, 녹음 짙은 숲, 강물이나 개울 등이 만들어내는 효과에 집중하기 시작했습니다. 컨스터블은 특히 이런 표현적 효과를 강하게 발휘할 수 있는 매체인 수채화를 이전보다 훨씬 더 자주 사용했습니다. 과장을 싫어하고 조용했던 그가 본 주변 풍경들입니다.

컨스터블이 죽기 1년 전 작품입니다. 가까이 어린 말  두 마리의 움직임, 하늘 위를 낮게 날고 있는 새들의 무리, 목을 축이러 내려온 소들 모두 일상을 살고 있는 모습들입니다.  비 온 뒤에 지상으로 내려앉은 무지개의 모습, 시시각각 변화하는 어디 하나 닮은 구석 없어 보이는 구름에 진심으었 던 집돌이 화가 컨스터블, 그가 그려낸  일상 속 풍경이 하늘 한 번 올려다볼 일 없는 바쁜 현대인들에게 '멈추고, 하늘 한 번 올라다 봐!'하고 넌지시 말을 건네는 것 같습니다. 

유럽의 역사를 바꾼 커다란 사건 3가지를 손꼽자면 종교개혁. 프랑스 대혁명, 산업혁명 이렇게 꼽을 수 있습니다. 나폴레옹의 죽음 이후 유럽의 군주들은 빈 회의(1815)를 열고 나폴레옹 이전의 시대로 돌아가고자  머리를 맞대고 함께 했습니다. 혁명의 맛을 알아버린 시민들은 계몽주의로 무장한 채  더 이상 옛시대로 돌아가고 싶어 하지 않았고요. 결국 나폴레옹 이전 시대로 건너갈 수 없게 됩니다. 

유럽지도의 중심에 해당하는 독일은 9개 나라와 국경선은 맞대고 있습니다. 유럽의 제후들 역시 독일이 통일이 되어 주변국들을 위협할 까 항상 노심초사했고요. 한쪽이 너무 커지면 힘이 균형이 깨지기 때문에 주변국들에 의해  독일은 다시 쪼개집니다. 35개의 공국과 4개의 대도시로 말입니다. 

19세기 초 정치, 사회적 상황으로 독일에 드리운 병적인 좌절감과 어두움은  엉뚱하게 예술과 문학에서 낭만주의 사조를 만들어 냅니다.  예를 들면 괴테의 <젊은 베르테르의 슬픔>처럼 실연했다고 자살하는 지금생각하면 살짝 이상한 그런 이야기가 트렌드가 되어 인기를 모으게 되지요. 음악의 슈베르트는 <아름다운 물방앗간의 아가씨>라는 실연의 아픔을 독일 가곡들을 통해 전합니다. 다소 감정 과잉처럼 말입니다. 

https://www.youtube.com/watch?v=GTW2pCG5kPI

카스파르 다비드 프리드리히(Caspar David Friedrich)는 1774년 독일 발트 해안의 항구도시인 그라이프스발트(Greifswald)에서 10남매 중 여섯째로 태어납니다. 루터파 신자인 아버지의 엄격한 종교교육을 받았습니다. 그이 아버지 아돌프 고트리프 프리드리히(Adolf Gottlieb Friedrich)는 양초와 비누를 만드는 수공업자였습니다.

그는 7살 때 어머니가 천연두에 걸려 세상을 떠납니다. 다음 해에는 누이 엘리자베스가 떠나고요. 13살 때 호수에서 얼음이 깨져 자신을 구하려던 동생 요한 크리스토퍼가 익사하는 모습을 지켜보아야 했고요. 또 다른 누이 마리아가 발진 티푸스로 사망하는 고통을 겪지요. 죽음이 늘 그의  주변을 감돌고 있었습니다. 이러한 아픈 경험들은  그를 평생 우울증, 대인기피증, 자살 충동에 사로잡힌 내면적인 사람으로 만들어 버렸습니다. 죽음 앞에 인간은 아무것도 할 수 없는 나약한 존재가 되어버리죠. 프리드리히는 가족들의 죽음을 통해 너무 일찍 그 비밀을 알아버리게 됩니다. 종교에 더 깊이 침잠하게 되고요. 자연스레   그의 작품 세계는 고독, 우울함, 경건함이 짙게 묻어나 있습니다. 프리드리히의  이렇게 복합적인  감정들은 마주하는  대자연을 범접할 수 없는 신의 모습처럼 표현하며 신비와 숭고함을 작품에 담게 됩니다. 

그는 미술학교에서 소묘를 배웠고, 20살인 1794년 덴마크의  코펜하겐 왕립미술학교에서 유학했습니다. 하지만 당시 스타일을 거부하고 자신만의 스타일을 계발합니다. 자연의 신성함과 장엄함을 강조하고 자신의 감정과 상상력을 반영하는 식으로 말이죠.

그 당시에 미술 전시회들로 유명했던 드레스덴은 독일 낭만주의 운동의 중심지이기도 했습니다. 이곳에서 프리드리히는 드레스덴의 시인들과 사상가들 그리고 화가인 필리프 오토 룽게로부터 큰 영향을 받습니다. 그의 회화가 인정을 받은 결정적 계기는 1810년 베를린의 아카데미 전시회에 출품된 <Monk by the Sea>(1809)과 < The Abbey in the Oakwood>(1808-10)을 빌헬름 황태자가 구입하면서부터입니다. 

무한하고 균일한 공간 앞에서 
마치 
눈꺼풀이 잘려 나간 것 같은 느낌

-하인리히 폰 클라이스트-



1810년 베를린 아카데미의 전시에 이 작품이 처음 공개되었습니다. 그 이전에 결코 볼 수 없었던 파격적인 형식의 풍경화에 대해 하인리히 폰 프라이스트의 묘사입니다. 이러한 충격적인 표현은 모래 해변과 검은 바다, 그리고 구름으로 가득 찬 어둑한 하늘이 이루는 수평선을 제외하고는 눈의 초점을 맞출 만한 곳이 없습니다. 불필요한 세부 묘사를 모두 생략해 버려 마치 동양화의 여백미처럼 무한한 공간감을 느끼게 됩니다. 덕분에 신비롭고 영적인 세계를 잘 표현했다는 평가죠. 



바다와 하늘이 이루는 두 개의 수평선을 가르는 단 하나의 수직선은 왜소하기 그지없는 수도승의 앞모습도 아닌 뒷모습입니다. 넓게 분포된 하늘은 네달란드식 풍경화의 영향이라고 해요. 지정학적으로 네덜란드는 지평선이 낮은 곳이라 큰 산이 없습니다. 보이는 곳이 다 하늘인 거죠. 캔버스 대부분을 차지한 하늘이 자세히 살펴보지 않으면 놓치기 쉬운 수도승의 모습을 통해 대자연 앞에 점처럼 작은  인간의  모습을 보게 됩니다.


 수도승은 우리를 향해 등을 돌리고 있어 우리도 그의 시선을 따라 허공이나 다름없는 풍경을 바라보게 됩니다.  처절한 고독과 공포감도 느껴지고요. 그런데 이 음침하고 메마른 바닷가는 사실 프리드리히가 자주 여름을 보내곤 했던 발트해의 뤼겐섬 풍경이라고 합니다. 사제 복장을 한 인물은 화가의 모습을 그대로 닮았고요. 무한 앞에 방향을 잃은 인간의 혼돈과 절망, 무력감과 좌절감을 느끼는 내면적이고 우울했던 화가의 자화상인 거지요.

Albert Boime 은 카스파르의 작품이 공포영화의 장면처럼 18세기 후반과 19세기 초의 고딕풍에 등장하는 요소를 가지고 있다고 합니다.  황혼 무렵  앙상한 가지의 나무들이 서 있는 숲 속 수도원 모습입니다. 주변이 너무 어두워 자세히 보아야 사람의 형체를 볼 수 있습니다.  발길 한 번 줄 것 같지 않은 이 폐허의 공간에서 고요한 장례식이 거행되고 있습니다. 어떤 사람들은 이 그림에서 끝나지 않는 겨울과 황폐와 절망을 읽습니다. 또 어떤 사람들은 이 그림에서 고비를 넘긴 겨울과 멀리 다가오고 있는 봄은 느낀다고 하고요. 개인적으로 후자였으면 합니다. 음산하게 뻗어 난 잔 가지들이 봄이 오면 잎사귀로 뒤덮여 무성할 테니까요.

그가 살던 시기는 유럽 전체에 걸쳐 물질주의가 점점 팽배해 가고 있었습니다. 이러한 사회분위기에 대해 사람들의 염증이 점점 커짐에 따라서 정신적 영역에 대한 새로운 이해가 싹트고 있었고요.이상적인 세계에 관한 이러한 사고의 전환은 종종 우리를 둘러싼  자연적 세계(the natural World)에 대한 재평가로 이어집니다. 그래서 프리드리히를 비롯해서 J.M.W.Turner(1775-1851), John Constable(1776-1837)같은 화가들은 "인간문명의 술수에 대항하기 위한 신의 신성한 피조물"로서 자연을 그리려고 했습니다.

그의 작품은 비교적 이른 시기부터 그에게 명성을 가져다 줍니다.  프리드리히와 동시대를 산 프랑스 조각가 다비드 당제를 <David d'Angers(1788-1856)>는 그를 가리켜 "풍경의 비극(the tragedy of landscape)"을 발견한 화가라고 말하기도 했습니다. 그럼에도 불구하고 만년의 프리드리히는 작품이 사람들의 관심으로부터 멀어지게 됩니다.

위 작품은 전통적인 종교화의 상징들을 대체하려는 노력으로 그린 그림이라고 합니다. 보헤미아 지역을 여행하고 그린 그림이고요. 푸른 전나무나 담쟁이들은 그의 영적 감수성을 더 풍부하게 하는 소재로 쓰이고 있습니다. 그의 글에 따르면 산은 믿음, 나무는 희망, 석양의 빛은 그리스도 이전의 세계의 종말을 상징한다고 합니다. 프리드리히는 풍경화가 종교적인 계시의 전달 수단이 될 수 있음을 깨달았습니다. 이 작품은 이러한 그의 생각이 잘 반영된 그림인 거죠. 이 작품의 주제는 그가 여러 번  사용한 주제이기도 합니다. 그의 다른 풍경화들과 만찬가지로 북유럽의 강렬하고 시적인 풍경 묘사로 채워집니다. 그리고 세심하고 신중한 형식적인 양식으로 그려지고요. 그의 풍경화들은 직접 관찰하며 그린 것이지만, 자연을 충실히 담아 내려한 것은 아니었습니다. 비록 프리드리히의 이미지들이 세상에 대한 우울한 관조의 전형이 되었지만, 풍경에 대한 그의 태도는 단지 개인적인 시각이 아닌, 그 시대의 풍조였습니다. 

낭만주의 화풍에 나타나는 자연의 개념은 문학 및 음악 뿐만 아니라 미술에서도 폭넓게 묘사되는 방랑자(wayfarer, or wanderer)의 모습을 등장시킵니다. 방랑자는 말 그대로 미지의 세계를 두루 여행하기 위해 집이 주는 안락과 안전을 포기한 사람이지요. 특히 독일문화에  많이 예시되고 있습니다. 이 테마는 인간이라는 존재가 사건의 중심 속에서는 결코 자기 자신을 찾을 수 없고, 그 사건들을 통제할 수 없다는 인간학적인 개념으로부터 나옵니다. 세계는  빈번히 우리가 이해할 수 없는, 그것에 맞설 수 없는 조화와 질서의 부재를 보여주지요.

낭만주의는 격렬하게 부는 태풍, 암울하고 산이 많은 풍경, 영원히 길을 잃을 것 같아 보이는 숲 등 자연을 가장 드라마틱한 모습으로 그려냅니다. 이 풍경들은 극도로 음울하고 고독한 장소들이며, 절대자를 향한 저항할 수 없는 비이성적 탐구심에 이끌려 정처 없이 온몸이 녹초가 될 때까지 방랑하는 장소들입니다.

이 방랑자들은 루드비히 리히터(Ludwig Adrian Richter,1803-84)나 카스파 프리드리히의 작품에 자주 등장합니다. 특히 프리드리히는 정처 없는 이 방랑자의 오랜 방랑의 정수를 가장 성공적으로 포착해 낸 화가라는 평가를 받습니다.

화가는 자기 앞에 있는 것뿐만 아니라
자기 내면에서 본 것도 그려야 한다.
내면에서
아무것도 볼 수 없다면
앞에 있는 것도 그리지 말아야 한다.

<안개바다 위의 방랑자>는  19세기 독일 초기 낭만주의 화풍의 그림 중 가장 대표적인 작품입니다. 그는 특히 중기 시대에 제작한 우의적 풍경화가로 유명합니다. 이 그림이 주목받는 이유는 그때까지 좀처럼 볼 수 없었던 사람의 뒷모습을 그린점입니다. 대자연에 압도되며 고뇌하는 인간의 모습을 뒷모습만으로도 충분히 보는 이에게 전달하고 있기 때문이지요. 거대하고 신비로운 자연 앞에 선 작은 인간의 모습은 보는 이에게 경건함마저 일으킵니다. 후세의 많은 화가들에게 영감을 준 작품입니다.

프리드리히는 세계와 관계 맺는 방법으로 여행을 자주 다녔다고 해요. 세속적인 성공을 뒤로 하고 독일 전역을 여행합니다. 자연의 원형을 잘 갖춘 바다나 험준한 산같은 곳으로 말입니다. 산 정상을 올라가 본 경험을 가진 분들은 충분히 느꼈을 겁니다.  자연의 광활함에 절로 경외감이 드는 광경을 말입니다. 자욱한 안개 바다와 그것을 바라보고 있는 한 남자의 고독한 뒷모습이 보입니다. 입이 떡 벌어질 정도의 광활한 대자연에 홀로 마주 한  인간은 어떤 마음이 들까요? 개인적으로 작은 점 하나 같은 존재감 그래도 작아도 좋으니 그런 점 하나 찍고 가고 싶은 양가감정이 남성의 뒤태에서 읽히는 것 같습니다. 이렇듯 그의 풍경화에서는 다른 풍경화에서 좀처럼 느낄 수 없는 슬픔이나 외로움, 공포, 적막감 등이 느껴집니다. 거기에는 프리드리히의 불운했던 어린 시절의 영향도 한몫했고요.

프리드리히 그림 중 모처럼 화사한 그림이 등장합니다. 독신생활을 하던 44살의 프리드리히는 1818년 아내 카롤리네 봄머와 결혼을 하게 됩니다. 이 그림은  신혼여행을 떠났을 때 작품이라고 해요. 세 사람 모두 여전히 뒷모습만 보이네요. 풍경이 고즈넉하고 아름답죠. 팔짱끼고 바다에 시선을 두는 이가 프리드리히처럼 보입니다. 실제로 이런 곳은 존재하지 않습니다.  그의 그림은 영국의 존 컨스터블이나 윌리엄 터너같이 아름다운 경치를 그냥 감상하기만 하면 되는 기존의 풍경화가 아닙니다. 그의 그림은 편안하기보다는 뭔가 생각하게 만듭니다. 인생의 풍파와 어려움을 겪고 난 뒤 회한과 비슷한 감정을 느끼게 하고요. 그로 인해 성숙한 인간의 고뇌와 번민도 함께 덤으로 오지요.  마치 칸트 같은 독일 철학자의 진지함이 화가인 그에게도 강하게 느껴집니다. 

잔설이 남아있는 들판에 외롭게 서 있는 떡갈나무는 그가 가장 즐기던 소재 중 하나였습니다. 여기서 고목은 주로 기독교 이전의 이교적인 세계의 상징으로 해석됩니다. 화면 전면에 부러져 나 뒹구는 나무 가지들은 낡은 시대의 종말이 가까이 왔음을 말해줍니다. 고목이 서서히 새로운 싹들이 움터 나오고 있고 잔뜩 찌푸렸던 날씨도 서서히 푸른 하늘을 드러내며 메시아의 도래를 예고하고 있고요. 얼핏 단순한 풍경으로 읽혀지기 쉬운 그의 작품 세계는 마치 양파껍질처럼 한 커플씩 벗겨보는 재미를 독자들에게 줍니다. 

뒤태가 단아한 여인이 창밖을 보고 있습니다. 실내는 인테리어라고 할 만한 것이 딱히 없습니다. 어두운 단색의 직선의 모습이 오래되고 딱딱해 보이는 실내 풍경입니다. 오히혀 열린 창문 밖 세상이 훨씬 화사합니다. 적막하고 정갈한 방 안과 대조적으로 연녹색의  포플러 나무숲과 지나가는 배의 돛대가 보입니다. 비록 강과 범선은 보이지 않지만, 지나가는 저 돛대만 보아도  먼 곳으로 의 기나긴 여행을 암시하고 있습니다.

프리드리히는 그의 부인 카롤린을 모델로 썼습니다. 하지만 우리는 그녀의 얼굴과표정을 볼 수 없습니다. 이 고독한 관조에 그저 최대한 동참할 뿐이죠. 그녀도, 우리도 이쪽에 몸을 둔 채로 더 넓은 저 편의 무한한 공간을 상상해 보게 됩니다. 

1930년 나치가 정권을 잡은 후 그들은 카스파르의 작품을 북구 유럽적 특징을 구현한 작품으로 선전합니다. 카스파르의 작품을 국수주의적 특징을 구현한 작품으로 간주한 나치의 오해로 인해서 그의 작품을 2차 세계대전이 끝난 후에 한동안 기피의 대상이 되기도 합니다.

이 작품은 현대에 이르러 프리드리히의 대표작으로 손꼽힙니다. 발표 당시에는 독특한 구도와 절망감이 느껴지는 주제로 인해 호응을 받지 못했습니다. 프리드리히가 죽을 때까지 팔리지 않았거든요. 인적이 끊긴 극지에서 두껍고 날카로운 빙해에 의해 산산이 조각나 여기저기 흩어져 있는 범선의 조각들이 보입니다. 이 풍경은 낭만주의 자들에게 있어서 자연의 힘에 비해 인간의 노력이 얼마나 미약하고 부질없는 지를 보여 주고 있습니다. 특히 그는 이 작품에서 삼각형이라는 구도를 반복적으로 사용했습니다. 화면 중앙의 압독적인 모습의 빙해는 그 날카로운 얼음판의 끝이 하늘로 치솟아 있습니다. 그로 인해 그림을 보는 사람들에게 깊은 절망감을 안겨 줍니다. 그럼에도 불구하고 이 작품의 차가운 색채는 북극의 배경과 너무나도 잘 어울리며 매혹적인 풍경을 보여 줍니다. 

이 그림 속에 다섯 사람과 다섯 척의 배가 등장합니다. 그 다섯 사람은 인생의 각 시기를 말하고요. 다섯 척의 배는 인간을 의미한다고 합니다. 스웨덴 국기를 서로 차지하려고 다투는 두 아이는 유년기를, 아이들 곁에 앉아 있는 젊은 여자는 청년기를, 중절모를 쓴 정장 차림의 남자는 중년기를, 바다를 바라보고 서 있는 뒷모습의 노인은 노년기를 나타냅니다. 한가운데 있는 십자가 모양의 배는 프리드리히의 신앙심을 암시하고요. 일상적인 바다 풍경을 숭고한 신의 경지로 승화시킨 작품입니다.

프리드리히는 1920년대의 표현주의 작가(Expressionists)들과 1930년대와 1940년대 초의 초현실주의 (Surrealists)및 실존주의 (Existentialists)작가들에게 영향을 미칩니다.  그러다가 20세기 초에 와서 1906년 베를린에서 그의 그림 32점과 조각들의 전시는 그동안 잊고 있던 그의 작품에 새로운 평가와 이해를 불러왔습니다.1970년대에 와서야 프리드리히는 진정으로 독일 낭만주의 화풍의 아이콘이자 국제적인 중요성을 가진 한 화가로 새로이 그의 명성을 얻게 됩니다.

<Whip it>이라는 표현에서 이름을 가져온 휘핏은 "빠르게 움직이다"라는 의미입니다. 

1930년대 아메리칸 켄넬클럽(AKC)은 하운드 그룹을 구분하며 총 32종으로 분류하였습니다. 테리어 그룹, 워킹 그룹, 스포팅 그룹, 하운드 그룹 등으로 말이죠.

일반적으로 많이 알려진 비글, 닥스훈트, 바센지, 바셋 하운드, 아프간하운드, 그레이하운드, 이탈리안 그레이 하운드, 보르조이 등 하운드 견종에는 매력적인 친구들이 많습니다. 가장 오래된 사냥견으로 유명하고요. 시각, 후각, 종합 감각을 활용해 사냥을 하는 견종들이라 멀리서 윤곽만 보면 작은 말 한 마리가 달리는 모습처럼 우아하다는 착각이 들기도 합니다.

휘핏, 그레이하운드, 이탈리안그레이하운드처럼 눈에 보이는 사냥감을 빠른 속도로 추적하는 시각 하운드는 뛰어난 운동 능력과 방향 전환에 강점이 있습니다. 바람의 저항을 적게 받기 위해 날렵하고 얇은 체형에 상대적으로 두꺼운 가슴을 자랑하는 친구들입니다. 평소에는 발고 상냥하며 점잖은 성향이지만, 사냥할 때는 맹렬한 기세로 사냥감을 향해 달려가는 매력견입니다. 매끈한 휘핏의 옆얼굴 좀 보세요. 우아한 모습이 사슴과 비교해도 뒤지지 않은 모습입니다.

휘핏(whippet)은  19세기 무렵, 영국의 탄광업자가 스냅 레이싱(snap racing:토끼 사냥경기)을 목적으로 베들링턴 테리어에 맨체스터 테리어와 그레이하운드를 교배시켜 만들어 냈다고 해요. 그 후 이탈리언 그레이하운드(Italian Greyhound)와의 교배를 통해 현재의 휘핏으로 완성하게 됩니다. 

휘핏이 이용되던 스냅 레이싱은 경기의 잔혹성 때문에 결국 영국 내에서 폐지하게 됩니다. 그 후 휘핏은 래그 레이싱(rag racing:중인이 흔드는 천 조각을 보며 전속력으로 달려가는 경기)에서 래그 도그로 활약하게 됩니다. 레이싱 외에도 어질리티나 루어코어싱(루어뒤쫓기)등에도 뛰어난 감각이 있다고 해요. 여러 가지 다방면으로 자질이 많은 견종입니다. 단 고양이를 키우는 가정에서는 휘핏의 사냥본능 때문에 고양이에게 스트레스를 줄 수 도 있으니 참고하세요.

뛰어난 시력을 가지고 있는 휘핏은 탁월한 시력을 이용해 사냥감을 쫓아가 잡아내는 사냥개를 뜻하는 시각형 하운드로도 분류됩니다.  이러한 시각하운드 견종은 크게 짖지 않아 실내 반려견으로 선호도가 높은 편입니다.

멋진 몸매와 날렵한 움직임으로 귀족 같은 매력을 뽐내는 휘핏은 길에서 마주쳐도 탄성을 자아낼 정도이며 엄청난 주력을 보여줄 것 같은 경주견의 특징을 가지고 있습니다.

https://www.youtube.com/watch?v=x3BjJ7x_v2c

영국이 원산지로 달리는 모습이 채찍(whip)과 비슷하다고 해서 이름이 유래되었다는 이야기가 있을 정도로 휘핏은 달리기, 경주 등과 관련이 많습니다. 

과거 영국에서는 경주견, 사냥견으로 그레이하운드 견종이 인기가 많았는데 관리 비용 때문에 가난한 사람들이 키우기 어려워 여러 종의 교배로 휘핏이 탄생했다고 전해지기도 합니다. (가난한 사람들의 경주마/그레이하운드로 불리기도 함)

최고 속도 약 60km에 달할 정도로 휘핏은 단거리 경주견으로서는 그레이하운드를 능가하는 것으로 알려져 있습니다. 

https://www.youtube.com/watch?v=TgGvv0uDB8c

그레이하운드를 소형화시킨듯한 휘핏의 모습은 전체적으로 매끈하고 날렵하며 우아한 매력까지 겸비하고 있습니다. 머리형과 주둥이는 긴 편이며, 귀는 뒤쪽으로 재껴진 채 접혀있어 예쁜 얼굴이 더욱 도드라져 보입니다. 휘핏의 크고 검은 눈은 가만히 보고 있자면 금방 말이라도 건넬 듯 깊이가 느껴지고요. 앞다리는 곧게 떱어 있으며, 꼬리는 가늘고 아래로 늘어진 모습입니다. 짧고 촘촘한 휘핏의 털은 검은색, 흰색, 황갈색, 파랑, 크림, 얼룩무늬 등 다양한 색과 다양한 패턴이 있습니다.

휘핏은 단 모종의 특징인 추위에 민감하기때문에 겨울철 산책이나 바깥 활동 시에는 외투를 착용시켜 주는 것이 좋습니다. 휘핏의 성향이 단아하고 지적이긴 하지만 하루 두 번 40분 이상의 충분한 운동은 필수입니다. 

휘핏이 성견이 되면 약 8-12kg정도의 날렵한 체형의 중형견 크기로 성장하며 두꺼운 흉곽과 우아함을 보여줍니다. 사람을 좋아하고 환경 적응력이 좋으며 활동량, 운동량이 많기 때문에 충분한 산책, 운동, 놀이를 하는 것이 좋습니다. 온순한 성향이라 아이들도 잘 돌보고 놀아주는 편입니다. 다른 개들과도 문제없이 어울리고요. 특히 같은 품종의 개에게는 더 친근하고 다정하다고 합니다.

휘핏은 영리하고 충성심 강해 경비견으로의 역할을 할 정도이며 지능이 높아 교육, 훈련이 쉬운 편에 속합니다. 매우 예민하기 때문에 훈련은 거칠고 강압적인 방법보다는 게임하듯 즐겁게 시켜주면 더 만족스러운 효과를 얻을 수 있겠죠. 

 사냥감을 쫓으려는 본능이 있어 산책 시 목줄, 가슴줄 관리를 잘해야 합니다.  경계심, 두려움, 긴장감이 많은 예민한 성격이기에 사회화 시기에 적절한 교육과 꾸준한 훈련을 하는 것이 좋습니다.

평균 수명 약 12-15년 정도이며 건강하고 튼튼한 편에 속하지만 유전적으로 안구 질환(백내장, 망막염 등) , 갑상선 기능 저하증, 심장 질환, 피부 질환, 구개열 등은 주의하는 것이 좋습니다.  이 외에도 간질환, 췌장염, 뇌 질환 등에 주의하는 것이 좋고 예방 접종과 정기적인 건강 검진을 하는 것이 중요합니다.  휘핏은 노견이 되면 심장병이 발생할 확률이 높으며 식욕저하, 호흡곤란, 무기력증, 기침 등의 증상이 나타납니다. 단모종이며 피부가 얇아 피부 질환의 가능성이 높으며 백내장, 진행성 망막 위축증, 각막 이영양증 등의 안구 질환도 신경 쓰는 것이 좋습니다. 이외에도  휘핏의 체형, 골격은 과체중,비만일 경우 무리가 많이 가기 때문에 체중 관리가 중요하며 유전적으로 난청의 가능성이 있어 검사해 보는 것이 좋습니다. 

https://www.youtube.com/watch?v=A4r0VuUFLEc

반려견을 분양받기전, 데리고 오는 반려견의 특징과 장점, 단점 등을 파악하고 신중하게 결정하시기 바랍니다. 강아지 때 모습이 이뻐서 데려왔다가 성장하면서 달라지는 성격이나 털 빠짐 탓에 또는 케어하기 힘들어서 등등 당양한 이유로 유기견들이 발생하지 않길 바랍니다. 

쭈글이 샤페이는 몸에 주름이 많아 개성이 넘치고 특유의 뚱한 표정으로 마니아층에게 오랫동안 사랑받아 온 견종입니다. '모래처럼 거칠한 피부'라는 뜻이라고 해요. 본래 중국에서 가축들을 보호하는 경비견이나 왕실의 경비견으로 이용이 되었고요. 아이러니하게도 다른 나라에서는 인기지만 중국에선 많이 볼 수 없는 견종이라고 하네요.

기원전 206년부터 기원후 220년 사이쯤 탄생했을 것으로 추정되지만 대부분의 강아지 품종의 역사가 불확실하듯 샤페이 역시 마찬가지입니다. 티벳쪽에서 살던 큰 견종이 샤페이가 되었다는 설과 다양한 목적으로 사용하기 위해서 중국의 광둥 성 지역의 농부들이 만들었다는 두 가지 설들이 존재합니다.

샤페이는 야생동물로부터 가축을 지켰으며 식용견이나 투견 목적으로도 사용이 되었습니다.  특히나 주름많은 강아지로 유명한 샤페이의 독특한 외모는 투견 시에 상대방에게 물려도 늘어진 주름특성상 공격에 대한 피해가 적어서 만들어졌다고 합니다.

이후 세금을 부과하며 멸종위기에 처했었지만 미국잡지에 샤페이가 소개되며 독특한 외모로 1978년 기네스북에 오르게 됩니다.  세계에서 가장 진기한 강아지 품종으로 말이죠. 정식견종으로 등록되어 지금의 모습으로 남을 수 있었답니다. 

체고:50-55cm

체중 16-21kg

모색은 화이트를 제외한 모든 색이 허용되는데 연한 노란색부터 크림색, 붉은 색, 검은색, 짙은 갈색, 초콜릿 색 등을 볼 수 있습니다. 샤페이 이름답게 털이 굉장히 짧고 거친 느낌이며 피부가 느슨한 편이라 주름이 많은 것이 특징이나 성견이 되면서 주름은 점차 줄어드는 편입니다. 

머리는 크고 둥근 모양을 갖추고 양쪽의 귀 간격은 넓고 평평한 모양으로 눈은 작고 아몬드 형태랍니다. 주름많은 강아지로써 샤페이의 가장 큰 특징이며 모질과 주름에 따라서 호스코트 샤페이, 브러시코트 샤페이, 베어코트 샤페이로 세 가지로 분류가 됩니다. 차우차우와 같이 보라색 혓바닥을 갖고 있는 것도 눈에 띄는 특징 중 하나입니다. 

얼굴이 크고 넙적하여 많은 사람들에게 사납단 오해를 받지만  굉장히 침착하며 얌전한 편입니다. 특히 보호자에게 있어서 애교가 많고 충성심이 강한 편으로 알려져 있습니다. 의외로 겁도 많은 성격으로 작은 강아지도 무서워하는 샤페이들이 은근히 많다고 합니다. 

https://www.youtube.com/watch?v=Mo4R_Vfc6VQ

샤페이 양육시 꼭 알아둘 점입니다.  샤페이는 독립심이 강한 성격을 갖고 있습니다. 그만큼 분리불안에 대한 걱정은 덜한 편이고요. 다만 혼자 사색을 즐기는 것을 좋아하기에 보호자분의 지나친 스킨십이나 애정은 오히려 부담을 느낄 가능성이 높다고 해요. 그로 인해 신경질을 낼 가능성도 있고요. 이러한 특징 때문에 샤페이는 낯선 대상에 대한 경계심이 사춘기 이후에 갑작스레 강해지게 될 수 있으니 이러한 문제행동이 생기지 않도록 사회화 교육에 많은 관심을 가져주셔야 할 것 같습니다.

다른 낯선 개들이나 사람들이 무조건 다가와서 불편하지 않도록 해주고 성향에 잘 맞는 친구들과 놀면서 긍정적인 인식을 쌓는 것도 중요합니다.  지키는 역할을 해왔던 만큼 외부소리에도 민감하지 않도록 다양한 소리들도 많이 들려주고 요.

샤페이는 겉모습과 다르게 털이 상당히 많이 빠지는 강아지 품종에 속한답니다. 털이 풍성한 베어코트를 비롯한 브러시코트나 호스코트 타입 또한 짧은 털들이 섬유에 박힐 정도로 직모에 두꺼운 모질을 갖고 있어요. 자주 빗질을 해주셔서 죽은 털을 제거해 주셔야 털 빠짐을 그나마 줄일 수 있습니다. 털은 어느 정도 마음을 내려두고 키우시는 것을 권합니다.   모질에 따라서 단모타입은 실리콘 빗으로 쓸어내듯 빗질을 해주시면 됩니다. 중단모 타입은 슬리커 빗을 이용해서 꼼꼼하게 빗질을 해주시고요.

산책교육 처음부터 잘 시켜주세요. 샤페이는 중형 강아지 품종으로써 꽤나 힘이 쎈 편입니다. 처음부터 산책습관을 잘 형성해 주는 게 중요합니다. 그렇지 못하면 줄 당김이 심하거나 과도하게 흥분하며 컨트롤이 어려워지는 등 문제점이 나타날 수 있습니다. 어릴 때부터 차분하게 간식을 주면서 걷는 연습 위주로 산책을 시켜주시는 게 중요합니다.

https://www.youtube.com/watch?v=RUroCVZNsFs

샤페이는 주름많은 강아지다 보니 틈사이로 습기가 빠져나가지 않고 남아있으면서 피부병을 유발하는 경우가 많습니다. 피부병 발생을 지속적으로 가려움을 느끼며 상당한 고통을 유발하게 되어 성격이 사나워질 수 있습니다. 목욕을 시켜주실 때에는 주름사이사이 꼼꼼하게 말려주시는 게 중요합니다. 습도가 높은 여름철에는 목욕하지 않더라도 습기가 발생하지 않도록 바람으로 말려주며 관리를 해주셔야 합니다.

쭈글이 강아지 샤페이의 겉모습은 귀엽지만  피부병 외에도 눈꺼풀이 안으로  말려들어가며 눈을 찌르게 되는 안검내반증을 유발하여 고통스러워하는 경우도 상당히 많답니다. 그로인해 각막염이나 결막염 등의 눈질병도 자주 발생하기에 심한 경우에는 상꺼풀 수술을 시켜주는 게 좋습니다. 

또 하나 귀엽고  사랑스러운 외모를 가진 샤페이에게 치명적인 유전병이 있습니다. 샤페이의 20% 이상이 겪게 되는 샤페이 열병이 있는데요 이는 열이 나면서 발목 등의 관절이 부어오르며 이를 제때 치료하지 않으면 신부전이나 간부전 등으로 사망하게 되는 무서운 병이에요.

대다수의  단두종 강아지 품종들은 호흡이 어려운 편입니다. 날씨가 더워지게 되면 호흡이 빨라지고 필요한 산소를 제대로 호흡하지 못해서 문제가 발생합니다. 샤페이는 입이 극단적으로 짧은 편은 아니지만 그래도 짧은 편에 속하여 열에 취약하기에 더운 여름철 무리한 산책을 피하고 실내온도 조절도 필수로 해주셔야 합니다. 

샤페이는 대부분의 중국개들과 같이 고집이 강한 편에 속합니다. 일반 소형견들과는 다르게 덩치도 커서 자신이 싫어하는 행동에 대해서 굽히지 않아요. 으르렁 거리거나 공격성을 보이면 대형사고로 이어질 수 있어서 주의해야 합니다.  이 때문에 생후 6개월 이전부터 보호자분이 리더십을 잘 갖추고 규칙을 정해 잘 따를 수 있도록 서열관계를 명확히 형성하고 길러주셔야 한답니다. 

https://www.youtube.com/watch?v=yhVBCt2kC20

결코 초보 견주가 키우기에는 쉬운 견종이 아닙니다. 많은 준비와 훈련에 대해 공부를 하고 입양을 계획하시는 것을 권합니다. 

제임스 티소는 여전히 우리에게는 낯선 이름입니다. 19세기 당시 티소는 주류가 아닌 데다 상업화가였기에 미술사적으로는 그다지 의미가 없었거든요. 인상주의 시기에 굉장히 애매한 위치를 차지하고 있어요. 전문가들은 그를 '모호한 근대성'이란 단어로 그의 작품들을 규정짓기도 합니다. 전통적인 아카데미 화가로 분류하기에는 그가 다루었던 소재들이 지극히 동시대적이었습니다. 인상주의 혹은 모던 화가로 분류하기에  그의  스타일은  너무나 고전 적었거든요. 전통적인 초상화나 역사화에나 어울릴법한 테크닉으로 그가 그린 대상은 일상적인 사람들의 취미생활, 신흥 브르주아들의 일상, 그리고 집안의 여인 초상 등이 대부분이었습니다.

당시 파리에서는 보들레르의 '모던한 삶의 화가'에 걸맞은 마네와 드가식의 스타일이 예술계의 대세로 이해되고 있었습니다. 당시 파리의 급변하는 삶의 속도를 포착하기 위해서 말이죠. 현대적인 마네와 드가의 방식은 동료 예술가들의 지침이 되고 있었습니다. 이런 유행 속에서 티소의 그림은 고루하고 보수적인 느낌을 주기 충분하죠. 그럼에도 그의 완벽한 회화적 테크닉만은 모두의 감탄을 불러일으켰습니다.

1863년 여성의 초상화를 본격적으로 그리기 시작하면서 '스타화가'가 되었습니다. 부모님에게 물려받은 센스 도 한 몫했습니다. 당시 여성들의 각종 장신구와 옷주름까지 섬세하고 스타일리시 하게 표현했거든요. 그래서 가장 인기 있는 초상화가 중 한 명이었답니다. 작품 속 배경은 바닷가 근처 같아요.  얼굴, 손목 다 가렸지만 편안하고 우아한 모습이 참 매력적인 그림입니다. 리본과 프릴의 디테일이 살아있어  바람이 스치면 출렁이는 모습 또한 아름다울 것 같고요. 

엄마와 딸 정도 되어 보이는 젊은 여성 두 사람이 모형 배같은 물건을 신기한 듯 골똘히 바라보고 있어요. 바닥에 깔린 카펫을 제외하고 주변 환경은 동양적인 , 특히 일본의 느낌이 물씬  베어있고요. '이곳이 프랑스 파리 맞나?'싶습니다. 1867년 <파리 만국박람회>를 통해 일본에 대한 관심이 높아집니다. 일본여성의 기모노, 게이샤문화, 우키요에 판화 등 마네, 모네, 휘슬러 등의 인상파 화가들 사이에 선풍적인 유행이었지요. 주머니 사정 가벼웠 던 고흐도 우키요에 판화를 소유할 수 있었을 정도로 인기 있었습니다. 그들은  기모노를 입은 일본 여성을 그리고 싶어도 너무 멀다 보니 모델을 구하기 쉽지 않았습니다.  서양식 얼굴, 금발 머리 모델들에게 아쉬운 대로 기모노를 입혀 그림을 그리기도 했습니다. 제임스 티소 역시 예외가 아니었고요. 당시 파리에 외국 물건을 취급하던 상점 같습니다. 해외로 식민지를 넓히고 있을 때라 동양의 독특한 물건들이 많이 수입되고 전시되었죠. 우리가 수입 물품 상점에서 느끼던 감탄과 비슷한 느낌 아닐까 싶습니다. 

제임스 티소는 1836년 10월 15일 프랑스 낭트 출생입니다. 파리 국립고등미술학교에서 공부를 마쳤고요. 티소는 1859년 살롱에서 전통주의 작풍의 작품을 출품하기도 했습니다. 반응은 신통치 않았고요. 드가가 그를 그릴 정도로 꽤 친한 사이였지만 둘이 크게 싸운 후 드가가 요청한 인상파 전시회 참가를 거부했다고 합니다.

1871년 보불 전쟁이 끝나고 노동자를 중심으로 한 파리코뮌 정권이 들어 서자 바로 정부군의 역습으로 정권이 무너집니다. 3만 명이나 되는 사람이 목숨을 잃는 일이 발생합니다. 파리 코뮌의 지원자로 의심을 받은 제임스 티소 (James Tissot/1836-1902)는  체포를 피해 영국 런던행 배에 몸을 싣습니다. 파리와의 작별이었죠.

런던으로 이주한 티소는 화가로서 새로운 경력을 시작해 보고 싶었습니다. 그는 빅토리아식 귀족사회에 안정적으로 흡수됩니다. 엄청난 초상화를 의뢰받았고, 실제로 친구였던 드가가 그 소문을 듣고 편지를 보냈을 정도로 말입니다.  어린 시절 보았던 낭트의 항구의 풍경은 템즈강을 소재로 한 작품으로 이어집니다. 

강에 정박된 화물선들, 산업사회를 상징하는 뿌연 매연, 그 강가에서 뱃놀이를 하는 잘 차려입은 군인과 여인들, 변화하는 런던 사회와 그 안에 여전히 남아있는 전통이 프랑스에서 온 외국인의 눈에 그저 경이로울 뿐입니다. 아마 제임스 티소라는 화가의 이름은 낯이 설지만 어디서 본듯한  그림들이 보이실 겁니다. 티소의 작품은 우아한 몸짓과 옷차림으로 사교를 즐기는 사람들의 한가한 모습, 반복적인 주제들 안에서 이루어진 구도의 변주들, 그리고 유연한 공간 구성이 돋보입니다.

<선상 무도회 The Ball on Shipboard/1874>

1874년경에 완성된 것으로 보이는 '선상 무도회' 작품입니다. 아랫 층에서 선상 무도회가 진행되는 동안 갑판 위의 풍경을 묘사한 작품이죠. 화려한 야외 드레스를 차려입은 여성들이 다수 등장합니다. 작품은 갑판 위 남녀의 모습을 담고 있어요. 신사는 적고 귀부인, 숙녀들만 잔뜩 갑판 위에 모여 있습니다. 아마도 갑판 아래에서 펼쳐지는 무도회에 참석했다가 잠시 휴식을 취하거나 아니면 댄스 파트너를 찾기 위해 갑판 위로 올라와 있는 듯 보입니다. 마땅한 남성 파트너가 잘 보이지 않아 그런지 몇몇 여인들은 벌써 선상 무도회가 싫증이 난 듯 심드렁한 표정을 하고 있습니다.  가운데 두 숙녀 옆에 노신사가 난간에 기대어 있지만, 두 숙녀는 1도  관심이 없는 것 같습니다. 한 남성이 재미난 이야기를 하고 있나 봐요. 몸이 앞쪽으로 기울인 채 관심 있게 듣는 걸 보면 말입니다. 걸려 있는 만국기가 한창 뻗어 나가는 영국의 국력을 넌지시 얘기해 주는 것 같습니다. 

<쉿 Hush/1875>

이제 막 연주를 시작하려고 하는데 도대체 분위기가 잡히지 않습니다. 화면 가운데 연주자를 중심으로 오른쪽은 고요함이 있는데 왼쪽은 소란스럽습니다. 이국적인 복장을 한 사람도 눈에 띄는 것을 보면 그래도 사회적 지위가 있는 사람들의 모임인 것 같습니다. 왼쪽의 여인은 연주자의 자세와 관계없이 아예 몸을 돌리고 이야기를 하고 있습니다. 부채를 펼쳐든 모습도 퍽 인상적이고요. 계단까지 잘 차려진 젠틀맨과 부인들이 줄을 서서 기다릴 정도면 권력이나 부가 막강한 사람 같습니다. 저 풍성한 드레스를 입고 의자에 앉기도 불편할 듯합니다. 저런 스타일의 옷차림이 당시 유행이었나 봐요. 그나저나 연주는 언제 시작하나. 빈 좌석 고급 의자가 주인을 대신해 위엄을 드러내 보입니다. 

<템즈강 The Thames/1876>

템즈강은 그가 영국에서 사는 동안 즐겨 찾았던 그의 주제였습니다. 템즈강을 따라 가는 보트 여행입니다. 강 옆에 정박 중인 배에서는 거대한 연기가 뿜어져 나오고 하늘은 온통 스모그로 덮여 있습니다. 강물도 회색입니다. 짐을 올리고 내리는 인부들의 고함소리도 배가 강물을 가르는 소리와 함께 들려오고 있습니다.

'유럽의 할머니'로 불리우며 슬하의 9자녀를 유럽 각지에 시집 장가 보냈 던 빅토리아 여왕시대였습니다. 1770년 증기기관의 개량으로 역마차나 배 대신 철도로 물류를 대량 공급하는 일이 가능해졌습니다. 산업혁명으로 남아도는 물류는 아시아로, 필요한 원료들은 아프리카에서 충당하며 해가 지지 않는 나라가 되어가고 있었죠. 1851년 빅토리아의 여왕의 남편 앨버트 공의 주도로 만국 박람회가 영국에서 열립니다. 영국 산업혁명의 결실을 한눈에 볼 수 있도록  자리를 마련한 거죠.  그림 속 파이프를 물고 여유로운 자세를 취한 남성의 모습에서 무역, 정치, 경제분야에 영국의 부유함과 당당함이 묻어 나옵니다. 

몇 년 전 깃발 여행으로 유럽을 다녀온 적이 있습니다. 빡빡하게 짜여진 일정에 끼워 맞추다 보니 막상 영국에 도착했을 때 멍 때리는 시간을 갖지 못했습니다. 그림 속 장면처럼 돗자리 들고 점심이나 와인 혹은 책을 들고 공원 주변에 잠시 앉았다 오고 싶었거든요. 티소의 그림으로 대신해 봅니다.  <휴일 Holyday,1876> 템즈강 시리즈와 더불어 공원의 피크닉도 이 시기의 티소가 반복해서 그린 소재였습니다. 휴일 공원에서 한가로이 티타임을 즐기는 사람들의 모습은 인물의 내면보다는 눈으로 보이는 시각적인 풍경에 더 주목하고 있었던 티소의 관심사를 보여줍니다. 실제로 그의 그림에서 정치색이나 주제의식을 발견하기는 쉽지 않습니다. 이런 그의 그림은 정확히 보들레르의 '덧없는 순간'을 표현해 주는 것 같습니다. 제 눈에 이 장면은 사랑하는 사람들과 찰나의 행복을 즐기고 싶은 티소의 마음은 아니었을 까 싶은데 말이죠. 휴일의 느긋하고 나른한 느낌이 그림에 가득합니다. 가을 분위기가 물씬 풍기는 공원에서 소풍을 즐기는 사람들의 옷차림도 모자 스타일도 참 다양합니다. 

영국에 도착한 티소는  자크 조셉 티소라는 프랑스 이름을 제임스 티소라는 영국식 이름으로 바꿉니다.영국 사람들 기호에 맞는 초상화를 그려 곧바로 인기를 얻고요. 그리고 그의 인생을 바꾸게 만드는 이혼녀 캐틀린 뉴튼을 만나게 됩니다. 캐틀린은 집안의 결정에 따라 17세가 되던 해, 인도에 있는 군의관과 결혼을 하기 위해 인도로 가던 중, 배 안에서 만난 팰리서 라는 남자와  사랑에 빠집니다. 인도에 도착한 캐틀린은 뉴튼과 결혼식을 올리지만, 결혼식 직후 팰리서와의 관계에 대해 남편에게 고백해 버립니다. 남편에게 돌아온 답은 즉시 이혼이었고 그녀는 다시 영국행 배에 올라야 했습니다. 영국에 도착한 후 팰리서의 아이를 낳았고 그 무렵 티소를 만난 것으로 추정됩니다. 

<10월 Ocotober/1877>치마를 살짝 걷고 숲으로 들어가는 여인 뒤로, 햇빛으로 가득한 노란 단풍잎들이 모두 조명이 되어 줍니다. 덕분에 여인의 얼굴 선이 더욱 선명해졌습니다. 옆구리에 책을 끼고 있는 것으로 보아 나무 밑에 앉아 편하게 책이라도 볼 요량인 것 같습니다. 엉거주춤한 자세로 봐서는 누군가를 기다리는 것 같기도 합니다. 티소의 유일한 여인이었던 캐틀린 뉴튼 입니다. 티소의 그림 속의 가장 많은 모델이었고 신비스러운 매력을 가졌다는 여인입니다. 개인적으로 좋아하는 작품이기도 하고요. 그림 속 포즈는 그녀가 아니어도 근사하게 나오는 포즈라 한번쯤 시도해 보시라 권하고 싶습니다. 

그림에는 다양한 기능이 있습니다. 그 가운데 하나는 기록물로서의 역할입니다. 카메라가 발명되기 전, 그림만큼 좋은 기록 매체는 많지 않았지요. 중세의 풍속화를 통해서 우리가 당시 삶의 양태를 짐작할 수 있는 것도 그림 덕분입니다. 의상의 변천을 연구하는 복식사에서 자주 언급되는 화가가 제임스 티소이기도 합니다.  그의 작품 속 여인들의 의상은 복식사를 연구하는데 아주 중요한 자료가 되고 있습니다. 

<무도회/1878>오르세 미술관 소장 

티소의 '무도회'는 파티에 참석하는 여자의 야망과 그것을 적당히 즐기고 있는 남자를 날카롭게 비평한 작품입니다. 야망을 가진 자는 시간을 허비하지 않죠. 이 작품에서 노란 드레스에 젊고 아름다운 여인의 시선이 그것을 나타냅니다.  화면 가득한 화려한 노란 드레스를 입은 젊은 여인이 주인공입니다. 젊은 여인은 백발의 노신사와 팔짱을 끼고 있습니다. 그녀의 드레스 밑자락은 화려한 레이스의 물결을 이루고 있고 검은 바탕에 있는 물고기는 레이스를 마치 거슬러 올라갈 것 같습니다. 그녀는 노란 부채를 들고 팔은 노신사에게 시선은 다른 사람에게 두고 있습니다. 티소 그림의 특징이 여인은 항상 시선이 밖을 향하고 있다는 점입니다. 누군가를 찾는 것처럼 말이죠. 두 사람 뒤에는 무도회장과 거실 입구를 가르는 붉은색의 커튼이 쳐져 있고요. 커튼 앞에 있는 신사와 그 옆의 젊은 여인은 우아한 자태를 뽐내며 서 있습니다. 무도회장의 남자들은 거의 노년의 신사들이고 무도회에 참석한 여인들은 한결같이 젊습니다. 이 작품에서 남자와 여자의 나이가 대조를 이루고 있는 것이 특징입니다.

노란 드레스의 여인은 그와 운명적인 사랑을 나누었던 여인 캐틀린 뉴턴입니다. 그녀가 폐결핵으로 죽기 전까지 많은 사람들의 비난에도 불구하고 두 사람은 6년동안 사랑에 빠져 있었습니다. 이혼 경력이 있는 그녀와의 사랑은 당시 인기 화가였던 그에게 치명적인 오점으로 남게 됩니다.  한 때 인기 있던 초상화가 티소가 행실 좋지 못한 유부녀와 함께 어울린다는 말은 그의 밥줄이 끊어질 수도 있다는 말과 같았거든요. 당시 빅토리아 시대는 도덕적이고  모범적인 가정 생활을 중시했어요. 여왕 부부가 몸소 실천하며 그렇게 살았거든요. 이런 사회적 분위기 속에서 티소가 무모할 정도로 용감했다는 얘기죠. 실제로 여기저기 수군거림과 보이지 않는 질시 때문에 왕따가 된 적도 있습니다. 그럼에도 불구하고  티소는 그녀가 죽은 후에도 그녀를 모델로 작품을 제작하는 뚝심을 보이지요.

  드레스 색상만 바꾼 <야망을 품은 여인 A Woman of Ambition/1885>이라는 작품입니다. 이 작품 역시 캐슬린을 모델로 했습니다.  한 눈에도 범상치 않은 화려한 의상의 여인이 남자의 팔을 끼고 입장하고 있습니다. 드레스와 그에 어울리는 부채 그리고 당당한 눈빛을 가진 여인의 모습이 화면을 가득 채웁니다. 그런데 주변 사람들의 표정이 심상치 않습니다. 오른쪽 남자는 누군가에게 귓속말을 하고 있습니다. 턱을 괴고 쳐다보는 중년 남성의 시선도 곱지는 않네요. 그러나 여인은 주위의 수군거림에 전혀 신경 안 쓰는 표정입니다. 그 정도 비웃음에 머뭇거린다면 그것은 야심이 아니겠죠.

<정원 벤치 The Garden Bench/1882>

캐더린에 대한 티소의 사랑의 정도는 시간과 공간을 건너 뛰어 캐더린이 죽은 후에도 계속됩니다. 그는  죽을 때까지 어떤 여자와도 로맨틱한 이야기를 만들지 않았습니다. <정원의 벤치>에 등장하는 인물들이 캐더린과 그녀의 아이들입니다. 넌지시 아들을 올려다보고 있는 엄마 캐틀린의 눈길이 다정합니다.엄마 옆에 딱 달라 붙은 딸 아이의 모습도 사랑스럽습니다. 놀러 온 조카의 모습도 보이고요. 아이들이 입고 있는 옷과 여인의 드레스 색상도  세련되고 우아합니다.

티소의 인물 묘사도 뛰어나지만 의상과 소품에 대한 묘사도 탁월하다는 생각을 해봅니다. 티소는 동거에 들어 간 캐더린, 그녀의  아이들과 함께 살았던 시간이 그의 일생 중 가장 행복했던 시간이었습니다.  그러나 1882년 캐더린이 28세 그리고 티소가 46세 되던 해, 그녀는 폐결핵 말기를 비관하여 아편 과다 복용으로 자살하고 맙니다. 티소의 행복한 시간은 여기서 멈추게 됩니다. 이 작품은 그녀가 죽은 후 티소의 기억을 빌어 그려진 그림이고 그가 가장 아꼈던 작품으로 알려져 있습니다. 그녀의 죽음이후 10여 년간의 영국 생활을 접고 파리로 돌아옵니다. 파리로 돌아온 티소는 3년 정도 파리의 생활을 화폭에 옮깁니다. 여러 사회 계층 여성들과 그 주변환경을 묘사한 초상화를 성공적으로 그려내고요.

https://www.youtube.com/watch?v=6vgmHxd1UZA

<L.L. 의 초상/오르세미술관>

1864년 티소는 살롱에서 아래의 초상화를 선보입니다. 거대한 캔버스에 그려진 동시대 신흥 부르주아 집안의 소녀. 흰색, 빨간색, 검은색이라는 파격적인 색상대비와 옷 장식, 화려한 벽지의 패턴과 의자의 디자인까지. 패션과 디자인에 관심이 있는 이들이라면 고개를 쭉 빼고 가까이 가 보고 싶은 그림일 겁니다. 이미 그는 20대 후반부터 섬세한 데생과  대조적인 색상의 사용, 벽지와 사물에서 볼 수 있는 치밀한 관찰과 완벽한 마무리라는 스타일을 완성했답니다. 당대 유행하던 복식과 취미, 집안의 인테리어를 그대로 재현해 내 보는 재미를 더해줍니다. 이런 질감에 대한 섬세한 표현의 시작은 모자가게와 직물상을 하던 부모에게서 자란 영향이었을 겁니다. 그의 이런 스타일은  부를 쌓기 시작한 부르주아들의 엄청난 사랑을 받았습니다.  귀족들이 삶의 양식을 답습하고 싶은 새로운 지배계급의 취미에 재빠르게 대응하며 그를 성공가도에 올려놓습니다. 

캐틀린의 죽음 이후 티소는 당시 유럽에 유행하던 신비주의 와 심령술에 잠시 빠진 적이 있습니다. 영매를 불러 죽은 그녀를 만나고 싶어서 말입니다. 이정도면 정말 사랑한 것 만나봐요. 보수적인 카톨릭 전통에서 자란 그는 자신의 신앙에 이 신비주의를 결합시키기 시작합니다.  1888년부터 티소는 종교적 계시를 경험하게 되고 죽을 때까지 성서에서 주제를 따온 작품들에 전념하며, 팔레스타인과 예루살렘을 여러 번  방문하며 얻은 견문으로 자신의 예술 세계를 넓혀갑니다. 이 기독교 관련 작품들은 프랑스어와 영어로 출간해 그를 더 유명하게 만듭니다. 그가 세상을 떠날 때까지 남긴 구약과 신약 그리고 예수님에 대한 수채화가 700점 남겨져 있습니다.

<우리 구세주가 십자가에서 내려다 본 것은  What our Savior saw from the Cross/1886-1894>

십자가에 달리신 예수께서 내려다 본 풍경입니다. 예수님 발아래로 성모 마리아와 막달레나 마리아가 있습니다. 신 포도주를 적셔 주었던 장대도 보입니다. 소리를 지르고 있는 유대의 제사장들도 있고 걱정스러운 듯이 하늘을 바라보는 사람도 있습니다. 고흐의 박물관에 걸려 있던 장 레옹 제롬의 <골고다>, 루벤스의 <십자가의 책형>이 극적인 장면을 묘사해 보는 이들을 충격에 빠트리지요. 대부분의 화가들은 십자가에 달리신 예수님을  화면에 묘사했기 때문에 작품을 보는 사람들은 안쓰럽고 , 안타깝고, 그리고 무서운 느낌을 갖게 됩니다.  뼛속까지 죄인의 마음이 되지요. 그런데 티소의  이 작품은 시점이 달라서 인지 느낌이 사뭇 다릅니다. 몇몇 여인을 제외하면 모두가 방관자의 자세로 올려다 보고 있습니다. 육신의 고통이야 말할 것도 없지만 이 일과 자신은 관계가 없다는 듯 올려다볼 뿐입니다.  이 상화은 마치 당연한 결과였다는 듯이 말이죠. 올려다보는 사람들의 눈 빛에서 인간 예수는 죽어가면서도 고통스러웠을 것 같습니다.

제임스 티소는 프랑스 화가이지만 프랑스 비평가들로부터 너무 영국적이라는 이유로 따돌림을 받았습니다. 그러나 당시 영국과 프랑스의 대중들로부터는 많은 사랑을 받았고 그의 작품들은 고가로 팔렸습니다 . 한편으로는 미술사보다는 옷의 역사를 다루는 복식사에서 그의 작품을 더 많이 인용한다는 말을 듣기도 합니다.

1960년대 이후 영화, 디자인, 패션사가 연구되면서 조금씩 주목받기 시작한 화가이고요. 상업적이라는 한계 때문에 여전히 주류 미술사 시각에서는 거장의 반열에 들지는 못하고 있습니다. 인상파였던 르누아르가 도시 여성을 다루는 소박한 미와 비교될 정도로 인공적이고 마네킹 같다는 비판도 받습니다.  점원이든 귀부인이든 철저히 상품화된 여성성의 표상은 마치 여성들이 존재하는 유일한 목적이 남성의 유혹인 것처럼 표현되어 불편한 면도 있고요. 하지만 그 덕분에 당시 여성들의 삶을 엿볼 수 있어 누군가의 호기심을 충분히 채워줬을 거라 생각합니다.

최근 언론은 '멘탈플로스'(Mental Floss)를 인용해 개가 갸우뚱거리는 이유는 그들이 우리 인간을 신경 쓰고 있다는 것을 보여주는 것이라고 밝혔습니다. 개들 측면에서 고개를 갸우뚱거리는 것은 이들이 자신의 감정을 전달하거나 공감을 시도한다는 의미지요. 인간 역시 다른 이의 이야기 등을 들을 때 고개를 끄덕이는 것처럼 말입니다. 개들도 우리 인간의 감정을 인지하는 능력을 갖추고 있다고 합니다. 특히 인간에게 자주 고개를 갸우뚱거리는 모습을 보여주는 개들은 공감 능력이 뛰어나다고 볼 수 있는 것으로 알려져 있고요.

또 다른 재미있는 이유로는 청력이 뛰어나긴 하지만 소리의 근원을 파악하는 능력이 떨어지는 개들이 소리의 정확한 위치를 파악하기 위해 귀의 방향을 바꾸는 것으로도 볼 수 있다고 합니다. 

 공감능력 뛰어난 오늘의 주인공 '보도콜리'입니다.

세계에서 가장 똑똑한 견종 1위입니다. 강아지 지능순위 아이큐에 대해 의구심을 보이는 분들도 많지만, 대부분 복종훈련이 잘 되는 견종, 학습능력 , 사람말을 잘 듣는지 여부(사람과의 교감, 소통능력)등을 토대로 보통 지능순위를 매긴다고 합니다. 보더콜리는 7살 아이의 지능을 가지고 있다고 합니다. 그만큼 지능과 학습력을 지녔다는 얘기지요. 또 사람의 명령을 빠르게 알아듣고 이해하는 개라는 의미이기도 하고요.

잉글랜드와 스코틀랜드의 국경(Border)지방에서 양몰이를 했던 목양견 출신입니다. 그래서 보더콜리라는 이름을 가지게 되었고요. '콜리'라는 단어는 켈트어로 '유용하다'라는 뜻이라고 해요. 비어드 콜리나 러프 콜리처럼 콜리들은 모두 영국에서 가축, 특히 양을 모는 개였습니다. 휘슬 소리와 명령어에 맞춰 가끔 오리몰이를 하기도 합니다. 

보더콜리의 조상으로 사람들이 추정하는 견종은 Hemp이라는 양몰이견입니다. 1873년 영국에서 양몰이 시범이  열렸고 Hemp라는 강아지가 능숙하게 양들을 몰았다고 합니다. Hemp의 유전을 바탕으로 브리딩된 강아지가 지금의 보더콜리가 된 것으로 사람들은 추정하고 있습니다. 다른 강아지들처럼 황제 또는 귀족들에게 사랑받아온 견종은 아닙니다. 주인과 함께 아침부터 저녁까지 일터에서 호흡을 맞춰왔던 개입니다. 다른 견종과 견주어 기품이 있는 견종은 아니지만, 주인과의 호흡은 다른 견종과 견주어 최고라고 말할 수 있습니다.

보더콜리는

무게가 18-23kg

체고가 48-53cm

대형견에 가까운 중형견입니다. 

https://www.youtube.com/watch?v=MhMGp1lx82k

보더콜리의 털 색상은 다양하며 바이 칼라(2가지), 트라이 칼라(3가지), 세이블 등이 보더콜리의 일반적인 털 색상입니다. 

블랙:검은색

블루: 청회색

골드(레몬): 노란빛의 밝은 갈색

라일락: 더 밝은 청회색

페드: 짙은 깊은 붉은 빛

위의 색으로 색이 어떻게 섞였느냐에 따라 명칭이 조금 다르게 불립니다.

https://www.youtube.com/watch?v=_0v98iq-mRs

체이서라는 보더콜리는 세계에서 가장 똑똑한 강아지로 기네스북에 등재되어 있습니다. 이 강아지는 1022개의 단어를 알아들어요. 미국 워포드 대학교 심리학과 명예교수 고 존 필리 교수의 반려견 체이서는 필리 교수의 특별한 교수법으로 유명하답니다. 3년간 하루 4-5시간씩 보더콜리 체이서에게 단어를 가르치면서 알아듣도록 교육했다고 해요. 물건을 보여주고 40번 이상 물건 이름을 말한 후 그 물건을 숨긴 다음 체이서에게 찾아오도록 하면서 물건이름을 익히도록 훈련했고요. 하루 4시간 이상씩 보더콜리와 소통하고 교감하면서 단어를 가르쳤다니 대단하죠. 체이서는 명사 동사의 차이도 구별할 수 있으며 모르는 장난감 사이에 이름을 알고 있는 장난감을 섞어 놓아도 해당 장난감의 이름을 말하며 지시하면 그것을 쏙 가져오는 똑똑함을 보이는 강아지라고 합니다.

대체적으로 명량한 표정에 균형 잡힌 몸을 가지고 있는 편입니다. 12가지 다양한 모색을 가지고 있지만 블랙 앤 화이트의 보더콜리들이 가장 많습니다. 중형견에 속하는 견종으로 웬만한 산책이나 운동으로는 소모하기 힘든 에너지를 가지고 있습니다.  체력이 좋아 가만히 앉아 있지 못하는 일중독자로도 불립니다. 양치는 일도 잘 하지만 집안에서도 사람이 이런저런 일들을 시키면 에너지가 넘치게 잘 수행해 낸다고 합니다.

체력이 좋고 훈련도 잘 되기 때문에 도그스포츠에서 대부분 상위 랭킹을 차지하는 보더콜리입니다. 

https://www.youtube.com/watch?v=ivCQnka-geQ

보더콜리의 대표적인 성격은 쾌활하고 사교적입니다. 잡일이 주어지거나 이들의 힘을 분출시킬 때 가장 행복해합니다. 활력적이로 민첩하며 의욕적이지요. 과거에 양몰이에 특화된 견종이었고 에너지가 비글보다 넘친다고 할 정도로 활동적입니다. 끈기까지 있는 견종이라 쉽게 지치지도 않아서 보더콜리를 키우신다면 하루에 엄청난 에너지를 소모할 수 있는 스포츠를 해주어야 합니다. 단순 산책으로 에너지를 소비하기 힘들 수 있습니다. 여기에 더해 다른 동물을 자신의 뜻대로 몰아가는 것도 좋아합니다. 

보더 콜리는 매우 똑똑하고 강한 책임감을 가지고 있습니다. 하지만 영리한 성격의 특징은 무조건 좋지만은 않습니다. 기본적으로 가족과 친구들에게 애정이 깊고 소유욕이 강하지만 낯선 사람에 대해서는 예민하게 굴거나 적당히 경계하는 총명함도 볼 수 있습니다. 친구에게 다정하고 낯선 이들에게는 상당히 냉담해서 훌륭한 경비견이 될 수 있다는 얘기지요. 산책 도중 보더콜리를 보면 너무 가까이 가지 않는 게 좋다고 합니다. 그리고 양몰이견답게 다른 동물을 째려보고 쫓아가는 습성이 있어 보더콜리와 함께 조그만 동물을 키우는 것은 추천하지 않는다고 합니다. 만약 보더콜리의 훈련과 교육이 제대로 이루어지지 않는다면 똑똑하고 영리한 지능을 이용해서 문제 행동으로 이어질 수 있습니다.

https://www.youtube.com/watch?v=V_GAcGbmHjI

입양 시 꼭 알아두세요. 일반적으로 소형견보다 덩치가 클수록 활동량은 크게 늘어납니다. 특히 보더콜리의 경우 활동량이 월등히 뛰어난 편입니다. 이 때문에 보호자분께서 최소 1-2시간 이상은 에너지를 소모시켜주어야 합니다. 단순히 산책 시간뿐 아니라 액티비티 한 활동들을 함께하며 지루하지 않도록 보살펴 주어야 집안에서 사고를 치는 일이 발생하지 않습니다. 움직이는 것을 쫓는 습성이 있기 때문에 산책 도중 차를 쫓아가지 않도록 유의하고 보더콜리와 함께 할 수 있는 야외 운동으로는 원반놀이가 대표적이며 원반에 대한 집착이 무서울 정도로 강하다고 합니다. 

잦은 산책과 운동, 그리고 털 빠짐 때문에 보더콜리는 아파트에서 키우기는 어렵다고 합니다. 지능이 높아 스트레스 지수가 높아진다고 해요.  도시보다는 외곽지역이나 마당이 있는 시골에서 키우는 것이 적합합니다. 보더 콜리는 지능이 높기 때문에 어떤 행동을 교육하면 빠르게 습득하는 장점이 있지만 반대로 안 좋은 습관도 금방 습득하는 문제가 있습니다. 특히 보호자분이 교육적으로 철저하게 가르치지 않는다면 쉽게 안 좋은 습관이 형성되니 다양한 교육에 많은 관심을 가지고 키우셔야 합니다. 또 서열정리가 잘 안 될 경우 주인을 무시하는 경향이 있을 수 있습니다. 보더콜리 주인이 된다면, 가족의 리더로서의 모습을 잘 보여주는 것이 무엇보다 중요합니다.

보더콜리는 털 빠짐이 상당히 많은 편에 속합니다. 숱이 상당하면서 속털이 깊어서 한번 엉키면 곤란해집니다. 털이 엉키지 않도록 빗질을 주기적으로 자주 해 주세요. 단색종의 털이 아니고 강아지 2마리를 키우는 느낌처럼 흰색털, 검은색털 등 다양하게 빠진다고 합니다. 

보더콜리는 피부가 약하기 때문에 피부병에 잘 걸린다고 합니다. 털의 빠짐이 심할 경우 피부병에 걸렸는지 잘 살펴보아야 합니다. 목욕 후 드라이를 잘해줘야 하며 습한 환경은 좋지 않습니다. 

보더콜리의 경우 평균 수명은 10-14년이며 제로이드 리포 수흐 친 증후군이라는 유전병이 가장 무섭다고 합니다. 이는 진행성 운동장애와 지적장애, 시력장애를 일으키는 치명적인 병이며 1세 이후에 발병되는 경우가 상당히 많고, 이 질환의 경우 치료법이 없다고 합니다.

콜로아이 증후군은 안과질환으로 눈에 출혈이 발생하거나 망막 병리 현상이 나타나 심각할 경우에는 실명에 이르게 됩니다. 평소 보더콜리의 행동을 관찰하시어, 어딘가에 부딪히거나 넘어지는 일이 자주 발생하면 가까운 동물병원에서 검사를 받아야 합니다. 

유전성 난청은 태어날 때부터 청각이 없이 태어나는 것을 말합니다. 생후 한 달 이내에 알 수 있으며 소리에 반응을 잘하는지 꼼꼼히 확인해야 합니다.

보더콜리는 견종의  혈통을 중요시했던 문화 때문에 부분 혈통을 유지하고자 인위적으로 근친교배를 통해 개량되었습니다. 이 때문에 생긴 유전적인 질환으로 대형견들에게 아주 흔하게 나타나고 대표적인 유전적 질환입니다. 엉덩이 쪽에 위치한 대퇴고관절이 기형, 변형이 일어나게 되며 심한 통증을 유발하고 관절의 탈구, 뒷다리 파행 등 각종 증상이 나타납니다.

보더콜리는 똑똑하고 총명해서 키우기 쉽다는 것만 보고 입양했다가 감당 안 되는 에너지와 어마어마한 털 빠짐 탓에 파양률이 매우 높은 견종 중 하나입니다. 만약 보더콜리를 키우고 싶다면 유기견 보호시설에서 보호하고 있는 아이들을 입양하는 것이 어떨까요? 보더콜리가 뛰는 만큼 견주 역시 함께 뛸 각오가 되신 분들만 키우셨으면 좋겠습니다. 아니면 서로에게 민폐가 될 수도 있으니까요.

워쇼스키 감독의 영화 '매트릭스 3'<겨울비(Golconde)>(1953)

마야자키 하야오 감독의 애니메이션 '천공의 성 라퓨타'

영화 '하울의 움직이는 성'<피레네의 성(Le chateau des Pyreness)>(1959)

<올마이어의 성(Almayer's Folly>(1951)

권오광 감독의 <돌연변이>

CBS 방송사 로고

비틀즈의 사과 앨범

영화 <The Exorcist>

김영하 작가의 장편소설 <빛의 제국>

등등 , 이 정도 힌트면 아실 까요? 맞습니다. 

벨기에 레신 출신의 르네 마그리트(Rene Magritte)입니다. 그의 얼굴은 자세히 모르지만 중절모를 쓴 익명의 신사의 모습으로 한 번쯤 접하셨을 겁니다. 그의 작품들은 지금도 많은 예술가들에게 장르 불문하고 재미난 영감과 이야기를 떠올리게 하지요.

르네 마그리트(Rene Magritte:1898-1967)의 아버지는 양복점을 경영하였고, 결혼 전에 모자가게를 경영하셨 던 어머니 사이에 3남 중 장남으로 태어납니다. 14살 사춘기 시절 (1912년), 오랜 우울증에 시달리 던 어머니는 샤틀레르의 샹보르에서 투신 자살한 채 발견됩니다. 어머니의 시신이 강으로 인양되었을 때 셔츠로 얼굴이 덮혀 있었다고 해요. 조류 때문이지 아니면 당신 자신의 선택이 옳지 못함을 알고 계셨던 지 그의 그림에 천으로 덮혀진 인물들이 한 동안 등장합니다. 어머니의 죽음에 대한 영향은 20년대 후반의 몇몇 그림에서 찾아 볼 수 있습니다. 

화가로서의 출발은 1916년 들어간 브뤼셀의 미술 학교에서 시작됩니다. 1921년부터 한때 세계적으로 유명하 던 벨기에의 벽지회사 UPL에서 디자이너로 일하게 됩니다.  1920년 중반까지 순수미술에 빠져 미래주의와 입체주의 성향의 작품을 그렸습니다. 그림 속 작품은 아내인 조제트가 피아노를 치는 모습을 입체주의 스타일로 그린 초기 작품입니다. 아내인 조제트를 10대 마을 축제 때 만나 첫눈에 반했다고 합니다. 그러다 제1차 세계대전으로 6년간 못 만났다 우연히 재회하며 1922년 결혼을 하고 마그리트가 사망할 때까지 함께 했다고 합니다. 물론 마그리트가 유명해지기 전까지 아내인 조제트가 미술용품점에서  일하며 거의 생계를 책임져야 했고요. 그의 뮤즈이자 후원자 조력자를 든든하게 둔 덕분에 그의 작품 속에 조화로운 유대감이 묻어 나오는 것이 아닌가 싶습니다. 

그 시대의 다른 여러 화가들처럼 처음에는 인상주의의 영향 아래에서 화가로서의 첫발을 내딛게 됩니다. 점차 미래파 화가들의 작품, 특히 조르조 데 키리코의  작품에 큰 영향을 받으면서 그림이 바뀌기 시작합니다.  조르조 데 키리코(Giorgio de Chirico)<사랑의 노래>라는 작품으로  어둡고 탁한 건축물에 갑자기 나타난 석고상과 고무장갑 그리고 초록색 공까지 이런 이상한 조합과 심오한 분위기의 작품을 보고 마그리트는 새로운 아이디어가 번뜩입니다. 바로 "데페이즈망(depaysemetn)"입니다. 프랑스어로 '추방'을 의미합니다. 사물을 익숙한 장소에서 낯선 장소로 '추방'시켜 사물의 원래 쓰임새를 무너뜨린 다는 말이죠. 전혀 관련 없는 것을 엉뚱하게 조합하거나 어울리지 않는 공간에 둠으로써 비현실적인 느낌을 주는 표현 방법입니다. 

마그리트와 조제트는 3년 동안 파리 근교의 페로 쉬르 마른느에 정착하여 살았습니다. 여기에서 파리에 화랑을 연 괴망스의 중재로 브르통과 초현실주의  화가들과 접촉하게 됩니다. 막스 에른스트(Max Ernst), 미로(Joan Miro), 달리(Salvador Dali) 등이지요. 그는 초현실주의 모든 활동에 가담하였고 "초현실주의 혁명"의 출간에도 힘썼습니다.  이 잡지의 마지막 호에 자신의 회화적 이상을 확실하게 선언한 '단어와 이미지'라는 글을 발표하기도 하고요. 비록 뜨겁지도 소원하지도 않은 관계였지만 마그리트는 죽을 때까지 브르통과 초현실주의 화가들과 지속적으로 관계를 유지합니다. 그럼에도 불구하고 마그리트는 자신의 회화관에 충실하여 그의 회화적 독자성을 지켜갑니다.

파리의 초 현실주의자들의 대열에 참여한 지 2년 후인 1929년 12월 마그리트는 초현실주의자들의 기관지로 그들의 표현의 자유를 가능케 해 주었던 "초 현실주의 혁명"에 초현실주의에 대한 그의 주요 공헌이라 할 만한 글을 발표합니다. 이 잡지에 발표한 "단어와 이미지"라는 글에서는 18개의 작은 컷으로 이루어진 경구적이 짧은 내용을 언급한 네모난 구획의 작품을 다루었고요. 여기에서 "대상은 그 이름이나 이미지가 가지는 똑같은 기능을 결코 완성하지 못한다"는 것을  설명하고 있는 내용입니다.

르네 마그리트의 대표작품 <이미지의 배반,1929> 입니다.

"분명 그림에 있는 물체는 파이프임에도 불구하고 르네는 이것은 파이프가 아니다."라고 말하고 있습니다. 궁금합니다. 아니 왜? 하면서 말이죠. 르네는 "이것이 진짜 파이프라면 당장 여기에 불을 붙이고 담배를 피워보아라."라고 말합니다. 그의 발언은 보는 이로 하여금 당황하게 만듭니다. 하지만, 우리의 고정관념을 깰 수 있게 도와주기도 하지요. 그는 미술의 본질과 사물의 본질에 대하여 말합니다. 이 작품은 파이프의 이미지를 그린 것뿐이지 아무도 이 그림을 가지고 담배를 피울 수 없다 라면서 말이죠. 현실과 묘사 사이에 존재하는 근본적인 차이를 강조하고 이미지는 현실이 아니고 환상일 뿐 조작된 것이라는 얘길 합니다.

이런 강력한 선언은 르네 마그리트의 모든 작품의 특성에 대하여 정확한 개념을 부여하고 있습니다. 마그리트의 작품은 우리가 일상생활에서 확실하게 믿고 있는 대상들과 그것들의 이름과 의미와 기능에 있어서, 그 관계는 실제로 우리가 믿고 있는 것보다 훨씬 더 미약하다는 인식 위에 기초하고 있습니다.

 전쟁이후 기존에 것에 반발하여 '파괴'에 포커스를 두었던 다다이즘의 한계를 느끼게 됩니다. 그들의 예술 파괴운동을 수정, 발전시키고 비합리적인 잠재의식과 꿈의 세계를 탐구하여 표현의 혁신을 꾀하는 초현실주의 예술 운동이 나타납니다.  초현실주의 예술의 중심은 무엇보다 파리 문필가인 브르통, 아라공, 에드와르, 아르쿠르에 의하여 구성되었고 그 중심적 내용은 꿈과 욕망의 세계를 해방시킴으로써 예술과 삶을 새롭게 하는 것이었습니다. 이를 위해 "자동기술법(aitp, atos,)"을 채택하게 되고요. 가장 힘든 것은 자동기술법적 과정들이 조형 예술가들에게는 가능성의 한계로 드러난다는 것이지요. 그럼에도 불구하고 모든 화가들은 그들의 회화작업의 중요한 원천으로서 프로이트적 무의식의 세계를 충실히 반영하였습니다.

그러나 마그리트는 다른 초현실주의 자들과는 달리 꿈과 욕망이 그의 회화의 기원이 아니었습니다. 그는  일상에서 볼 수 있는 흔한 오브제를   엉뚱한 공간에 추방시키면서 관객들에게 낯섦을 주는 방식으로 다가옵니다. 아마 이 때문에 그와 브르통 사이의 관계는 항상 미약했으며 거리감을 만들었는지 모르겠습니다.  한 번도 완전한 결별에까지는 이르지 않았지만요. 또한 이 지점이 다른 초현실주의 작가들과 그를 구별 짓게 하는 부분이기도 합니다. 지금까지 세대를 거듭해 인용되고 사랑받는 이유이기도 하고요.

시간이 흐름에 따라 마그리트는 마치 광고언어처럼 인접성과 유사성에 의해 대상들 사이에 세워진 연상작용에서 모든 가능한 조각을 뽑아내어 이 개념적 조작을 점점 더 세련되고 복잡하게 만들어 나갑니다. 근접성에 의하거나 또는 대립에 의한 사물들이 가지는 관계성을 지속하면서, 사과나 태양과 같은 둥근 모양으로 사람의 머리를 대신하게 하거나, 나뭇가지와 나뭇잎의 잎맥 위에 새들을 앉힌다든지 하여 일반적인 이미지와는 다른 엉뚱한 결합을 통해 다른 사물로  대상을 변형시킵니다. 

마그리트는 중절모와 검은색 양복을 입은 남자의 그림을 많이 그렸습니다.  똑같은 옷차림에 개성은 1도 없어 보이죠. 경직되어 있고요. 사과도 놓아 보고 ,비둘기로 가려보고, 빵빵하게 부풀려도 봅니다. 궁금증도 덩달아 커져갑니다. 무얼 의도한 걸까 싶어서 말이죠. 마그리트는  어울리지 않은 사물이나 자연물을 합쳐 새롭게 하거나 크기나 위치의 변화를 통해 낯선 느낌을 시도합니다. 초현실주의 작가들만이 할 수 있는 엉뚱한 시도들이죠. 덕분에 관람객들은 고개를 갸웃 둥 하면서도 작가의 기발한 생각에 무릎을 탁 치기도 합니다. 친숙한 대상을 생소한 장소에 놓으면서 신비하고 환상적인 분위기를 주죠. 상식과 고정관념이 여지없이 깨고 새로운 시선으로 보게 되는  거죠. 작가들이 주는 선물인 셈이죠. 살바도르 달리와 같은 튀고 싶어 안달란 예술가들과 달리 평범하게 살고 싶었기 때문이라고 합니다. 중절모를 쓴 익명성에 자신을 투영한 거죠. 우리 역시 그 익명성을 지닌 한 사람이기 때문에 내 자신을 작품에 기꺼이 투영할 수 있는거고요. 

마그리트의  이미지는 마치 은유와 같은 기능을 합니다. 그러므로 이 은유는 시적인 본성을 지니지요. 이미지들은 가끔 불안정하지만 다른 초현실주의 자의 이미지처럼 무섭게 소름 끼치는 것은 아닙니다. 마그리트의 회화는 어떠한 비극적 신념도 현실과 신비 사이의 경계 없는 연속에 의해 와해시키고 있습니다. 

https://www.youtube.com/watch?v=E-v3C5oBeGM

1930년에는 다시 부뤼셀에 정착하였으나 파리의 그룹과는 계속적으로 접촉하여 1934년 "초현실주의는 무엇인가"라는 브르통의 책 표지에 '폭력'이라는 작품을 실었습니다. 또 1937년 '미나 타우로' 10호의 타이틀 표지에 작품을 실고요. 또한 여러 다른 국제 초현실주의 전시에도 참여하여 뉴욕에서 그의 첫 전시를 개최합니다.

마그리트의 회화는 친숙한 대상들과 재현된 대상들 사이에 비정상적인 관계를 만듭니다. 객관적인 방법에 의한 세부 묘사에 따라 재현되고요. 화면을 꽉 채운 커다란 종이 현실에 가능할까요? 마치 UFO가 떠 있는 것 같습니다. 또 저 커다란 종을 소리 나게 하려면 바람도 힘이 세야 할 것 같고요. 평온한 들판에 묵직한 쇳소리가 깊은  정적을 깰지도 모르겠습니다. 공기 중에 떠 있는 거대한 종들은 20년대 말기의 마그리트 작품에서 자주 나타납니다. 그는 사물의 음향적 속성을 이용하여 시적으로 바람의 속삭임을 표현한 거라 말합니다. 

실제로  창문의 개념으로서의 회화론은 르세상스 시대부터 서구회화의 기원으로 존재해 왔습니다. 하지만 초현실주의 작가 마그리트의 창문은 다른 의미로 다가옵니다. 많은 그림들에서 보이는 시각적 내용의 주제는 중재역할을 맡은 문 또는 창문입니다. 다른 대상  즉 전환적 요소를 통하여 나타나는 실내와 실외 사이의 관계를 신비스럽게 합니다.

이런 기초 위에서 마그리트는 전이와 변형의 효과로서 그림을 제작합니다. 열린 문을 통하여 슬그머니 구름이 방 안으로 스며들기도 하며, 화병이 창문 안에서 풍경으로 변화되고, 창문 앞에 있는 그림이 창문밖에 보이는 정경의 부분으로 그림 안에 재현되어 대치되기도 합니다. 거울 같은 은유와 무한 대까지 연장될 수 있는 회화와 시각의 본성에 대한 끝을 알 수 없는 사색을 다루고 있고요. 그려진 그림 속 존재하는 대상들은 "동시에 방 안에서, 그림의 안과 밖에서, 실제의 풍경 안에서 그려진 풍경으로서 계속 존재하고 있습니다. 똑똑 노크하고 들어온 구름 덕분에 빼꼼히 열린 문을 통해 바다를 보고 모래사장을 봅니다. 그저 그림일 뿐인 데 문틈사이로 삐집고 들어 온 빛처럼 그곳에 있는 듯한 느낌을 받게 됩니다. 

1943년과 1948년에 그의 작품에 있어서 기존 작품과는 단절을 보이는 두 시기를 맞게  됩니다. 그 하나는 르누아르 시기입니다. 이 시기에는 르누아르의 마지막 시기에 그려진 여성 누드의 양식에 가까운 회화적이고 붓자국이 잘 드러나는 양식의 몇 작품을 완성하게 됩니다. 전쟁으로 우울한 시기와 대비되는 밝고 부드러운 색이 돋보이는 자신의 이 스타일을 마그리트는 '햇빛아래 초현실주의'라고 부르기도 했습니다.원색의 따뜻한 붓터치가 일품입니다.

가장 힘들게 처리되는 전이의 방법들 중 하나는 대상을 다른 대상으로 변형시키는 것입니다. 마그리트의 그림들은 혼성의 인간과 대상을 실험하고 변이의 현상을 다루고 있는 점입니다 . <붉은 모델> 실물과 똑같은 발가락을 보고 얼마나 놀랐던지! 개인적으로, 오래전 장례식장에 인사하러 갔다가 발가락 양말 신은 중녀 남자분의 뒷모습에 절 하다 빵 터질 뻔했던 일이 생각이 났습니다. 이렇게 하나의 사물은 기능적으로 관련된 다른 사물-사람의 발과 사람의 형태를 가진 옷과 신발들과 혼동을 일으킬 수 있습니다. 또는 형태적 유사성에 의해 혼동을 일으키는 전이형태로  담배로 변화하는 물고기 그림이 있지요. 얼굴이 있어야 할 자리에 물고기로 대체되거나 물고기의 하반신이 담배로 대체는 등 그의 상상력에 그저 혀를 내두를 뿐입니다.  이러한 주제는 마그리트의 모든 작품에 뿌리 깊게 존재합니다.

"넓은 하늘 안에 하늘을 가로지르며 날고 있는 새"라고 시인 앙리 미쇼는 이 그림에 관하여 설명하고 있습니다. 이는 실재하는 것과 부재하는 것 사이의 상호 경계선을 표현한 좋은 예들 중 하나입니다. 

창공을 나는 새인가? 새 모양의 창공인가? 헷갈립니다. 주변은 어두워 오는 회색빛인데 새 형상 안의 구름은 환한 대낮 같습니다. 다시 한번 그림을 찬찬히 들여다보게 됩니다.  하늘은 연결되어 있는 것처럼 보입니다. 보통 새는 하늘을 나니까 말입니다. 그러나 좀 더 생각해 보면 이 둘은 엄밀히 어떤 관계도 맺고 있지 않습니다. 이 작품에서 새는 존재하는 듯, 존재하지 않는 것 같습니다. 그러나 관람객은 으레 새를 떠올리지요.  이처럼 부재하는 것(새)이 실재한다(새 모양의 하늘)는 생각은 우리의 습관과도 같은 인식의 태도에서 연유합니다. 그의 이 작품을 통해 하나의 사물이 두 개의 사물로 인식될 수 있다는 점을 보여줌으로써 우리의 인식 태도에 의문을 던지게게 합니다. 이런 효과를 극대화하기 위해 마그리트는 교묘하게도 아주 일상적인 사물을 우리에게 제시합니다. 그렇기에 관람자는 의심 없이 감각기관을 이용해 얻은 정보를 바탕으로  '참'이라고 믿게 됩니다.  하나의 사물에 잠재하는 또 다른 성질 즉 이중성을 보여주는 그림입니다. 

이처럼 밤과 낮이
함께 공존하는 풍경으로부터
우리는 경이롭고
매혹적인 힘을 느낀다.
나는 이 힘을 시라고 부른다.
-르네 마그리트-

1948년부터 마그리트는 같은 주제의 변형으로 이루어진 10개 이상을 그림을 그렸는데 그 마지막 작품을 완성하지 못하고 세상을 마감하게 됩니다. 모든 작품은 <빛의 제국>이라는 공통의 제목이 붙여져 있습니다. 작품에 보이는 것은 창문 안에서 발산되는 빛이나 실외에 있는 하나 또는 여러 개의 가로등이 발산하는 빛에 의해 조명되는 잎이 풍성한 나무와 그 사이에 있는 집과 밀집된 건물뿐입니다. 이상한 것은 하늘인데, 밝고 부드러운 구름으로 덮인 대낮의 푸르른 하늘이 그림의 화면을 덮고 있습니다. 전기불빛이 주의를 끌고 있는 밤의 풍경과 양립할 수 없는 푸른 대낮의 풍경은 감상자가 주의 깊게 살필 때어만 인지되지요. 현실에서 결코 양립할 수 없는 이질 적인 두 요소가 모순이란 생각도 듭니다. 마그리트의 작품들 중 초현실주의에 더 가까운 작품입니다. <빛의 제국>이란 이름으로 17점의 유화와 10개의 구아슈 작품이 남아 있습니다.

사람들이 물건을 사용할 때는
그 물건 속에서 상징적 의도를 찾지 않지만,
그림을 볼 때는
그 용도를 찾을 수 없고
회화를 접하면서 사람들은
무슨 생각을 해야 할지 모르기 때문에
곤경에서 벗어나기 위하여 의미를 찾게 되다.
사람들은 편안해지기 위하여
의지할 만한 것을 원한다.
안전하고 매달릴만한 것을 원하고
그렇게 하여 공허함에서 자신을 구할 수 있다.
상징적 의미를 찾는 사람들은
본질적인 시적 요소와 이미지의
신비함을 간과하게 된다.
아마도 이러한 신비함을 
감지하게 되더라도
그것을 떨쳐 버리고 싶어 할 것이다.
그들은 두려워한다.
'이것이 무엇을 의미합니까?'
라고 물음으로써
모든 일을 이해할 수 있기를 바라는 마음을 나타낸다.
그러나 만약
신비함을 거부하지 않는다면
완전히 다른 반응을 할 것이다.
다른 것을 묻게 될 것이다.

-수지 개블릭, <르네 마그리트>중에서-

결코 우리가 찾을 수 없는 대상들을
나의 그림에 위치시키는 것

마그리트는 그의 그림에 가해진 때 이른 질책에 대해 자신의 입장을 표명합니다. 일상성 안에서 시적 효과를 해방시키기 위한 주요 메커니즘에 대해 이렇게 묘사하고 있습니다. "절규하고 있는 친숙한 대상들을 다루고 있는데 그렇게 하기 위해서는 대상들의 일상적인 관계의 질서를 바꾸는 것이 필수적이다."라고요.  공중부양한 헬멧형태의 바위가 바다 위에 떠 있습니다. 그 위에 성채가 있고요. 불가능한 이 상황에 SF영화를 떠올리며 기분 좋은 상상을 해 봅니다. 딱딱한 바위와 유연한 파도,  정적인 성채와 동적인 파도소리, 무거움과 가벼움 등 대립 요소를 그림 안에 부각해 긴장감을 주는 듯도 보입니다. 자연의 법칙을 거스른 천연덕스런 마그리트의 상상력에 그저 웃습니다. 실현될 수 없는 백일몽을 뜻하는 프랑스식 관용어, '허공 위의 성곽'을 비틀어 쓴 것이라고 합니다. 이렇게 돌덩이를 자주 등장시킨 1950년대를 마그리트의 '석기시대'라 하고요. 물리학자들이 이 그림 앞에 서면 어떤 생각이 들지 궁금해집니다. 

마그리트에 의하면 그림의 중요한 기능은 인식의 도구로서, "일상적인 방식과 다른 방법"으로 보도록 강요함으로 인해 시각을 변화시키는 것입니다. 이를 위하여 그림을 구성하는 일상적인 대상들이 초현실적인 성질을 획득하는 것이 필요하고요. 이렇게 하기 위한 여러 과정들 중 하나는 , 일상과 초현실 사이의 갈등 속에 숨어 있는 초월적이고 시적인 힘을 더욱 활동적인 것으로 만드는 거지요. 사물 사이에서 충돌적인 연상작용을 만들어 보는 거죠.

이런 효과를 성취하기 위한 메커니즘은 위쪽에 있어야 할 사물의 위치를 아래쪽으로 위치시키거나 그 반대로 하여 변화시키는 것이죠. 그 대상을 포함하고 있는 공간과 대상 사이의 비례의 관계를 변화시키기도 하고요. 이러한 조작의 목적은 모든 것이 항상 고정되어 나타나는 곳에 교환할 수 있는 대체물의 가능성을 보여주면서, 시각을 새롭게 하는 것입니다. 

대상을 내포한 공간과 대상과의 비례의 교체가 가장 명확하게 표현된 작품들 중 한 예입니다. 이런 모순된 조작은 열린 공간의 실외의 사과와 주위 환경에서부터 고립되어 인위적인 방 안의 닫힌 공간 안에 있는 사과의 본성 사이의 대립으로 요약됩니다. 이 그림은 또한 심한 우울증에 빠져 있던 그의 어머니가 그와 동생들을 작은 방에 가두었을 때 경험이라고도 하더군요. 공포에 떨고 작은 공간에 갇혀 있어 정신적 학대가 컸을 테지요. 그런 부분들이 그의 작품에 무의식적으로 표현되었다는 해석이 많습니다. 

꿈이 깨어있는 순간들의 또 다른 형태라면,
깨어 있는 순간들도 꿈의 다른 형태이다.
-르네 마가리트-

르네 마그리트의 작품 앞에 선 관람객이 당혹감을 느끼는 이유는 캔버스에 등장하는 사물이 일상에서 쉽게 볼 수 있는 것이기 때문입니다. 이 캔버스에 등장하는 대상은 유리잔과 구름, 그리고 산과 강이 있는 풍경입니다. 이 모든 요소는 누구나 쉽게 접하고, 느끼며, 볼 수 있죠. 그러나 그것들이 이와 같이 조합되는 순간, 각 사물이 어떻게 관계하고 있는지에 대한 의문이 일어 당혹감을 느끼게 됩니다. 게다가 구름이 얹힌 유리잔은 현실에서 쉽게 발견할 수 없는 것으로 일종의 신비감까지 느껴집니다. 마치 소인국 풍경에 등장한 거인국 사물을 보는 것처럼 말이죠. 개인적으로 좋아하는 작품입니다. 저 구름이 셔벗 같아 한 술 떠먹고 싶은 상상도 해 보고요. 이러한 작품 앞에서 당혹감을 느끼는 이유는 유리잔의 크기와는 상관없는 듯합니다. 유리잔이 있어야 할 장소가 구름의 밑이기 때문에 당혹감이 느껴지는 거지요. 그러기에 익숙했던 유리잔이 정말 유리잔일까 하는 의문마저 듭니다. 마그리트의 데페이즈망 기법이 물씬 풍겨 나와  낯설게 합니다. 

이처럼 어떤 사물을 본래의 위치에서 떼어내 다른 맥락이나 상황에 놓아 충격 효과를 내는 것을 데페이즈망(depaysement) 기법이라고 합니다. 초현실주의의 선구자인 시인 로트레아몽이 "재봉틀과 우산이 병원 해부대 위에서 뜻하지 않게 만나는 아름다움"이란 표현이란 글로 재미있게 표현을 하기도 했습니다. 이는 '낯설게 하기'가 가지는 심리적 요동상태를 잘 보여준 예입니다.

마그리트는 세계로 난 창과 종종 그 창을 대신해서 등장하는 캔버스, 창 대신 선택한 문, 도려내어진 오브제 자리에 풍경이 펼쳐지면서 세상의 안과 밖, 그림의 안과 밖이라는 인식의 이분법을 깨트립니다. 우리가 그의 그림을 보면 무엇이 그려져 있는지 금방 알 수 있습니다. 그러나 왜 그려져 있는지에 대해서는 알쏭달쏭하지요. <표절> 작품에서 처럼  우리가 믿어 의심치 않은 '진실'이 어쩌면 자의 반 타의 반으로 빚어진 '착각'의 오류일 수 도 있겠다 싶습니다. 한 번쯤 모든 것을 의심해 보라는 마그리트의 철학적 질문 같기도 합니다. 

평소 우리가 아무런 의심 없이 받아들였던 상식 혹은 의식을 '의심해 보게'하는 장면입니다. 믿어 의심치 않은 세계가 어느 날 "실은 당신이 알고 있던 것은 모두 착각이야"라며 뒤통수를 가격하는 듯합니다.  작품 <저무는 해>는 바로 이 의식의 세계가 깨지는 사건, 이로 인해 야기되는 혼란스러움을 표현했습니다.

이 작품의 제작방법은 창문 앞에 놓인 그림을 표현한 작업들의 또 다른 변이 형태의 작업입니다. 그림 속 숲은 그림 같기도 하고 또 그림 밖 풍경같기도 합니다. 보고 있는 우리는 어떻게 안과 밖을 구분해 내죠? 자세히 보면 두 나무기둥 사이의 나뭇잎들의 부분은 뜻하지 않게 나무의 기둥과 말을 나타내는데 말의 궁둥이와 왼쪽 다리는 또한 말이 지나가고 있는 나무들과 공간적 갈등을 일으키고 있습니다. <백지위임장> 작품에서처럼 여기에 등장하는 모든 사물은 하나의 세계에 있는 것으로 보이지만 그렇지 않을 수 있음 또한 보여주고 있습니다. 그저 여인의 몸통 위에 나무를 걸쳐 그리거나 그 반대로 표현했을 뿐인 거죠. 우리가 아는 세계는 어쩌면 우리 지각 너머에 있는지도 모르겠습니다. 

 여러 개의 전이된 요소들은 하늘에 감추어진 미묘한 우주의 자취인 듯, 우의적인 새로운 의미로 융합되기 위해 아이러니하게도 좋은 관계를 유지하고 있습니다. 얼굴과 잘 맞지 않는 기구라는 사물은 안구라는 새로운 대상의 의미로 용해되어 있습니다. 이는 하나의 사물이 다른 이름으로 대치되는 마그리트의 창작 원칙 중 하나입니다.

 그가 살던 시대는 두 차례 세계대전으로 좌절과 절망으로 뒤덮인 시대였습니다. 이러한 상황에서 전쟁의 배경이 된 철학, 역사, 문화에 대한 저항이 하나의 예술 형태로 나타났지요. 우선 그의 작품에 등장하는 대상은 대부분 일상에서 자주 접하는 친근한 사물이라는 점입니다. 살바도르 달리 같은 초현실주의자는 꿈과 같은 비이성적 행위의 산물을 표현했기에 현실에 존재하지 않는 추상적 이미지가 캔버스에 자주 등장하게 됩니다. 하지만 마그리트는 일상생활에서 발견하는 대상을 캔버스에 그렸습니다. 그러기에 그의 작품을 관람하는 이들은 이런 사물을 무심히 지나쳤던 자신의 태도를 다시 한번 상기하게 되지요. 일상 속에서 초현실을 경험하는 순간입니다. 또한 이미지와 텍스트 간의 연관성에 대해 적극적으로 몰두했다는 점이 마그리트 만의 특징입니다.  그의 캔버스에는 사물의 이미지와 더불어 텍스트가 함께 등장합니다. 그는 그 간극에 대한 우리의 인식체계를 뒤흔드는 다수의 작품을 남겼고요. 물론 언어도 일상적인 사물이라고 생각하면 마그리트는 철저히 일상성을 중요시한 작가인 셈이죠. 이러한 독창적인 시선과 해석으로  미술의 새로운 역사를 쓴 마그리트, 그의 작품은 일상 속에 있었기에 세상 이곳저곳에서  여전히  살아 숨 쉬고 인용되고 있는지 모르겠습니다. 

늠름해 보이는 군견 도베르만을 축소한 것만 같은 외모를 가졌으나, 앙증맞은 작은 사이즈의 소형견 종류로 미니어처 핀셔가 있습니다. 이름처럼 작아서 실내에서 키우기 좋은 견종이란 말이죠. 아파트 위주의 주거문화에서도 인기를 끌었던 견종입니다. 2000년대 중반 미니어처 핀셔에 대한 인기가 올라가자 몰지각한 동물분양업체에서 블랙탄 치와와와 어린 개체를 미니핀으로 속여 분양한 것이 적발되기도 했다고 하네요. 해외에서 특히 반려견 품종 순위 상위권에 늘 랭크되는 인기 많은 견종입니다. 

원산지: 독일

평균 몸무게 : 3.5kg-5.0kg(암컷:4kg, 수컷: 4-5kg)

평균 체고:25cm-32cm

짧은 털을 가진 단모종 강아지 종류로 털의 색깔은 블랙탄, 적갈색 및 짙은 갈색 등이 대부분입니다. 곧게 선 큰 귀를 가지고 있으며, 검은색의 코와 함께 짙은 갈색의 눈을 가지고 있어요. 몸의 길이와 높이가 거의 비슷해서  스퀘어형 체형을 가지고 있답니다. 티비에서 보는 군견이나 경찰견인 도베르만을 축소한 듯한 외모로 오해도 많이  받는 강아지이기도 하지요. 

미니어쳐 핀셔는 독일에서 탄생된 강아지 품종입니다. 애칭으로 미니핀으로 불리고요.  미니핀은 1600년대(17세기 이후)부터 기록이 존재하는 견종입니다. 19세기까지 독일과 스칸디나비아반도 일대에서 쥐 잡는 개로 사육되었다고 해요. 도베르만은 1900년대인 20세기 등장한 개이고요. 엄청 선배견이므로 도베르만과 헛갈리지 말아 주세요. 둘 다 독일 출신이고 비슷하게 닮은 것은 순전히 우연이란 사실 꼭 기억하세요. 

아쉽게도 미니핀 강아지 탄생에 대한 정확한 기록인 남아있지 않다고 합니다. 가장 설득력 있는 내용은 저먼 핀셔, 닥스훈트, 이탈리안 그레이 하운드를 선택 교배하고 개량하여 탄생이 된 견종이라는 이야기가 유력한 상태입니다.  독일의 핀셔클럽에서 1985년 미니핀 견종 특징을 확립하고 현재의 미니어쳐 핀셔의 품종 특징으로 자리 잡았다고 알려져 있습니다. 독일에 이어 영국에서 소형화 과정을 거치면서 귀를 곤두서게 하고, 크기를 더욱 작게 품종개량 노력을 거듭한 끝에 오늘날과 같은 작고 귀여운 미니핀을 만들어 냈답니다. 

미니핀이 처음 전람회장에 모습을 보였을 때 그의 늠름하고 당당한 모습에 "토이 그룹의 왕"이라는 별명을 얻기도 했다고 합니다. 독일에서 미니핀을 츠베르크(초소형)핀셔라고 부르고요. 1920년대 미국에 알려지면서 1929년 미국핀셔클럽이 결성됩니다. 20세기 초에 미국에 처음 알려졌을 정도로 애완견으로서의 역사는 비교적 짧은 편입니다. 1935년 시카고 애완견 전람회에서 대상을 받은 이후 세계에서 가장 인기 있는 애완견으로서 애완견 중의 애완견이라는 찬사를 받아 왔습니다. 지금도 덴마트, 이탈리아, 네덜란드 등지에서는 최고의 토이종으로 사랑받고 있답니다.

미니핀은 좁고 쐐기 모양을 한 머리와 각이 뚜렷하고 튼튼하고 균형 잡힌 체형을 가지고 있습니다. 어두운 갈색의 날카롭고 또렷한 눈과 검은 코가 특징이고요. 매끄럽고 굵고 짧은 광택 있는 털이 전신을 덮고 있어요. 꼬리는 엉덩이의 높은 부분에 위치해 짧은 편입니다.  걸을 때 마장에서 경기하러 등장하는 말처럼 앞발을 높이 쳐들고 경쾌하게 걷는 특징이 있습니다. 조그맣고 깔끔하고 경쾌하고 발랄한 개입니다. 

https://www.youtube.com/watch?v=OCdOwarrmqM

작은 소형견 종류라고 무시했다가 큰 코 다칠 수 있습니다. 실제 미니어처 핀셔는 대형견들도 무서워하지 않고 용감하게 덤벼드는 모습을 보입니다. 대형견 못지않은 용맹성과 침착성을 지니고 있어요. 겁 없이 용감한 성격이긴 하지만 체력은 대형견을 절대로 못 당하죠. 그러니 대형견과 맞서게 하지 말아 주세요.

기본적으로 경계심이 강한 성격입니다. 고집도 있어서 반려견으로 키우시려면 어린 강아지 시기부터 사회성교육을 지속적으로 해 주셔야 합니다. 갑자기 큰 소리를 내거나  힘조절이 쉽지 않은 어린아이들이 있는 가정에는 어울리지 않는 견종입니다. 미니어처 핀셔를 자극하여 공격성을 보이게 하거나 사고를 낼 수 있으므로 보호자의 통제하에 아이들과 함께 있도록 하는 것이 중요합니다.

https://www.youtube.com/watch?v=ENH9PNZ0WfY

미니핀은  보호본능과 경계심이 매우 강해 주인 이외의 모르는 사람에게는 끝가지 경계를 늦추지 않는 버릇이 있습니다. 상대방이 위협적인 동작을 취할 때  종종 물기도 합니다. 대담하고 강인한 성질 때문에 다른 개와 함께 키우게 되면 시끄러울 수 있습니다. 

생기발랄한 견종이므로 충분한 운동과 산책은 필수입니다. 눈치도 빠르고 지능도 좋은 편입니다. 기본적으로 사회성교육과 함께 사랑 듬뿍 받고 자라면 더 멋지고 근사한 반려견으로 성장할 겁니다. 산책할 때 시야에서 벗어나지 않도록 신경을 써야 하고 목줄을 반드시 착용해야 합니다. 그리고 방울을 꼭 달아주세요. 미니핀의 방울은 여러 가지 역할을 하는데 일단 개가 시야에서 멀어지더라도 소리로 찾을 수 있습니다. 까만색이기 때문에 눈에 잘 띄지 않을 수 있어요. 덩치는 작아도 까맣고 야무지게 생겨서 달려들면 상대가 무서워합니다. 단지 냄새를 맡으러 달려가는 걸 텐데 말이죠. 그래서 방울을 달아서 개가 근처에 있다는 걸 알려주어야 합니다. 쥐를 잡던 사냥개라 흙이나 풀냄새를 맡으면 영역 표시를 하고 대변을 봅니다. 항상 야외 산책 시 대비하세요. 매달 발톱 관리는 기본입니다. 발톱이 길면 바닥에 미끄러져 관절이 약한 미니핀에겐 좋지 않거든요. 

미니어처  강아지 수명은 건강과 유전적 요소, 생활환경, 식습관 등에 차이가 있지만 평균 12-16년으로 다른 소형견 종류 개들과 비슷합니다. 기본적으로 튼튼한 견종입니다. 하지만 디스크, 슬개골탈구 등의 관절질환과 함께 강아지 갑상선 질환, 귓바퀴 괴사 등 의 질환에 취약합니다. 특히 빛을 감지하는 신경 세포에 문제가 생겨 점점 시력을 잃어가는 질병인 진행성 망막 위축증은 미니핀들의 고질병으로 알려져 있습니다.  살이 찌면 슬개골이 쉽게 탈구될 수 있으니 늘 체중관리를 신경 써서 해 주세요. 미니핀은 뒷다리 근육운동이 필수입니다.

만약 미니핀을 입양하고 싶다면 짖는 것과 털 관리를 간접 체험하시고 선택하시길 권합니다. 털이 짧고 까맣기 때문에 다른 개들보다 더위와 추위를 많이 탑니다. 여름에 가능하면 실외 산책을 삼가야 하고 봄, 가을에도 흰색이난 밝은 색 계열로 옷을 입혀 직사광선을 피해야 합니다. 

단모종들은 얼굴 표정이 그대로 전달됩니다. 기분이 좋은지 , 나쁜지, 우울한지 , 배가 고픈지 말이죠. 이런 교감을 느끼고 싶으신 분들, 의리가 있어 항상 주인을 기억한다고 하니 관심 있는 분들 좋은 선택이 되었으면 좋겠네요.